Biografia:

(Treviso 1914 - Firenze 1996)

Renzo Biasion nacque a Treviso il 30 maggio 1914 da famiglia veneziana; si è spento a Firenze nel 1996. Ha vissuto e lavorato dal dopoguerra a Torino, a Torri del Benaco sul lago di Garda, a Bologna e a Firenze. È stato pittore, incisore, scrittore, giornalista e critico d’arte. Il suo percorso artistico è legato a varie città: la Venezia degli studi giovanili, la Torino del dopoguerra, la Bologna che lo consacrò all’arte e alla critica, la Firenze in cui tornò all’insegnamento d’arte.

Si iscrive al Liceo artistico di Venezia e, conseguito il diploma, inizia ad insegnare disegno nelle Scuole industriali di Feltre. Appartengono a questi anni (1938-40) i primi ‘interni’, le prime ‘periferie’ e alcuni ‘ritratti’ a olio e ad acquerello.

Renzo Biasion, a sinistra, prima di partire per il fronte

Chiamato sotto le armi nel 1940 e inviato al Brennero, scoppiata la guerra viene mandato sul fronte greco-albanese col grado di sottotenente di fanteria, iniziando un’esperienza che avrà durevoli influssi sul suo lavoro avvenire. Tiene un diario e disegna dal vero i soldati. Durante l’avanzata in Grecia e i rastrellamenti nel Peloponneso dà corso a una serie di disegni di ‘bambini greci’ laceri e denutriti (tale serie, in parte perduta durante la guerra, precede di alcuni anni la poetica e la pittura neo-realista). Sbarcato a Creta e aggregato alle truppe tedesche, diventa comandante del Presidio di Kalò Koriò, Prina e Messeleri. Inizia la serie dei ‘paesaggi cretesi’ e collabora con disegni al “Giornale di Roma” di Atene, diretto da Paolo Cesarini. Dopo un breve soggiorno a Rodi, dove esegue vedute della città, da Creta è trasferito all’aeroporto di Iraclion: disegna gli sfollati dei “ricoveri” e una serie di “prostitute greche”, il tutto perduto 1’8 settembre 1943. Dopo questa data segue le sorti della Divisione “Siena” e, attraverso Grecia, Bulgaria, Ungheria, Austria, Germania, è condotto in prigionia in Olanda e successivamente in Polonia, poi a Norimberga. In questi campi di concentramento disegna dal vero soldati italiani e tedeschi e vedute del lager. Perduto il diario di guerra, inizia un diario di prigionia. Fuggito nel giugno del 1944, fece rientro in Italia. Sarà insignito della ‘Croce di guerra‘ al valor militare per la sua lunga prigionia.

Finita la guerra ritorna a insegnare disegno nella Scuola media di S. Bonifacio e successivamente a Caprino Veronese. Nel 1946 espone alla Piccola Galleria di Venezia, una serie di ‘interni’ che attirano l’attenzione di Sergio Solmi, direttore della rivista milanese “Le Arti”. Nel 1948 pubblica Tempi bruciati (Ed. della Meridiana, Milano) che ottiene successo di critica. È invitato a collaborare sulla terza pagina della “Gazzetta del Popolo” di Torino e, due anni dopo, lasciato l’insegnamento e trasferitosi a Torino, diventa inviato speciale del medesimo giornale. È un periodo di intenso lavoro letterario e giornalistico. Scrive i racconti di Sagapò, che saranno raccolti in volume soltanto nel 1953, scelti da Elio Vittorini per la sua celebre collana I gettoni (Einaudi, Torino); un grande successo tradotto in varie lingue e più volte ristampato in varie edizioni sino all’ultima uscita in occasione del centenario della nascita dell’artista. In seguito al successo di Sagapò gli viene offerta la rubrica d’arte sul settimanale “Oggi” di Milano, della quale è stato titolare per 34 anni. Trasferitosi a Bologna, lascia la letteratura e il giornalismo militante per ritornare alla pittura.

Biasion davanti ad una delle sue note ‘case rosse’ a Bologna

Continua le ‘periferie’ e inizia la serie delle ‘case rosse’, riprendendo pure a dipingere, su dimensioni maggiori, ‘ritratti’ e ‘interni’. Nel 1963 un’antologia di Piccoli interni pubblicati da Scheiwiller è presentata da Sergio Solmi. Espone all’Annunciata e alla Barbaroux di Milano. L’editore Macchi di Pisa gli dedica una grande monografia con un saggio di Corrado Corazza e con scritti dei maggiori critici italiani del momento. Nel 1964 pubblica, in edizione numerata, Pasqualino Locoforte (Ed. Bucciarelli, Ancona) e nel 1966 L’obiettore di coscienza, pure in edizione numerata, con due incisioni (Ed. Bischi, Urbino). Nel medesimo anno è nominato membro dell’Accademia Cherubini di Firenze. Ritorna all’insegnamento ottenendo, per concorso, la cattedra di Figura disegnata al Liceo artistico di Firenze. Successivamente verrà nominato membro dell’antica Accademia delle arti del disegno di Firenze.
Ha compiuto lunghi viaggi all’estero per la rivista “Pirelli” di Milano, illustrandoli con disegni e acquarelli. Ha illustrato con incisioni poesie di Vittorio Sereni, racconti di Fruttero e Lucentini e di Mario Pomilio. Oltre alla collaborazione con “Oggi”, ha scritto anche sulle riviste “Antiquariato” e “Arte”. Tra le molte mostre personali, da ricordare quelle alla Piccola Galleria (Venezia, 1948), alla Bussola (Torino, 1947 e 1953), all’Arte Antica (Torino, 1973), all’Annunciata (Milano, 1949 e 1958), alla De Foscherari e alla Loggia (Bologna, 1971), alla Michaud (Firenze, 1976 e 1978), all’Aglaia (Firenze, 1979), alla Galaverni (Reggio Emilia, 1985), l’antologica al Museo Civico L. Bailo di Treviso (1986), l’antologica di Imola (1973), alla Mazzoni (Bologna, 1996), alla Fondazione Giorgio Cini (Venezia 2004) e alla Ponte Rosso (Milano, 2004). I 100 anni dalla nascita sono stati ricordati con tre mostre antologiche: la prima si è tenuta al Museo Magi ‘900 di Pieve di Cento (Bo) nel settembre-ottobre 2014. La seconda a Torri del Benaco (Vr) presentata da Vittorio Sgarbi che ha tenuto una “Lectio Magistralis” sui suoi dipinti (giugno 2015). La terza è stata alla Galleria Ricci Oddi di Piacenza nell’ottobre 2015.

Autoritratto. L’opera si trova al Museo L. Bailo di Treviso

Biasion ha esposto, come invitato con gruppi di opere, alla Biennale di Venezia, alla Quadriennale di Roma, nelle maggiori mostre italiane e all’estero, tra cui le mostre itineranti della pittura italiana, in Germania e nell’America del Sud, alle maggiori mostre internazionali di arte grafica: S. Paulo Brasile, Parigi, Mosca, Stoccolma, Intergraphic di Berlino, Firenze, Leningrado, Giappone. Sue opere figurano in diverse gallerie d’arte italiane e straniere: Bologna, Firenze, Torino, Verona, Venezia (Ca’ Pesaro e Fondazione Cini), nei Musei di Lucca, Imola, Treviso, Rovigo, Rodi, Rovigno, Benevento, Belluno, Feltre, Pisa, Vicenza, San Pietroburgo (Ermitage), Lima. Un suo ricco corpus di incisioni è stato acquisito dal Gabinetto delle Stampe degli Uffizi di Firenze (105 tra acqueforti e puntesecche); l’Autoritratto di Biasion è stato acquistato dalla Galleria degli Uffizi di Firenze; alla Fondazione Giorgio Cini a San Giorgio, Venezia, sono custoditi 73 disegni e acquarelli eseguiti tra il 1941 ed il ’44, durante la Seconda Guerra mondiale; il Museo di Senigallia gli ha dedicato una sala permanente; altre opere figurano in vari altri musei. Numerosissime sono state le sue mostre personali, in Italia e all’estero.

Ha conseguito vari premi, tra cui il Premio Napoli delle Nove Muse, il Premio Verona (I° premio), il Premio Gonzaga (I° premio), il Premio Antoniano (I° premio), il Premio Capo d’Orlando (I° premio), il Premio Ginestra d’oro, il Premio per il disegno (I° premio) alla Mostra dell’arte figurativa (Milano 1966), la medaglia d’oro per la pittura alla Quadriennale di Torino (1968), la Tanagra d’argento (I° premio per il disegno) alla Biennale di Torino (1969), il Premio Giuseppe Viviani per l’incisione (I° premio, Pisa 1977).

Gli fu inoltre conferita la Medaglia d’oro del Presidente della Repubblica  come “benemerito delle arti figurative”.

I maggiori critici d’arte italiani si sono occupati dell’opera pittorica e grafica di Renzo Biasion.
Numerosi i saggi e gli interventi critici sulla sua attività artistica. La sua “voce” è inclusa in tutte le più importanti pubblicazioni specializzate, in varie antologie scolastiche e storie dell’arte moderna.

da: https://renzobiasion.com/info/

Biografia:

(Firenze 1943)

Luca Alinari nasce il 27 ottobre 1943 a Firenze, nei cui dintorni, a Rignano sull'Arno, vive e lavora.

Giovanissimo, scopre la passione per la pittura e, come tutti i bambini, disegna e dipinge: ma Luca disegna e dipinge sempre e questa passione diventa il suo modo preferito per comunicare.

Dopo aver frequentato la Facoltà di Lettere e Filosofia, all'inizio della sua carriera si è occupato di critica letteraria: sarà redattore di riviste e recensore di testi di narrativa.

Per alcuni anni lavora nel settore della comunicazione scritta e televisiva e nel 1979 fonda e dirige la rivista d’arte “Signorina Rosina” mentre vive attivamente all'interno del mondo intellettuale ed artistico.

 La sua prima mostra personale risale al 1969 a Firenze e da allora  Luca Alinari è considerato un intellettuale, attivissimo nel panorama culturale italiano, che si interessa non solo di arti figurative, ma un personaggio che ha dato il proprio contributo ad eventi happening (ove l'arte non è il solo tema trattato) e a numerose pieces teatrali d'avanguardia. 

Le sue sperimentazioni anticiperanno gli spunti e le idee di tanta pittura italiana sviluppatasi a cavallo tra gli anni Settanta e Ottanta, come il movimento “Nuovi-Nuovi” e la “Transavanguardia”.

Dopo esperienze nella grafica e in altre forme espressive artistiche, negli anni ottanta è approdato alla formulazione suggestiva e fantastica di paesaggi immaginari. 

Luca Alinari diventa presto uno degli autori più significativi dell’arte contemporanea, il punto di raccordo fra la generazione del post Pop Art degli anni tra il Settanta e Ottanta e le sperimentazioni neofigurative degli anni Novanta".

I suoi primi riferimenti stilistici infatti sono legati alla corrente “Neodada”, in adesione alla quale utilizza le tecniche più diverse: disegno con uso di colori fluorescenti, decalcomania, collage, trasposizioni fotografiche.


Nel corso degli anni Luca Alinari ha dipinto sui materiali più vari, spaziando dall'affresco al plexiglass, dal legno alla stoffa colorata che, fissata sulla tela, permette all'artista di ottenere cromatismi personalissimi.

La sua vena artistica ha spaziato anche nella sculture in vetro di Murano, opere intensissime sia nelle forme che nei colori.

Ormai famoso e conosciuto Luca Alinari viene invitato alle maggiori manifestazioni artistiche e, nel 1982 partecipa a "Arti visive '82", Biennale di Venezia; nel 1986 partecipa alla XI Quadriennale di Roma. 

Nel 1990 ha l'onore di dipingere il "Cencio" per il Palio di Siena.

Nel 1999 il Museo degli Uffizi acquisisce un autoritratto dell'artista da inserire nella famosa collezione di autoritratti collocata nel Corridoio del Vasari a Firenze.

Le sue opere, che costituiscono il diario fantastico ed affascinante delle vicende del nostro tempo, si esprimono attraverso una notevole precisione figurale, legata all'osservazione della natura, nelle evoluzioni delle stagioni, nei colori del cielo, nei colori delle foglie, nei gesti delle persone.
 I quadri di Alinari possono essere apprezzati e condivisi o turbare l'osservatore, ma certamente non lo lasciano indifferente, essi attirano lo sguardo e coinvolgono la natura più intima dell'uomo.

da: http://www.settemuse.it

Biografia: 

(Lodi 1937 - Lodi 2009)

- 1937, 18 marzo

Nasce a Lodi, in via Santa Maria del Sole, secondogenito di sei figli.

La famiglia si trasferisce poco dopo in piazzale Barzaghi, dove Luigi Volpi trascorre gli anni dell’infanzia. 

- Fine anni ‘50 

Frequenta i corsi serali di pittura alla Scuola Superiore d’Arte del Castello Sforzesco di Milano e i corsi liberi di nudo all’Accademia di Brera.

Si dedica a varie attività, lavorando anche come grafico pubblicitario

- Anni ‘60 e ‘70

Vive a Milano

- 1967

Consegue da privatista il diploma di Maestro d’Arte presso l’Istituto Venturi di Modena

- 1971 - 1983

Insegna disegno e tecniche progettuali presso la Scuola d’Arte Ceramica “Cova” di Milano

- 1983

Inizia a dedicarsi professionalmente alla pittura e all’incisione

- Metà anni ‘80 - metà anni ‘90

Vive sulle colline di San Colombano al Lambro, nella frazione Valbissera

- Primi anni ‘90

Ritorna definitivamente a Lodi, con abitazione in via Cavezzali e poi in via XX Settembre

- 2009

Muore a Lodi il 31 marzo

PRINCIPALI MOSTRE PERSONALI

1965  Milano, circolo “Elio Agresti”

           Milano, Libreria Rinascita

1973  Lodi, galleria “Il Gelso”

1974  Cremona, “Galleria 23”

           Riva del Garda (Tn), galleria “La Firma”

1975  Livorno, galleria “Il Cavallo”

1978  Milano, Scuola degli Artefici, Accademia di Brera

1981  Modena, galleria “Artestudio”

1983  Lodi, Centro “Il nuovo Broletto”

           Lodi, Casa Editrice “Il Pomerio”

1984  Milano, Spazio espositivo “Corte Regina”

1986  Lodi, Centro Culturale “Ezio Vanoni”,

           Milano, galleria “Il Quadrangolo”

1987  Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande"

1991  Cremona, galleria “Sant’Antonio”

1992  Milano, “Spazio Ergy” (opere grafiche)

1993  Sant’Agata dei Goti (Bn), centro storico,  “Tra le antiche mura”

1996  Milano, Biblioteca Comunale di Palazzo Sormani (opere grafiche)

1999  Londra, “Zebra two Gallery”

2000  Varese, "Galleria d’Arte Armanti"

2002  Milano, "Spazio Ergy", “Dieci anni dopo”

2006  Pisa, Spazio espositivo "Inclub Editore", “Pisa all’acquaforte”

2012   Lodi, Museo “Ettore Archinti”, “Il silenzio inciso” (mostra postuma) 

2014   Lodi, Bipielle Arte, "Luigi Volpi 1937-2009. Opere" (mostra postuma)

2014   Lodi, Biblioteca Comunale Laudense, "Luigi Volpi 1937-2009. Incisioni" (mostra postuma)

2016   Lodi, Chiesa dell'Angelo, "Luigi Volpi 1937-2009. Disegni" (mostra postuma)

PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE

1956  Milano, Premio San Fedele 1972

1957  Orzinuovi (Bs), III Premio Orzinuovi

1964  Milano, Premio “La parete d’oro”

1973  Milano, IX Premio Diomira (premio acquisto)

1965  Milano, Palazzo della Permanente, XXIV Biennale Nazionale d’Arte Città di Milano

1966  Saronno (Va), IV Premio di pittura, “Città di Saronno” (segnalato)

1967  Sorrento (Na), Biblioteca Civica, “Sei giovani pittori”

           Sesto San Giovanni (Mi), Concorso Scuola XXV Aprile (segnalato)

           Modena, IX Mostra Interregionale Città di Modena (Primo premio per la sezione pittura)

           Milano, Palazzo della Permanente, 1975 XXV Biennale Nazionale d’Arte Città di Milano

           Cernusco sul Naviglio (Mi), Premio di pittura e grafica “Villa Visconti” (premio acquisto)

           Milano, Galleria delle Ore, XI Premio del Disegno

           Sesto San Giovanni (Mi), Premio “Piazzetta”

           Milano, galleria “Le Firme” (Gruppo di intervento grafico)

           Milano, galleria “Ciovasso”

           Rapallo (Ge), Sala mostre dell’antico castello, “Immagine 10”

1969  Sesto San Giovanni (Mi), Premio Piazzetta (premio acquisto)

1970  Sesto San Giovanni (Mi), Premio Piazzetta (premio acquisto)

           Milano, Libreria di Brera

1971  Cremona, Club Turati

1976  Faenza (Ra), Palazzo delle Esposizioni, “Alternative 76”

            Suzzara (Mn), XXVIII Premio Suzzara

            Paliano (Fr), Palazzo Colonna, “Evidenza dell’immagine”

            Berlino, Museum fur Deutsche Geschichte, “Inter Grafik 76”

1974  Saronno (Va), Biblioteca Civica, “L’uomo, la città” (a cura di Mario De Micheli)

            Milano, Casa della cultura, “Rassegna dell’immagine critica a Milano” (a cura di Mario De Micheli)

            Milano, Galleria delle Ore, XII Premio del Disegno

1977  Lubiana (Rep. Slovena), Moderna Galerija, “Grafici italiani contemporanei”

            Milano, galleria Gipico Arese Torretta, “24+4, disegni e sculture”

1978  Milano, Palazzo della Permanente, “Una situazione, nove testimonianze”

            Milano, galleria “Litta”

            Lissone (MB), galleria Radice

            Valenza Po (Al), Centro Comunale di Cultura, “Una situazione, nove testimonianze”

1979  Brescia, “Testimonianze di una situazione”

            Rho (Mi), Rassegna Nazionale del Disegno e dell’Incisione”

            Sorrento (Na), Centro d’Arte Antiope, “Realisti della quarta generazione”

1980  Modena, Centro Studi Ludovico Antonio Muratori

1982  Milano, galleria “Lo Zibetto”, “Cantonetti Dattelis Volpi”

           Vizzolo Predabissi (Mi), Palazzo Comunale “Il buon lavoro di tredici artisti”

           Torbole (Tn), Spazio espositivo “Colonia pavese”, Gruppo proposte grafiche

           Torino, Liceo Artistico Vittorio Veneto, “Sei incisori”

1984  Lodi, galleria “Il Gelso”

1985  Lodi, Studio Quadraroli, “L’autoritratto”

            Konstanz (Germania), “Zeitgenossische Kunst aus Lodi Konstanz”

1986  Biella, Galleria Arte Dialoghi Club, “Incontro con la grafica contemporanea. Quaranta nature morte”

           Milano, Centro dell’incisione “Alzaia Naviglio Grande”, “Fior da fiore”

           Milano, La bottega di arti incisorie Milano, Ponte delle Gabelle, “Trenta incisori per Natale”

1987  Taipei (Taiwan), III International Biennal Print Exhibit 1987 ROC

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “Favole padane”

           Lodi, Studio Quadraroli, “Ritrattare”

1988  Londra, Royal Academy, “The Royal Academy Illustrated 1988”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “Artisti per gli amici”

1989  Londra, “The Royal Academy Illustrated 1989”

           Milano, Centro dell’Incisione Alzaia Naviglio Grande, “Tale e quale a Natale”

1990  Milano, Palazzo della Permanente, VI Triennale dell’Incisione

           Londra, Royal Academy, “The Royal Academy Illustrated 1990”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", Natale sul Naviglio

1991  Milano, galleria Ciovasso, “Autoritratto d’Artista”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “L’artista e il suo insolito”

1992  Treviso, galleria “La Roggia”, “Artisti lodigiani”

           Sassari, Teatro civico, “L’incisione calcografica italiana negli anni 90”

1993  Bologna, galleria Forni, I Biennale dell’incisione “Romeo Musa”

           Milano, "Spazio Ergy", “Nero su bianco”

           Bagnacavallo (Ra), Museo civico delle Cappuccine, “Repertorio degli incisori italiani”

           Milano, Spazio Finarte, “Arte per la vita”

1994  Milano, "Spazio Ergy", “Nero su bianco. Altri segni altri maestri”

           Milano "Spazio Ergy", Senigallia (Giardini della Rocca),

           Fabriano Complesso di San Domenico, “L’altoparlante. Musica suono comunicazione”

1995  Lodi, Rassegna d’arte “Oldrado da Ponte” Conferimento del premio “Oldrado da Ponte”

1996  Modica (Rg), I Rassegna Nazionale dell’acquaforte figurativa contemporanea

           Codogno (Lo), Ospedale Soave, “Quaranta artisti per Lodi provincia”

           Milano, Castello Sforzesco, “Matera e i suoi dintorni psicologici”

1997  Bagnacavallo (Ra), Museo civico delle Cappuccine, “Repertorio degli incisori italiani”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “C’era una volta”

1998  Serra San Quirico (An), I Premio Internazionale d’Arte “Ermanno Casoli” (finalista)

           Milano, galleria Ciovasso, “L’oggetto e lo sguardo”

           Roma-Milano, Premio Leonardo Sciascia “Amateurs d’éstampes”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “Ritratti di cose ferme”

           Lodi, Rassegna d’arte “Oldrado da Ponte”

1999  Milano, galleria Nuovo Aleph, “Una rosa d’artista”

           Lodi, Archivio Storico, “Carte d’arte in archivio”

           Lodi, Naturarte 1999

              Milano, galleria Ciovasso, “Artisti contemporanei. Collezione Duilio Zanni”

              Atri (Te), “Casoli pinta”, Murales in estemporanea

              Lodi, rassegna d’arte “Oldrado da Ponte”

              Bagnacavallo (Ra), Pinacoteca Comunale, “Aqua fortis. Quaderni di grafica”

           Milano, Centro dell’Incisione "Alzaia Naviglio Grande", “25 per Natale”

2000  Parma, “Artisti in fiera”

2001  Lodi, Spazio Bipielle Arte, “Realtà e realismi del Lodigiano” (a cura di Raffaele De Grada)

           Lodi, Naturarte 2001

2004  Lodi, Naturarte 2004

2005  Lodi, Naturarte 2005

2006  Lodi, Naturarte 2006

2007  Sant’Angelo Lodigiano (Lo), Castello Bolognini, rassegna “Naturarte”

2009  Lodi, Rassegna d’Arte “Oldrado da Ponte”. Conferimento del Premio “Una vita per l’arte” (alla memoria)

2012  Lodi, Spazio Bipielle Arte, “L’arte s’è desta. 150 anni di pittura a Lodi, 1861-2011” (postuma)

2013  Milano, Università Bocconi, “1966-1976 Milano e gli anni della grande speranza” (postuma)

PRINCIPALI CARTELLE E PUBBLICAZIONI

1986  “Quaranta nature morte”, Dialoghi Club, Biella 

           “Natura morta con carciofi e limoni”, edizioni Olivetti

1987  “Natura morta d’autunno” Amici della Grafica, Casalpusterlengo (Lo)

1988  “Due paesaggi”, Club della Grafica Forni, Bologna

            Edizioni varie, Inclub, Firenze

1990   Edizioni varie, Inclub, Firenze

1991   Edizioni varie, Inclub, Firenze

1993   “Vedute di Sant’Agata”, Edizioni Russo,  Sorrento

1995   Edizioni varie, Inclub, Firenze

1996   Edizioni varie, “Zebra One”, Londra

            “In ricordo di un amico”, Associazione culturale “Monsignor Quartieri”, Lodi

1998   “Dal mare all’entroterra attraverso secoli di storia”, Provincia di La Spezia (promossa dalla Società Autostrada Ligure-Toscana)

            “Graffiti lodigiani”, Provincia di Lodi

1999   Edizioni varie,“Zebra One”, Londra

           “Aqua fortis”, quaderni di grafica, Bagnacavallo (Ra)

           “Camaiore e dintorni”, Camaiore (Lu)

2001  Edizioni varie, Inclub, Firenze

da: http://www.luigivolpi.it 

Biografia:

Cronologia:

1939

Nasce in Lancashire, Inghilterra.

1956-60

Frequenta la Scuola d’arte di Wigan e consegue il diploma nazionale di pittura.

Vince la medaglia Governors e la borsa di studio per Parigi.

1960-63

Frequenta l’Accademia d’Arte di Edimburgo e vi consegue il diploma di pittura.

1961-63

Ottiene il premio Sketch Club e vari premi-viaggio in capitali europee.

1962

Borsa di studio per un anno post-diploma.

1963

Vince il premio Andrew Grant per un anno, sceglie di soggiornare e dipingere in Spagna.

1964

Viaggia e dipinge in Norvegia.

1964

Insegna alla Scuola d’arte di Wigan.

1965-66

Corso per insegnanti d’arte all’Università di Londra.

1966

Lavora alla sezione Ricerche Televisive per la Scuola presso l’Università di Londra.

1966-68

Insegna alla scuola d’Arte di Wigan.

1969

Primo viaggio in Italia. Soggiorna e dipinge per un anno in Sicilia e Toscana.

1970

Insegna alla Scuola d’arte di High Wycombe.

1971

Soggiorna in Sicilia. Costruisce lo studio permanente a Militello Rosmarino.

1972-4

Insegna Pittura al Politecnico di Manchester.

1973

Eletto socio dell’Accademia d’Arte di Manchester.

1974-77

Dipinge in Sicilia.

1978-79

Disegna e produce programmi televisivi per bambini in ospedale, Comune di Manchester.

1979-90

Dipinge in Sicilia.

1981

Film documentario sul suo lavoro e vita in Sicilia intitolato Il Nostro John Picking girato da Lancastria Television per ITV2.

1981

Riceve la cittadinanza onoraria di Militello Rosmarino.

1990

Stabilisce un secondo studio a Clusane, sul Lago d’Iseo. Divide il suo tempo dipingendo tra la Sicilia e Brescia.

1993

Sposta il secondo studio in Via Sant’Afra, Corte Franca (Brescia).

1998

Primo viaggio a New York.

2000Stabilisce studio a New York e lavora per Monique Goldstrom Gallery, Broadway.

2001 -

Continua a dipingere nei due studi italiani.

Mostre personali:

PERSONALI

Paperback Gallery, Edinburgh, 1961

ESU Gallery, Edinburgh, 1964

Berry Gilmore Gallery, Manchester 1967

New 57 Gallery, Edinburgh, 1967/70

Museum and Art Gallery, Salford, 1970

Colin Jellicoe Gallery, Manchester,

1972/74/76/78/81/83/84/87/89

Mercury Gallery, London 1973/76/81

Scottish Gallery, Edinburgh, 1977/81

Arts Club, London, 1977

Galleria d’Arte Antares, Catania, 1981

Centro Arti Visivi, Capo D’Orlando, 1981

Arte Grafica Club, Catania, 1982

Artists Club, Liverpool, 1983

La Nuova Barcaccia, Palermo, 1984

Galleria La Gradiva, Roma, 1984

La Barcaccia, Napoli, 1984

Galleria L’Incontro, Fiuggi, 1985

Galleria Agatirio, Capo D’Orlando, 1988, 1999

Galleria Russo e Russo, Fiuggi, 1991/94

Palazzo degli Affari, Firenze, 1992/94

Telemarket, Brescia, 1995

Monique Goldstrom Gallery, Broadway,

New York, 2000

Castello di Brolo, Messina, 2003

Galleria La Rocchetta, Pavia, 2003

Castello Gallego, Sant'Agata di  Militello, 2004

Villa Piccolo, Capo d'Orlando, 2006

Associazione Culturale Mediterranea, Acquedolci, 2011

Comune di Corte Franca, 2011

Casa del Pittore, Chiari 2011

Comune di Rovato, 2012

Studio Aperto, Militello Rosmarino, 2013

Museo Gadam, San Marco d'Alunzio, 2014

Castello Gallego, Sant'Agata di Militello, 2015

Salone Comunale, Torrenova, 2016

Ellearte, Palermo, 2017

FILM

Il Nostro John Picking  45min. documentario diretto da Elizabeth Leigh, Lancastria Television per Channel Four 1982.

MURALI

Trappeto (Palermo), 1985

Barcellona Pozzo di Gotto,  (Messina), 1986/87

Militello Rosmarino (Messina), 1989

Castellana Sicula (Palermo), 1995

Caltavuturo (Palermo), 1999

Cosenza, 2015

Mostre collettive:

Royal Scottish Academy, 1963-73

Society of Scottish Artists, 1964-67

Northern Young Contemporaries, Manchester, 1966

Arts Council touring Exhibition NYC’s, 1967

Liverpool Academy, 1967/68

Glasgow Institute of Contemporary Arts, 1967

Colin Jellicoe Gallery, Manchester,  1967-99

Piccadilly Gallery, London, 1971

Sheffield Open Exhibition, 1972

Mercury Gallery, London, 1972-81

New 57 Gallery Anniversary Exhibition,

Edinburgh Festival, 1972

Scottish Gallery, Edinburgh, 1973-83

Manchester Academy, 1973-1996

Royal Academy, London, 1974/75

Northern Images, Manchester, 1974

Galleria La Robinia, Palermo, 1977-79Arte  Club, Catania, 1981-85

Palazzo Communale, Acireale, 1982

Galleria Mercede, Roma, 1982

Galleria L’Incontro, Fiuggi, 1982-84

Arte/Presenze, Museo Civico, Gravina di Catania, 1984

La Barcaccia, Fiuggi, 1986-89

Mulli-Gallerie, Weisslingen, Zurigo, 1984

Vitalità nell’Arte Contemporanea, Roma, 1986.

Incontro D’Arte,  Messina 1986

La Mistica nell’Arte odierna, Monreale, 1985

Galleria La Meridiana, Messina, 1985-89

Comune di Partinico, 1986

Artisti Messinesi, Chiesa dei Catalani, Messina, 1987.

Centro La Sirena, Roma, 1987-89

Una Città per l’Arte, Capo d’Orlando, 1987-90

L’Acquerello Italiano a Messina, 1990

Comune di Palermo, 1992

Arte Fiera, Bologna, 1991-94

Circuiti D’Acqua, Comune di Trapani, 1993

I Figurativi, Basilica di S. Lorenzo, Firenze, 1994

Bruton Street Gallery, London 1994-95

Rassegna Internazionale D’Arte Contemporanea, Sant’Agata Militello, 1996

Telemarket, Fiuggi, Brescia, Bari, Milano, Roma, Bologna 1989-99

Prima Colletiva di Pittori Bresciani, Corte Franca, 1996

Galleria D’Arte Moderna, Agatirio, Capo D’Orlando, 1986-2000

Galleria D’Arte ‘Il Salotto’, Milano, 1999-2000

Comune di Ventimiglia di Sicilia, 1999

Galleria Tronci, Cuneo 1998-2000

Monique Goldstrom Gallery,  New York, 2000

Galleria La Rocchetta, Pavia e Capo D’Orlando 2001-  

Bienale, Osio Sotto, Bergamo, (vince il Gran Premio), 2002

Pittori Bresciani, Corte Franca, Brescia 2003

Arte e Sapori, Corte Franca, Brescia 2003

Mio Cinema, Festival del Film Messina, 2006

Meeting Art, Vercelli 2006-13

Associazione Culturale Dionysos, Forza d'Agro e Monte Pietà, Messina 2011

Palazzo della Ceramica, Caltagirone, 2012

Tre Dimensioni dell'arte, Catania, 2013

40° Anniverario Galleria Triangolo, Museo Civico, Cosenza 2013

Premio Internazionale Limen Arte, Vibo Valentia 2013

Arte e Scienza, Galleria Ortiga, Siracusa, 2013

Blackmore Gallery, Lymm, Inghilterra 2016

Galleria Ellearte, Palermo 2016, 2017

Montemiletto, Avellino, 2017

da: http://www.johnpicking.com

Biografia:

Sergio Melloni nasce a Pieve di Cento, Ferrara, nel 1938

Biografia:

Novara 1904 / Novara 1958

Biografia:

Maurizio Rinaudo,  nasce a Venasca (Cuneo) il 15 luglio 1946, vive e opera a Osasco e Pinerolo (Torino).

 Uomo di pittura e scultura, Esponente del “METAFORMISMO”, Creativo nel FIGURATIVISMO dell’ARTE SACRA, Delegato Regionale dell’Accademia A.I.A.M. di Roma e fondatore della Scuola  di pittura ad Osasco e Pinerolo. Attivo in campo artistico dagli anni 70.

Nel 1978 viene premiato dall’Unione Ind. Torino per un importante disegno, con brevetto depositato alla CCIAA di To. e poi a Bruxelles, Sede della Comunità Economica Europea.    Da quel momento inizia un percorso in costane ascesa che lo impegna in vari eventi nazionali, internazionali e premiazioni d’arte eloquenti.

Si interessano alle sue opere valenti critici d'arte ed entra negli spazi di  pubblicazione in riviste ufficiali; viene pertanto pubblicato nei cataloghi annuari e mensili Edizioni Bolaffi; nei Volumi di Arte Italiana nel Mondo; nei cataloghi e annuari Edizioni La Ginestra; nei cataloghi Edizioni Il Quadrato; nei mensili e volumi della Mondadori Editore. Grande risalto viene dato alla sua attività pittorica ed alle sue lucenti sculture in bronzo. Notevole risalto ai suoi lavori vengono dati, con ampio rilievo, nei cataloghi di Vittorio Sgarbi in ‘’SELEZIONI’’ e ‘’ITALIANI’’; ‘’Effetto Arte’’ e ‘’IMMAGINI’’  di Paolo Levi;  Nei volumi di ‘’IL METAFORMISMO’’ a cura di Giulia Sillato (Ed. Mondadori); Nei volumi ‘’L’ARTE e il TEMPO’’ – ‘’Città EXPO’’ (Ed. Mondadori), nonché  nel Catalogo d’Arte Moderna - CAM degli anni  1947, 48, 49, 50, 51 e 52; Nei cataloghi di Arte Moderna Edizioni Mazzotta ; Nei Cataloghi Edizioni il Sole 24ORE. 

tratto da: www.mauriziorinaudo.it 

Biografia:

Milano 1913 - Milano 1984

Biografia:

Biografia:

Torino 1886 - Torino 1970

Biografia:

ENZO PREGNO (Il Cairo, 1898 - Firenze, 1972). 
Nato da genitori italiani, nel 1934 si stabilì a Firenze. Lavorò come operaio, decoratore, disegnatore, restauratore, ceramista, prima di dedicarsi alla pittura con rara capacità d’indagine, restando appartato e lontano dai clamori. Apprezzato da Kokoschka e da De Pisis, si interessò all’espressionismo, ma nella sua pittura seppe infondere concretezza ed energia, riuscendo sempre ad immedesimarsi nei luoghi, nelle persone, nelle cose. La maestria e la rapidità di esecuzione testimoniano l’urgenza di esprimere l’essenziale nella realtà e il tormento interiore che l’accompagna. 

GABRIELLA GENTILINI

da: Firenze Art Gallery

Biografia:

Anzor Salye è un pittore uzbeko del XX - XXI sec. Noto essenzialmente come acquarellista di paesaggi orientali.

Biografia:

Roberto Sguanci è nato a Firenze nel 1948 e dopo aver frequentato fino al 1968 i corsi della Scuola d'Arte si è dedicato alla grafica pubblicitaria fino al 1973, anno in cui è stata inaugurata la sua prima personale. Pittore, poeta e scrittore ha conosciuto negli anni '80 il grande maestro Beppe Serafini, dal quale ha appreso la tecnica pittorica dell'incisione su pasta di legno, altrimenti detta "Olio graffiato", che ha poi rafforzato e personalizzato. Le sue opere sono ispirate da un'inquietudine espressiva, poiché traggono origine da sentimenti, paradossi e filosofie di vita quotidiana, ma si esprimono con forza creativa infondendo nella forma e coloristica del quadro e nello stesso fruitore che lo guarda, sensazioni rassicuranti di calma e tranquillità. Per tutto questo Sguanci può definirsi un Artista completo e contemporaneo. 
Dal 1983 due sue opere sono in permanenza al Museo Nazionale delle Arti Naives di Reggio Emilia. 

Le Mostre

Tra le tante mostre personali, le più importanti da ricordare sono:

• 1974 ROMA X Quadriennale d'arte di Roma

• 1981 SESTO FIORENTINO(FI) Palazzo Pretorio

• 1981 CAMPI BISENZIO(FI) Galleria l'Ariete

• 1982 POGGIO IMPERIALELa Storia di Pinocchio Villa Medicea, Citta' degli Uffizi, Poggio Imperiale

• 1982 FIRENZEGalleria dei Benci

• 1983 FORTE DEI MARMI(LU)Galleria Faustini

• 1983 LUZZARA (RE)In permanenza due opere nel Museo Nazionale delle Arti Naives ideato da C. Zavattini

• 1987 FIRENZE Galleria Bottega di Cimabue

• 1991 LIDO DELLE NAZIONI(FE) Galleria d'Italia

• 1993 MONTECATINI TERME (PT) Galleria "I Platani"

• 1994 PERUGIA Galleria IL GIANICOLO

• 1998 ADRIA (RO) Antologia alla Galleria IL CASTELLO

• 2000 PAESTUM (SA) Antologia delle Opere dal 1968 al 2000 Pal Maria

• 1999-2002 PADOVA, BOLOGNA, BARI, REGGIO EMILIA Partecipazione alle Fiere Nazionali

• 2002 MONTECATINI TERME(PT)Personale alla Galleria "LE FONTI"

• 2003 PRATO Personale antologica a Palazzo Datini

• 2004 NEW YORK Art Fair

• 2004 PADOVA Arte Padova

• 2005 REGGIO EMILIA Expo Arte

• 2005 VERONA Arte Fiera

• 2005 BARI Expo Arte

• 2007-2008 PRATO Personale nella Sede di Maliseti di Confartigianato Imprese Prato

• 2011 Athens Greece Copelouzos Family Art Museum

• 2011 Mostra/Eventi ( Prato, dettagli a breve sul portale )

• 2012 GALLERIA DEL TEATRO ROMANO GALLERIA DEL TEATRO ROMANO

Biografia:

Ennio Tortoli è nato a Livorno nel 1928. Pittore, autodidatta quanto alla formazione artistica, rinnova nella sua espressione la tradizione dei macchiaioli. Ha tenuto mostre personali in varie città: Livorno, Firenze, Siena. Ha partecipato a numerose rassegne in Italia e all’estero ottenendo moltissimi premi. Hanno scritto di lui critici, giornali e cataloghi d’arte quali: La Nazione, Il Giorno, Il Messaggero, Il Quadrato, Bollaffi. Le sue opere si trovano nelle migliori collezioni in Italia, Francia, Svizzera e USA.

La pittura di Ennio Tortoli nasce dalla diretta osservazione di una realtà ambientale profondamente amata dall’artista, che la trasfonde nelle sue raffigurazioni con immediatezza e ritmi e di colori, in una vibrante articolazione d’atmosfere. L’attenzione alla strutturazione dinamica delle forme è una delle caratteristiche salienti dello stile di questo pittore, che sa imprimere ai segni e alle masse cromatiche movimento e vivacità, in una forte tensione espressiva che suggella efficacemente i mutevoli effetti di luce e le suggestive coloriture dei paesaggi analizzati. Dall’ambiente maremmano, che più lo ispira, Ennio Tortoli coglie le essenze tonali, il respiro ampio e solenne dei pianori, la fatica operosa dell’uomo, il tumultante ondeggiare di mandrie equine in libertà fra i campi. Fremiti di vita, caldi colori, cieli percorsi da nuvole bianche si intessono ai sentimenti e alle emozioni, che invadono l’animo dell’artista e si trasmettono ai fruitori dei suoi dipinti, mediante la pregevole sintesi pittorica, concepita con cristallino equilibrio formale e compositivo.

da: http://www.deodato-arte.it/macchiaioli/ennio-tortoli/

Biografia:

Nato a Livorno e morto a Livorno (2007?)

Biografia:

Biografia:

Torino 1934 - Torino 1987

Biografia:

GREGANTI, Guido. - Nacque a Livorno il 3 genn. 1897. Iniziò la carriera militare come ufficiale macchinista di complemento nella Marina militare durante la prima guerra mondiale; nel 1919 si sposò a Taranto con Ida Casavola da cui ebbe quattro figli.

Nel 1921 decise di dedicarsi esclusivamente alla pittura e l'anno seguente si trasferì a Roma, dove iniziò una lunga e fertile carriera di ritrattista durante la quale mantenne sempre una posizione isolata, estranea ai fermenti innovativi delle correnti artistiche contemporanee, rispettando attentamente le indicazioni di una tradizione rigorosamente figurativa (Biancale).

Agli esordi della sua carriera, difficili e gravati da difficoltà economiche, risalgono il ritratto del Cardinale V. Vannutelli (1924: ubicazione ignota), quello di Pio XI (1925: proprietà della diocesi di San Paolo del Brasile) e il primo ritratto di Benito Mussolini (1929: già proprietà dell'Associazione nazionale della stampa di Roma, ora perduto).

Il primo riconoscimento ufficiale delle capacità tecniche del G. giunse nel 1939, quando il Gruppo Medaglie d'oro al valor militare gli affidò l'incarico di realizzare i ritratti dei militari che tra il 1848 e il 1939 avevano ottenuto la medaglia d'oro. Il risultato fu una cartella di 61 disegni, pubblicata poi in cinque volumi, a cura del gruppo stesso (Bianchi). Tra il 1948 e il 1950 realizzò la seconda serie per gli ufficiali della seconda guerra mondiale.

Nel 1942 per incarico del ministero della Marina eseguì il ritratto di Vittorio Emanuele III(proprietà del ministero della Difesa, Marina militare, Roma). È questo solo l'inizio di una lunga carriera legata alle committenze dell'ambiente militare, che lo avrebbe portato a diventare il pittore ufficiale dell'Arma dei carabinieri.

Risale a quegli anni l'inizio della sua collaborazione come disegnatore con l'Enciclopedia Italiana per la quale realizzò una serie di circa 1000 disegni di macchinari.

La prima personale risale al 1947 quando il G. espose alla galleria romana La Conchiglia. Nelle opere presentate, tra cui il ritratto di Pio XII (proprietà del Pontificio Collegio americano del Nord, Roma). emergeva nettamente il carattere del suo stile, attento alla tradizione e destinato soprattutto a soddisfare le esigenze di una certa ritrattistica ufficiale.

Nel 1950 vinse due concorsi nazionali: il primo con il ritratto di Pio X (chiesa di S. Onofrio, Roma); il secondo con un dipinto raffigurante S. Barbara (chiesa di S. Francesco, Villafranca Lunigiana). Sempre nello stesso anno in un'altra personale ancora alla Conchiglia il G. fu consacrato pittore di ritratti: tra gli altri si ricorda quello della Signora Aolia (ubicazione ignota) notevole per l'eleganza della pennellata e per la suggestione dei toni cromatici.

Nel 1953 espose per la prima volta a Milano presso il centro d'arte S. Babila: nella mostra, presentata da G. Prederali, oltre a ritratti di uomini politici e di esponenti della borghesia romana, erano presenti anche interessanti vedute di Roma quali Il giardino del lago, Il faro del Gianicolo, Rovine del tempio di Cerere.

Ma il punto di svolta della carriera artistica di G., che gli consentì di ottenere riconoscimenti anche all'estero, fu l'intensificarsi nel 1952 dei rapporti con il Pontificio Collegio americano del Nord. Da allora il G. iniziò un'attività di ritrattista ufficiale molto fertile legata agli ambienti ecclesiastici.

Per la nuova sede romana del Collegio, costruita nel 1953, realizzò nel decennio 1953-63, la serie completa dei ritratti di tutti i rettori del Collegio a partire dal 1868, quando l'istituto era ancora situato in via dell'Umiltà. Ebbe l'incarico di realizzare ritratti di cardinali e vescovi per decorare la sede dello stesso Collegio, alcune diocesi americane e la sede della delegazione apostolica di Washington. Nel 1958 a Miami in Florida dipinse il presbiterio (circa 100 m2) della chiesa annessa al Mercy Hospital con la Madonna della Misericordia e temi legati al concetto di pietà umana e divina, nonché il ritratto di Monsignore Hurley, arcivescovo di Miami.

Dal 1962 il G. fu scelto come ritrattista ufficiale del presidente della Repubblica tunisina al-Ḥabīb Bū Rqība (Burghiba), per l'esecuzione di tre suoi ritratti e di quelli della prima moglie Maffida e della seconda Wassila (proprietà del palazzo presidenziale di Tunisi) e per alcuni quadri di soggetto storico, di cui il più importante raffigura Ritorno di Burghiba a Tunisi dopo l'ottenuta indipendenza della Tunisia (proprietà del palazzo presidenziale di Cartagine).

Nel 1968 la University of California di Berkeley gli affidò l'esecuzione di alcuni ritratti di scienziati per il grande palazzo della Scienza intitolato al premio Nobel per la fisica Ernest Lawrence, di cui peraltro eseguì il ritratto (proprietà University of California).

Ultima committenza ufficiale di un certo prestigio fu nel 1975 la Crocifissione, conservata nella basilica di Nazareth in Israele.

Il G. morì a Roma il 6 sett. 1986.

Fonti e Bibl.: L. Bianchi, G. G., in L'Osservatore romano, 2 giugno 1939; Seconda Mostra d'arte marinara, a cura di U. degli Uberti, Roma 1943, p. 41; G. Carolei, Il Risorgimento italiano. Le medaglie d'oro al valor militare dal 1848 al 1870, Roma 1950; G. Vittori, G. alla Conchiglia, in Il Corriere di Roma, 15 giugno 1950; M. Biancale, G. G. (catal., galleria S. Marco), Roma 1952; G. Prederali, G. G. (catal., centro d'arte S. Babila), Milano 1953; C. Pizzinelli, Bourghiba e il pittore, in La Nazione, 21 giugno 1964; A. Crucillà, G. G., in Voce del Sud, 12 maggio 1984; B. Bruni, G. G., Roma s.d.; A.M. Comanducci, Diz. illustrato dei pittori, disegnatori, e incisori italiani moderni e contemporanei, III, Milano 1972, p. 1542.

da: http://www.treccani.it/enciclopedia/guido-greganti_(Dizionario-Biografico)/

Biografia

Spalato 1847 - Radebeul 1936

Donadini wurde 1847 in Spalato (heutiger Name: Split) / Dalmatien geboren, zu jener Zeit Teil von Österreich-Ungarn. Er studiert mit einem Stipendium für die „Ausbildung als Künstler“ an der Akademie der vereinigten bildenden Künste in Wien, dann verlegte er sein Studium nach Venedig. Dort lernte er die Maler Hans Makart und Heinrich Lossow kennen, mit dem er nach München ging. Im Jahr 1872 wurde er an der Münchner Akademie Meisterschüler von Carl Theodor von Piloty, einem bekannten Genre- und Historienmaler.

Im Jahr 1877 wurde Donadini Professor an der Kunstgewerbeschule in Wien. Da er mit seiner Wiener Arbeit unzufrieden war, wechselte er 1881 auf die Professur für figürliche Malerei sowie die Leitung des Ateliers für Theaterdekoration an der Akademie für Kunstgewerbe in Dresden mit Sitz am Antonsplatz. Unter Protektion des sächsischen Regentenpaars war Donadini dort über 30 Jahre eine geachtete Künstler-Persönlichkeit.

Donadini schuf für die Villa Bleyl, die Villa Eschebach und den Wettinersaal im Dresdner Stadtschloss zahlreiche monumentale Wand- und Deckengemälde mit mythologischen und historischen Themen, von denen die meisten im Zweiten Weltkrieg zerstört wurden. Im Albertinum in Dresden befindet sich eines der wenigen erhaltenen Exemplare seiner Gemälde, das Werk Ansicht vom Dresdner Eliasfriedhof. Er restaurierte in Dresden und in Leipzig zahlreiche Fresken von Louis de Silvestre, Moritz von Schwind und Friedrich Preller dem Älteren. Darüber hinaus verfasste Donadini mehrere Werke zur sächsischen Kunstgeschichte.

Der Hofrat Donadini war ein Pionier der Fotografie, viele seiner Glasnegative kamen in den 1980er- und 1990er-Jahren in den Besitz der Deutschen Fotothek der Sächsischen Landesbibliothek.

Im Jahr 1882 kaufte er als Sommersitz und Atelier ein Weinberghaus im Rietzschkegrund von Zitzschewig, einem heutigen Stadtteil von Radebeul. In den Folgejahren erweiterte er die Baulichkeiten durch ein Ateliergebäude und ein Sammlungsgebäude. Nach seiner Pensionierung 1913 ließ er sich dort vollständig nieder und duldete familiären Besuch nur noch durch seinen Sohn Carlo, da er mit Frau und Töchtern zerstritten war. Sein Haus wurde museumsartiger Aufbewahrungsort für seine immer größer werdenden Sammlungen, zu deren Themen auch die Verehrung für Napoleon gehörte.

Am 14. Oktober 1936 kurz vor seinem 90. Geburtstag starb Donadini in einer Dresdner Klinik an den Folgen eines Schlaganfalls. Er ist auf dem Alten Katholischen Friedhof in Dresden-Friedrichstadt beerdigt.

da: https://de.wikipedia.org

Biografia:

Trieste 1903 - Milano 1970

Franco Atschko nacque nel 1903 a Trieste da madre di origine polacca e padre toscano che però non lo riconobbe trattandosi di una relazione segreta.
Ospitato dalla Pia Casa dei Poveri nel 1916, dato che la madre, attenta alla sua istruzione, non poteva curarsene per le difficoltà finanziarie, dette immediatamente prova di precoce talento nella scultura tanto che, nel 1917, realizzò un busto dell'imperatore Francesco Giuseppe. Grazie all'interessamento del Direttore dell'Istituto si iscrisse all'Accademia di Vienna e in seguito frequento quelle di Venezia e Roma. Con l'avvento del fascismo, il suo nome venne italianizzato in Asco e fu amico e inizialmente maestro del più giovane Marcello Mascherini. A Trieste realizzò le figure a bassorilievo per il coronamento della Stazione Marittima e per la Capitaneria di Porto, mentre assieme a Mascherini completò le statue di giuristi romani sul palazzo del Tribunale. Sempre nel camposanto si rese protagonista della realizzazione di numerosi monumenti funebri. Nei primi anni Trenta abbandonò Trieste per approdare a Milano, ove divenne uno dei principali artefici della decorazione scultorea del Cimitero Monumentale di Milano con numerosi interventi. Dopo aver partecipato alla Biennale di Venezia nel 1941, si ritirò in un lungo isolamento dal quale uscì con una originale polemica esposizione triestina nel 1949. Personalità schiva e artista isolato nel tumulto artistico del dopoguerra, compì, nella sua città natale, la figura della Vergine dorata sulla sommità della colonna di Piazza Garibaldi. Si spense a Milano nel 1970.

da: http://www.nightwings.org

Biografia:

San Lorenzo a Colline (FI) 1898 - Firenze 1996

Nato a San Lorenzo a Colline, in provincia di Firenze, nel 1898 lo scultore, pittore e ceramista Giuseppe Piombanti Ammannati frequenta la Scuola Professionale per le Arti Decorative e Industriali Santa Croce di Firenze e poi i corsi di scultura di Libero Andreotti all’Istituto Statale d’Arte di Porta Romana a Firenze.
Nel 1918, diplomato da poco, gli viene affidata la cattedra di Storia e Arte della Ceramica alla Scuola d’Arte della Ceramica di Sesto Fiorentino.
Alla fine del decennio lavora alcuni mesi presso la manifattura ceramica "Florentia Ars"
Dai primi anni Venti realizza alcune ceramiche artistiche, pezzi unici, ispirate al mondo della campagna.
Nel 1925 è chiamato ad insegnare ceramica alla Scuola d'Arte di Sesto Fiorentino
Nel decennio successivo realizza numerosi modelli realizzati in serie dalla manifattura "Fantechi" con la quale collabora, come esterno, fino a tutti gli anni Quaranta, mantenendo parallelamente l'attività di insegnante presso vari istituti d'arte (Sesto Fiorentino, Grottaglie, Urbino ecc.).
Nel 1933 partecipa alla Triennale d'Arte di Milano ottenendo una menzione d'onore.
Dal 1934 al 1936 è direttore della Scuola d'Arte Ceramica di Sesto Fiorentino e, in questi anni, tiene la sua prima personale a Firenze.
Nel 1936 si trasferisce a Grottaglie dove ottiene la cattedra nella locale Scuola d'Arte.
Nel 1937 vince il Gran Premio per la Ceramica alla Mostra Universale di Parigi.
Negli anni successivi tiene mostre personali a Taranto nel 1939 e a Forlì nel 1942.
Parallelamente alla ceramica approfondisce le sue tematiche pittoriche e scultoree realizzando lavori ispirati alla vita della campagna, studi e ritratti di persone e temi di soggetto religioso.
Nel 1940 è nominato direttore della Scuola d'Arte di Urbino.
Muore a Firenze nell’estate del 1996.

da: http://www.archivioceramica.com

Biografia:

Tito Locchi, 1892-1972

Biografia:

Biografia:

Biografia:

Santo Stefano Belbo (CN) 1901 - Torino 1986

Biografia:

Forgiòli, Attilio. - (n. Salò 1933).

Ha eseguito i suoi primi lavori nel campo della Nuova Figurazione, riuscendo con perizia ad affrontare temi di grande impegno civile e politico. In tal senso, ha scelto di dedicarsi alla raffigurazione di paesaggi dai toni cupi e drammatici. Del 1962 è il ciclo di pastelli La Senna, dipinti dopo un soggiorno a Parigi. Nel 1965 ha completato il ciclo Animali nel paesaggio e nel 1968 il ciclo delle Isole. Nel 1976 è stato invitato alla Biennale di Venezia e negli anni Ottanta ha iniziato l’importante sequenza delle Montagne. Ha tenuto mostre personali alla galleria Bambaia di Busto Arsizio (1989), al Palazzo Sarcinelli di Conegliano (1992, 1995, 1997, 1998, 1999), alla galleria Rafanelli di Genova (2001) e al Museo della Permanente di Milano (2006).

da: http://www.treccani.it

Biografia:

Mauro Staccioli nasce nel 1937 a Volterra e si diploma all’Istituto d’Arte nel 1954. Nel 1960 si trasferisce in Sardegna dove intraprende l’attività di insegnamento nella provincia di Cagliari e fonda, insieme a giovani artisti e intellettuali sardi, il Gruppo di Iniziativa. Nel 1963 si trasferisce prima a Lodi e successivamente a Milano; assumerà l’incarico di direttore del Liceo Artistico di Brera nel 1974/75 e 1978/79 e successivamente del Liceo Artistico Statale di Lovere (BG). Gli inizi della sua attività artistica sono saldamente intrecciati all’esperienza didattica e a quella di intellettuale e politico militante. 
Dopo un primo periodo in cui sperimenta la pittura e l’incisione, dalla fine degli anni Sessanta si dedica alla scultura, concentrandosi sul rapporto tra arte e società e sviluppando l’originale idea di una scultura che si pone in stretta relazione con il luogo - inteso nella sua concezione sia fisica che sociale - nel quale e per il quale è stata realizzata. Il luogo assume così nel lavoro di Staccioli un ruolo centrale in quanto senza di esso non esisterebbe nemmeno la scultura.  E’ nel 1972 che Staccioli matura l’idea di organizzare una serie di “sculture-intervento” nella città di Volterra; la mostra Sculture in città segna una svolta aprendo agli spazi urbani quel che fino ad allora era relegato solo negli spazi chiusi di gallerie e musei. Staccioli ricerca e genera una “scultura-segno” che nasce dall’attenta osservazione di uno spazio e che dialoga con esso sottolineandone le caratteristiche e alterandone la consueta percezione, suscitando domande e possibili risposte. Dalla mostra del 1972 prende corpo la manifestazione Volterra ’73 curata da Enrico Crispolti che sancisce l’inizio di un nuovo modo di intendere la scultura che trova completa espressione nella mostra Lettura di un ambiente - realizzata a Vigevano nel 1977 - che nel titolo stesso ne formula il principio. 
Dopo una serie di mostre organizzate in gallerie e spazi milanesi (Studio Sant’Andrea, Studio Marconi, Galleria Bocchi) arriva l’invito alle Biennali di Venezia del 1976 e del 1978, anno in cui realizza il celebre Muro, una parete di cemento di 8 metri che ostruisce la visuale del viale d’accesso al Padiglione Italia ponendosi quale segno critico e provocatorio. L’artista sviluppa fin da principio un linguaggio caratterizzato da una geometria essenziale e dall’uso di materiali semplici come il cemento e il ferro, non senza un implicito rimando all’uso che se ne faceva nelle città in quegli anni. 
Gli anni Ottanta si aprono con un intenso intervento, uno squarcio lungo il pavimento dello Studio Mercato del Sale di Milano, che provoca il visitatore a riflettere e a partecipare attivamente attraversando l’opera stessa. Dopo aver realizzato una grande installazione in cemento nel parco di Villa Gori a Celle di Santomato (PT) - intervento che segna anche l’inizio di dialogo proficuo tra scultura e ambiente naturale - il lavoro di Staccioli riscuote una crescente attenzione all'estero. Le sue “idee costruite” trovano infatti collocazione in Germania (Stadtische Galerie, Regensburg; Fridericianum Museum, Kassel), in Gran Bretagna (Hayward Gallery, Londra), in Israele (Tel Hai College) e in Francia (ELAC, Lione). In questi anni il linguaggio dell’artista perde la durezza e l’aggressività che lo caratterizzavano, e che rifletteva l’aspro e violento clima politico, per sviluppare nuove forme sculturali. Nascono così opere che sfidano gli equilibri statici generando effetti di straniamento nell’osservatore, come la forma in equilibrio sulla scalinata della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma del 1981, o il grande plinto sospeso sulla scalinata della University Gallery di Amherst in Massachussetts nel 1984, realizzato in occasione della sua prima personale negli Stati Uniti. Il confronto con l’architettura e l’ambiente urbano trova nuove soluzioni nella genesi dei grandi archi rovesciati realizzati all’interno della Rotonda della Besana a Milano (1987), davanti al Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato (1988) su invito di Amnon Barzel e nel piazzale principale del Parco Olimpico di Seul (1988) su invito di Pierre Restany. L’attività negli Stati Uniti prosegue con una mostra al Museum of Contemporary Art di San Diego e con la serie di installazioni realizzate nel parco della Djerassi Foundation di Woodside in California (1987-1991), seguite negli anni Novanta da nuovi interventi e da importanti mostre tra cui quella tenutasi alla Shoshana Wayne Gallery nel 1993. 
Negli anni Novanta l’artista continua a sperimentare nuove forme: anelli che mettono in risalto il paesaggio, come a Ordino d’Arcalis nel Principato di Andorra (1991) e a Monaco di Baviera (1996); tondi “costretti” negli spazi della Fondazione Mudima di Milano (1992) o in precario equilibrio nel Parco della Fara a Bergamo (1992); sfere che appaiono quasi metafisicamente nella piana di Ozieri in Sardegna (1995). Profondo e proficuo è il legame dell’artista con il Belgio, dove è chiamato a realizzare un intervento al Parc Tournay Solvay di Bruxelles per la Fondation Européenne pour la Sculpture (1996) e dove eseguirà numerosi interventi in spazi sia pubblici che privati, tra cui l’ormai celebre Equilibrio sospeso al Rond Point de l’Europe a Bruxelles (1998). Nello stesso decennio la Corea si fa promotrice di diversi interventi pubblici tra cui l’opera per il Contemporary Art Museum di Kwacheon (1990).
In anni recenti la feconda ricerca di Staccioli si è concretizzata in diverse installazioni in Italia e all’estero: Lapiz Building a La Jolla (San Diego 2003), dove una trave di acciaio attraversa la facciata dell’edificio, Taiwan (2003), Porto Rico (2004), Carrazeda de Ansiães (Portogallo 2008), Voisins-le-Bretonneux (Francia 2008), Greve in Chianti (2009)  e Parco della Cupa a Perugia (2009).
Nel 2008, in occasione di MiArt, la Galleria Il Ponte unitamente alla Galleria Niccoli hanno eretto temporaneamente in Piazza Duomo a Milano una sua scultura di grandi dimensioni Quadrato dai lati curvi. La collaborazione tra le due gallerie nel 2009 ha prodotto la grande mostra celebrativa, nella sua città natale,  Volterra - Luoghi d'esperienza, composta da tre mostre e venti sculture ambientali, di cui tredici ancora visibili. 
Viene inaugurata il 21 marzo 2010 a Motta D'Affermo (Messina) l'imponente Piramide 38° parallelo nel parco di sculture Fiumara d'Arte, ideato da Antonio Presti.
Nel 2011 vengono presentate a Catanzaro due importanti mostre monografiche dal titolo Cerchio imperfetto, a cura di Alberto Fiz: una sulle opere degli anni '70 all'interno del museo MARCA, l'altra con opere di grandi dimensioni al Parco archeologico di Scolacium (Roccelletta di Borgia). Di queste, l'opera Anello - Catanzaro 2011, è in fase di installazione nel Parco di Scultura della città di Catanzaro. Nel dicembre dello stesso anno è stata installata nel parterre di fronte alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma la scultura in acciaio corten Roma 2011.
Il 2012 si apre con la collocazione dell'opera Cerchio imperfetto nel giardino interno dell'Università Bocconi di Milano. In febbraio le gallerie Niccoli a Parma e il Ponte a Firenze inaugurano in contemporanea Mauro Staccioli - Gli anni di cemento, un'articolata esposizione delle sue opere in cemento degli anni '70, frutto di una ricostruzione filologica, svolta insieme all'artista, del suo lavoro iniziale.

Staccioli è membro associato dell’Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-arts de Belgique e Accademico Nazionale di San Luca. 
Vive e lavora a Milano e Volterra.

da: http://www.galleriailponte.com/index.php?it_staccioli-mauro-bio

Biografia:

Cesano Boscone (MI) 1941. Ha studiato a Brera, ottenebndo il diploma di maturità artistica e ha frequentato i corsi di pitturadell'accademia sotto la guida del maestro Domenico Cantatore.

Nel 1972 è entrato a far parte del gruppo "Il Pentacolo". Di lui è stato scritto: "Il processo che lo riguarda condotto alla cosmodinamica è ideato partendo da presupposti surreali. Tuttavia ci par di sorprendere nelle sue opere recenti, anche qualche vaga eredità futuristica. Il che d'altronde non si oppone affatto ad una concezione che nel dinamismo delle linee e dei colori ritrovala sua ragion d'essere. Il surrealismo o com'egli preferisce, il post-surrealismo, ha caratterizzato un momento, anzi un settore della sua attività, ora proiettata maggiormente verso un convulso ma raffinato accavallarsi  di forme in movimento, dietro alle quali è però sempre riconoscibile un sostrato figurativo."

da: "Pittori e pittura conntemporanea" a cura di Giorgio Falossi - Il Quadratio - Milano - 1975 - Catalogo delle quotazioni degli artisti italiani - p. 859 

Biografia:

Vincenzo Iustini was born in Vasto (Chieti Abruzzo Italy) on 21 April 1934. He completed his secondary education in Vasto and then migrated to Australia, sponsored by Angelo Sputore. He arrived in Fremantle 11 July 1952 on the ship Australia.

Biografia:

di Paola Pietrini

GUIDI, Virgilio. - Nacque a Roma il 4 apr. 1891, primo di nove figli, da Guido Costantino e da Caterina Rischia. La sua inclinazione artistica si sviluppò già nell'ambito familiare a contatto con il padre, scultore e poeta, e il nonno, architetto e decoratore. Nel 1904 si iscrisse all'istituto tecnico dedicandosi con particolare passione al disegno e alla geometria, mentre di sera frequentava la Scuola libera di pittura. Nel 1907, abbandonato l'istituto tecnico, andò a bottega dal restauratore e decoratore G. Capranesi, ricoprendovi incarichi di responsabilità e decorando importanti palazzi romani. Vi lavorò fino al 1911, anno in cui si iscrisse all'Accademia di belle arti, seguendo il corso di pittura tenuto da G.A. Sartorio.

I rapporti con il maestro furono da subito assai tesi, per motivi di scelte estetiche e stilistiche, tanto che dopo soli due anni il G. abbandonò anche l'Accademia. In questo periodo egli si dedicò allo studio dei maestri del passato: fra gli altri, Giotto, Piero Della Francesca, il Correggio, J.-B.-S. Chardin e G. Courbet. Ma la sua attenzione si rivolse anche all'arte contemporanea: fu particolarmente influenzato dai risultati espressivi raggiunti da P. Cézanne e H. Matisse (i cui dipinti ebbe modo di vedere nel 1914 alla mostra della Società amatori e cultori di belle arti di Roma) e anche, nell'ambito culturale romano, dal cromatismo di A. Spadini. A partire dal 1915 e fino al 1924 il G. occupò per brevi periodi uno degli studi per artisti di villa Strohl-Fern a Roma; e qui, durante l'ultimo soggiorno, conobbe la sua futura moglie, la scultrice Adriana Bernardi. Sempre nel 1915 il G. fece la sua prima apparizione a una mostra ufficiale importante, partecipando alla III Esposizione internazionale d'arte della Secessione romana. Necessità economiche lo costrinsero, nel 1916, ad accettare un impiego come disegnatore al genio civile e a tornare, nel 1919, a bottega da Capranesi; nonostante tutto, continuò a dipingere ritratti e paesaggi portando avanti le ricerche sul rapporto spazio-luce, che fu nodo centrale e costante di tutta la sua produzione pittorica.

Nel 1922 entrò a far parte della cerchia di artisti e letterati che nella capitale frequentava la terza saletta del caffè Aragno, dove conobbe il poeta V. Cardarelli, con il quale instaurò una duratura amicizia, e approfondì il rapporto di stima reciproca con Spadini, tanto che nel 1925, alla morte del pittore, la vedova Pasqualina volle che fosse il G. a occuparne lo studio, all'uccelliera di villa Borghese. Sempre nel 1922 espose alla XIII Biennale di Venezia Madre che si leva (1921: Venezia, collezione privata).

Nel 1923 il G. dipinse uno dei suoi quadri più famosi, Il tram (Roma, Galleria nazionale d'arte moderna), in cui, servendosi di un'impostazione ancora classica, ritrasse l'interno della vettura inondando la scena di una luce quasi irreale che pareva bloccare le figure in una sorta di fissità metafisica, rendendo così monumentale l'intera composizione. Fu proprio grazie a quest'opera, esposta nel 1924 alla XIV Biennale di Venezia, che il pittore raggiunse un definitivo riconoscimento da parte della critica. Il successo gli diede la possibilità di dedicarsi unicamente alla propria arte e di partecipare con regolarità alle più importanti esposizioni collettive ufficiali: le Biennali veneziane (dove gli furono dedicate anche sale personali nel 1940, nel 1954 e nel 1964), le Quadriennali romane, le Sindacali di Padova e Roma e altre ancora (per un elenco dettagliato delle mostre, pubbliche e private, alle quali partecipò in Italia e all'estero vedi Bizzotto - Marangon -Toniato, pp. 1683-1690).

Già dagli anni romani la ricerca pittorica del G. prese a seguire una propria necessità di indagine e di conoscenza del reale, che portò l'artista a servirsi talvolta dei linguaggi formali elaborati dai vari movimenti pittorici che si susseguirono a partire dal secondo decennio del ventesimo secolo. Il G. fu tra gli esponenti di Valori plastici, Novecento (partecipando alle due mostre del Novecento italiano nel 1926 e nel 1929) e più tardi del Movimento spaziale ideato da L. Fontana (il G. fu tra i firmatari del IV Manifesto dell'arte spaziale nel 1951), ma la sua posizione rimase sostanzialmente solitaria, critica e mai di adesione programmatica assoluta ai dettami estetici di questi o di altri gruppi o correnti, anche se fu sempre portatore di significativi contributi personali alle nuove ricerche pittoriche.

Nel 1927 succedette a E. Tito nella cattedra di pittura all'Accademia di belle arti di Venezia; ma qui incontrò subito una forte ostilità da parte dei colleghi, che lo ostacolarono anche nel libero svolgimento della didattica, finché il G., per avere un proprio spazio culturale, occupò nel 1930, insieme con alcuni allievi, la villa di Stra.

Nel febbraio del 1928 sposò Adriana Bernardi, e nel novembre dello stesso anno nacque la figlia Maria Vittoria. Nei quadri di questo periodo tornò più volte il tema intimista della moglie incinta ritratta in varie pose e atteggiamenti, accanto a opere quali la Giudecca (Venezia, collezione R. Camerino), in cui si ritrova uno dei primi esempi di quella luce spaziale che caratterizzò la produzione degli anni veneziani, con il progressivo dissolversi delle forme nell'atmosfera rarefatta della città lagunare.

Il 1931 vide ampliarsi ulteriormente l'orizzonte del G. che iniziò a frequentare l'ambiente milanese della galleria Il Milione, tornò a Roma per visitare con Cardarelli lo studio di Gino Bonichi (Scipione) e si recò in Francia, dove realizzò tra l'altro le due versioni di Notre-Dame (entrambe oggi in collezione privata a Roma), che furono esposte l'anno successivo alla III Mostra del Sindacato a Roma. Contemporaneamente approfondì lo studio dell'impressionismo e dei pittori francesi coevi e avviò la sua riflessione sulla teoria dei colori di J.W. von Goethe. Nel 1932 tenne la sua prima mostra personale a Firenze, presso la sala d'arte La Nazione.

Nel 1935 iniziò il periodo bolognese del G. che, non tollerando più l'ostilità dell'ambiente culturale veneziano, accettò di insegnare all'Accademia di belle arti del capoluogo emiliano, seguito da numerosi suoi allievi. A Bologna rimase fino al 1944, quando tornò stabilmente a Venezia. Questa fase fu considerata di passaggio dall'artista, ma non per questo poco significativa, perché il G. portò avanti nei paesaggi e nelle figure di quegli anni, in cui entrò in contatto diretto anche con l'arte di G. Morandi, le ricerche sulla luce spaziale iniziate a Venezia.

Nel 1937 venne pubblicata a New York la prima monografia sul G., scritta dalla giornalista americana di origine russa Nedda Arnova. L'Arnova compare nel Ritratto di americana (Roma, Galleria comunale d'arte moderna e contemporanea) databile agli anni 1934-35 ed esposto, insieme con altri dipinti, nella sala personale dedicata al G. dalla II Quadriennale d'arte nazionale di Roma del 1935. In tale occasione il G. fu premiato insieme con G. Severini.

Gli anni Quaranta costituirono un momento importante nella carriera artistica del G.: nel 1942 cominciò a dedicarsi sistematicamente alla poesia, anche se la sua prima raccolta di versi, Spazi dell'esistenza, fu pubblicata solo nel 1959 da Rebellato a Padova. A essa fecero seguito, sempre presso lo stesso editore, Poesie (1968), 1959 poesie 1971(1971), L'ingiuria delle nubi (1973) e L'età improbabile (1979). La raccolta La ragione di essere (1967) fu pubblicata a Roma; mentre Poesie-Gedichte (1977) vide la luce a Tubinga. Nel 1946 prese avvio la sua attività grafica con la sperimentazione della tecnica litografica.

In questi stessi anni il G. iniziò a sviluppare sistematicamente i grandi cicli, con i quali indagò reiteratamente uno stesso nucleo soggetto-composizione, continuando a seguire il filo conduttore di tutta la sua arte: la luce. La ripetizione di uno stesso tema, oltre a dimostrare la ricchezza di soluzioni formali cui il G. seppe giungere, fu forse anche una risposta a quella ricerca di unità nel molteplice e a quell'ansia di esperienza e di verità, che sempre lo spinsero a non accontentarsi dei risultati raggiunti e a cercare nuovi traguardi espressivi. I grandi cicli sviluppati tra gli anni Quaranta e Cinquanta - dalle "Visite" alle "Marine" (che costituirono una nuova riflessione sull'opera di P. Mondrian), alle "Figure nello spazio" - videro il pittore allontanarsi progressivamente dall'arte figurativa e in questo cammino verso l'astrazione si compì l'ultima trasformazione della luce nell'opera guidiana: la luce "meridiana" del periodo romano, divenuta "spaziale" a Venezia, si sostanziò allora come "cosmica".

Oltre ai cicli già citati, si possono ancora ricordare "Cielo antico", che avrebbe dovuto trovare completamento nel ciclo "Cielo moderno", mai realizzato; e le "Angosce" (1949-53), cariche di un'ansia esistenziale che traspariva attraverso l'evidenza di una gestualità più concitata, che le accomunava peraltro ai "Giudizi" (1950-54) e ancora ai "Tumulti", che con le loro valenze cromatico-segniche rappresentarono un personale avvicinamento al linguaggio informale. Seguirono le "Riflessioni del tempo" e le "Architetture umane" (dette anche "Presenze" o "Condizione attuale"), che ebbero ulteriori sviluppi tra il 1960 e il 1962 nelle "Architetture cosmiche" con le quali il G. abbandonò l'arte figurativa. Il ritorno alla figura si ebbe intorno alla metà degli anni Sessanta nei cicli "Occhi" e "Prigioniera", in cui l'artista, influenzato anche dalla pop art, portò in un primo piano assoluto l'immagine definita attraverso i pochi particolari utili a renderla riconoscibile.

Nel 1972 il G. fu invitato a Recanati in occasione delle celebrazioni leopardiane, che si aprirono in quell'anno proprio con la poesia guidiana; e durante quel viaggio l'artista, impressionato dal paesaggio marchigiano, elaborò il ciclo dei "Grandi alberi" che segnò un ritorno alla natura, pur non essendoci nulla di naturalistico nella resa delle grandi piante che occupano l'intera tela, dove restano ancora protagonisti la luce, lo spazio e il colore. Altri cicli seguirono nel corso degli anni Settanta quali "Geometrie spaziali" o ancora gli "Incontri" e "Figure agitate", con cui l'artista giunse a una sintesi cromatica di bianco su bianco.

Nel 1983 il G. concluse il suo ultimo ma significativo ciclo "L'uomo e il cielo", iniziato già nel 1980 ed esposto ancora a Venezia, presso la galleria Il Traghetto. E a Venezia il G. morì il 7 genn. 1984.

Negli ultimi anni della sua vita il pittore volle che un cospicuo numero di suoi dipinti andasse ad arricchire il patrimonio artistico di due delle città che lo avevano ospitato, perché vi rimanesse una testimonianza significativa di una fase importante del suo percorso creativo: nel 1974, trentacinque dipinti realizzati tra il 1957 e lo stesso 1974 e undici opere grafiche furono donati alla Galleria d'arte moderna di Bologna e, nel 1980, ottanta dipinti databili fra il 1950 e il 1975 al Comune di Venezia: con questi si inaugurò il Museo Guidi a palazzo Fortuny (spostato nel 1991 nella chiesa di S. Giovanni Novo, è oggi chiuso).

Un'ultima notazione merita la corposa produzione di testi critici e teorici con i quali il G. diede lucida testimonianza di tutta la propria vicenda artistica e umana, come nel saggio di presentazione della sua sala nel catalogo della I Quadriennale nazionale d'arte di Roma del 1931 o nel testo pubblicato nel volume Pittura d'oggi nel 1954 (con testi e riproduzioni, oltre che del G., di F. Casorati, R. Barilli, M. Maccari, D. Purificato, M. Campigli, M. Mafai).

Fonti e Bibl.: U. Nebbia, La quattordicesima Biennale veneziana. I pittori italiani, in Emporium, LIX (1924), 353, pp. 292, 295; A. Gatto, 12 opere di V. G., Milano 1944; Id., V. G., Milano 1947; Pittura d'oggi, Firenze 1954, pp. 87-109; Mostra di V. G. (catal.), a cura di P. Zampetti, Venezia 1962; S. Branzi, V. G., Bologna 1965; Omaggio a G., in Il Poliedro, IV (1967), nn. 6-7; V. G.: mostra antologica (catal.), Bologna 1971; V. G.: opere donate alla Galleria comunale d'arte moderna (catal.), a cura di M. Azzolini, Bologna 1974; L. Bortolon, V. G., Milano 1978; R. Bossaglia, Il "Novecento italiano", Milano 1979, ad ind.; A. Gorini Santoli, V. G. poeta, Milano 1981; A. Quaiotti Pareschi, in Mostra del Novecento italiano (1923-1933)(catal.), a cura di D. Formaggio - R. Bossaglia - A. Pica - R. De Grada, Milano 1983, pp. 326-328; E. Di Martino, Il G. che ricordo con nostalgia, in Arte, 1985, n. 148, pp. 50-57, 104; V. G. 1912-1948 (catal., Mesola), a cura di F. Benzi - V. Sgarbi - T. Toniato, Milano 1987; Spazialismo a Venezia (catal., Venezia), Milano 1987, pp. 34, 36, 115; L'Accademia di Bologna. Figure del Novecento (catal.), a cura di A. Baccilieri - S. Evangelisti, Bologna 1988, pp. 36-41, 51 s., 81-91, 292 s.; G.: opere astratte (catal., Urbino), a cura di M. Apa - T. Toniato, Milano 1989; V.G.: disegni inediti, 1911-1982 (catal., Ravenna), a cura di E. Di Martino, Milano 1990; V.G. (catal., Acqui Terme), a cura di M. Rosci, Milano 1991; V. G. (catal.), a cura di T. Toniato, Venezia 1991; F. Bizzotto, in La pittura in Italia, Il Novecento, I, 1900-1945, Milano 1992, pp. 920 s.; G. Di Genova, Storia dell'arte italiana del '900. Generazione maestri storici, I-II, Bologna 1993-94, ad indices; P. Ferri, in Catalogo generale della Galleria d'arte moderna e contemporanea, a cura di G. Bonasegale, Roma 1994, pp. 333, 335-337, 532-534; Arte italiana. Ultimi quarant'anni. Pittura iconica (catal., Bologna), a cura di D. Eccher - D. Auregli, Milano 1997, pp. 46-49, 78; L'officina del contemporaneo. Venezia '50-'60 (catal., Venezia), a cura di L.M. Barbero, Milano 1997, pp. 76-79; F. Bizzotto - D. Marangon - T. Toniato, V. G.: catalogo generale dei dipinti, Milano 1998 (con bibl.); La pittura a Venezia dagli anni di Ca' Pesaro alla Nuova oggettività, 1905-1940 (catal., Modena), a cura di L.M. Barbero, Venezia 1999, pp. 85 s.; G. Autre. 1974 Donazioni V. G. a Bologna 1998 (catal.), a cura di A. Baccilieri - T. Toniato, Bologna 2000; Le stanze dell'arte. Figure e immagini del XX secolo (catal., Rovereto), a cura di G. Belli, Milano 2002, pp. 235, 498 s.

da: http://www.treccani.it/enciclopedia/virgilio-guidi_(Dizionario-Biografico)/

Biografia:

n. 1860 - m. 1924

Like many American artists of his generation, Robert Van Vorst Sewell studied painting in Paris with the French Academic painters Gustave Boulanger and Jules Lefebvre. Boulanger painted mythological and ancient Greek and Roman subject matter as well as decorative schemes. Famously he decorated the Casino in Monte Carlo. Sewell, like his teacher Jules Lefebvre, also had great interest in the female figure - frequently scantily clad. The style and subject matter of Nymphs in a Landscape has elements of both Boulanger's and Lefebvre's work; a combination of mythology, female subject matter and a mural-like decorative quality. 

A native of New York City, Sewell returned to New York after his time in France and settled in Oyster Bay on Long Island. Later he moved to coastal California where he probably painted Nymphs in a Landscape. In the late 1890's and early 1900's Sewell exhibited widely including at the National Academy of Design, the New York Architectural League, the Pan American Exposition of 1901 and the Louisiana Purchase Exhibition in St. Louis, frequently garnering prizes or medals.   

The St. Regis Hotel in New York City has a fine example by Sewell. Nymphs in a Landscape must have graced a large home or public space at one time. Sewell traveled widely. He painted in  Europe, the Middle East, Alaska as well as along the East and West Coasts of the United States.

da: http://www.tillouantiques.com/robert-van-vorst-sewell-american-1860-1924

Biografia:

(Santhià 1926 _ Rivoli 2016)

Nasce a Santhià nel 1926, autodidatta, diventa ufficialmente artista alla scuola grafica milanese di Boccasile: lancia sul mercato famosi richiami nella cartellonistica murale dal Galup alla Polenghi-Lombardo, dal borotalco Robert alla Ambrosoli, dalle colombe Zapparoli alla Bertolli. Esordisce con la prima personale nel 1968 alla Galleria Daly di Ivrea.

da: http://www.tinberartgallery.it/index.php/artisti/104-teresio-zucca.html

Biografia

Kenjirō Azuma (吾妻 兼治郎 Azuma Kenjirō), italianizzato in Kengiro Azuma (Yamagata, 12 marzo 1926 – Milano, 15 ottobre 2016) è stato uno scultore e pittore giapponese naturalizzato italiano.

Nato in una famiglia di artigiani del bronzo, il padre produceva campane per i templi in Giappone, a 17 anni entra nella marina come pilota-kamikaze, ma non arriva a sacrificarsi per la fine della guerra. Finita la seconda guerra mondiale, in Giappone la scoperta dell'umanità dell'imperatore (fino a quel momento considerato di origine divina) crea un grande shock nella popolazione; in Azuma, questa scoperta crea un enorme vuoto spirituale spingendolo verso l'arte. Tra il 1949 e il 1953 si laurea in scultura all'Università di Tokyo, nel 1956 ottiene una borsa di studio dal governo italiano e si trasferisce in Italia. Presto diventa allievo di Marino Marini all'Accademia di Belle Arti di Brera, in seguito ne diverrà l'assistente e la sua opera è sintesi dell'arte Zen e della lezione di Marino Marini e Fontana. Nel 1962 partecipa, insieme ai più importanti scultori internazionali dell'epoca, alla mostra Sculture nella città organizzata da Giovanni Carandente nell'ambito del V Festival dei Due Mondi a Spoleto. Presenta l'opera MU in gesso patinato. Da allora tutte le sue opere prendono il nome di "MU" ed un numero a fianco intero per le sculture e 0.il numero per i pochi e rari dipinti eseguiti dall'artista, come il MU 0.000 il primo dipinto del 1961 ai Musei Vaticani, o il MU 0.103 di una collezione privata. È stato docente della Nuova Accademia di Belle Arti di Milano dal 1980 al 1990, risiedendo per alcuni anni a Gattico, un comune in provincia di Novara. Vive e lavora a Milano. Nel 2015 dopo aver esposto opere permanenti in diverse città mondiali, inaugura la prima a Milano nel piazzale del Cimitero Monumentale la MU 141.

Considerato un artista per molti anni troppo moderno, è stato per diverso tempo difficile da capire, ora con una maggiore apertura alla cultura orientale il suo stile sta diventando di grande interesse è quasi futuristico.

Allievo di Marino Marini all'Accademia di Belle Arti di Brera, in seguito ne diverrà l'assistente; oggi è famoso, e la sua opera è sintesi dell'arte Zen e della lezione di Marino Marini e Fontana. È stato premiato dall'imperatore del Giappone (premio “Shijuhosho”) nel 1995.

Curiosità

• È stato premiato dall'imperatore del Giappone con il premio “Shijuhosho” nel 1995

• Una sua importante e famosa scultura intitolata "La Goccia" si trova a Matera davanti a Palazzo Lanfranchi

• All'interno del Parco Naturale di Montemarcello e della Magra, nella frazione di Ameglia (La Spezia) si trova la scultura "Il Sogno"

Bibliografia

• Giuseppe Appella, Kengiro Azuma, Opere dal 1948 al 2010, Edizioni della Cometa, Roma, 2010

• Ultime tendenze nell'arte d'oggi Dall'informale al Neo-oggettuale di Gillo Dorfles Editore Feltrinelli

• Kengiro Azuma: il sogno Autori Maurizio Maggiani, Rossana Bossaglia Editore Libri Scheiwiller, 2002

• Sculture contemporanee nello spazio urbano: Kengiro Azuma, Iginio Balderi, Giacomo Benevelli, Gianfranco Pardi, Giò Pomodoro, Carlo Ramous, Mauro Staccioli. Giugno-luglio 1973 Autori Kenjirō Azuma, Parma (Italy). Assessorato alle attività culturali Illustrato da Kenjirō Azuma Editore Tipo-lito Nuova Step

• Azuma. Ediz. italiana e inglese di Scheiwiller Vanni - Garbellini Gianluigi - Corrieri Libero Editore: Charta Data pubbl.: 1999

da: Wikipedia

( https://it.wikipedia.org )

Biografia:

Brescia 1925 - 2003

Lamberto Lamberti è nato a Brescia nel febbraio del 1925, e morto a Milano il 26 ottobre 2003, all'età di settantotto anni.

Lo stile per certi aspetti impressionista di Lamberti, che sembra quasi ispirarsi a Cèzanne, si unisce ad un intenso lirismo cromatico, che gioca sapientemente con i colori trasfigurando le immagini in sfumature e tocchi di pennello.

I soggetti delle sue opere sono prevalentemente i paesaggi, dove la natura appare quasi come la dominatrice incontrastata, talvolta benevola, talvolta furibonda.
Spesso vengono rappresentate le scene di un ambiente devastato dopo un temporale, ancora scosso e segnato dal passaggio della tempesta, eppure paradossalmente ormai già così calmo e placido nella sua serenità ritrovata.

Nei suoi quadri emerge un forte spirito vitalistico ed una grande carica empatica nei confronti della natura in sé, trasmessa dalla stessa atmosfera naturale che l'artista voleva fa convogliare e ricreare all'interno dei suoi dipinti.

di: Luca Vittorello da: www.artevarese.com

Biografia:

Francesca Spanio nasce a Pordenone l'11 febbraio 1958.
Frequenta l'Istituto d'Arte di Udine e successivamente l'Accademia di Belle Arti di Venezia, dove si diploma nel 1980 con una tesi sul manierismo Veneto.
Già da due anni, accanto alla passione per la pittura, prova forte interesse per la fotografia. Decisivo in questo senso è l'incontro, in occasione di “Venezia '79 la Fotografia”, con alcuni grandi maestri americani dell'obiettivo e soprattutto con lo storico Romeo Martinez che la incita a proseguire su questa strada.
Trasferitasi a Milano frequenta i corsi alla Scuola Superiore di Comunicazione Visiva, dove si diploma con il massimo dei voti nel 1982. Realizza il suo primo servizio di moda per “Vogue Italia” nell'ottobre 1984. Nel dicembre 1986 Lanfranco Colombo ospita la sua prima personale alla Galleria “Il Diaframma” di Via Brera, presentando un lavoro in bianco e nero su personaggi in costume teatrale. Nel 1990 la stessa Galleria espone un suo portfolio dedicato al tema della maternità. L'interesse per la fotografia non le impedisce di applicarsi con impegno al suo primo amore, il disegno e la pittura.
Parallelamente allo studio delle nature morte e del paesaggio, realizza disegni per l'industria tessile, collaborando tra gli altri con Ratti, Mantero, Rubelli, Missoni, Bassetti, Ed. Tessili E. Palmisani.

da: www.craf-fvg.it

Biografia:

Rino Sernaglia nasce nel 1936 a Montebelluna. Studia pittura e mosaico all’Istituto d’arte di Venezia e nel 1959 si trasferisce a Milano dove collabora come disegnatore per una nutrita serie di pubblicazioni culturali e per la televisione italiana. Dal 1965 inizia una serie di viaggi di studio all’estero che lo aiuteranno a confrontarsi con le ultime tendenze artistiche e a superare definitivamente un’arte di ispirazione naturalistica ed evocativa a favore dell’astrattismo geometrico. Sernaglia si fa così pionere di queste ricerche, ideando geniali cicli creativi che dalla fine degli anni ’60, con i “cicli di purificazione”, passando poi attraverso i “positivo-negativo” degli anni ’70, si protraggono fino ad oggi. La sua ricerca lo porta a definire percorsi tridimensionali di luce bianca, meccanica, organizzati all’interno da uno spazio passivo, delimitato ai suoi margini da un cornicione virtuale, ma concedendosi anche ad esercizi più vivamente cromatici e cinetici. La sua estetica è rigorosamente razionale e si articola sulla forma del quadrato poligonale e del movimento cinetico, suggerendo l’invenzione di forme dinamiche, ritmate, moltiplicate. Nel 1990 aderisce al movimento internazionale “arte madì” e all’associazione culturale Arte Struktura, partecipando a numerose mostre e iniziative su questi temi. Vanta ad oggi il conseguimento di numerosi premi e riconoscimenti, e le sue opere sono esposte in numerosi spazi pubblici nazionali ed internazionali. Tra le mostre più importanti cui ha partecipato, ricordiamo: 1964- Firenze, “Arte italiana Contemporanea” 1966- Milano, Galleria del Corso Venezia, Sernaglia 1969- Cantù, Galleria Pianella, Rino Sernaglia 1970- Milano, Galleria Il Giorno, Rino Sernaglia 1972- Como, Galleria Il Salotto 1973- Padova, Galleria A10, Pongo, senesi,Ssernaglia 1974- Milano, Arte Struktura, Rino Sernaglia e la luce 1975- Milan, Galleria Gastadelli 1977- Milano, Galleria Schubert, Geometrie: Bonalumi, Carmi, Pardi e Sernaglia 1979- Milano, Arte Struktura, Nomi e cose: Campus, Colombo, Pardi, Sernaglia 1981- Milano, Galleria Gastadelli 1984- Milano, Arte Struktura, il quadrato 30x30 1989- Milano, Arte Struktura, Un’altra luce, Rino Sernaglia 1991- Cologno Monzese, Villa Casati, Arte Madì internazionale 1994- Bucarest, Museo delle Collezioni - Perugia, Sala Grande, 99 idee per l’arte, l’arte costruisce l’Europa 1994- Avellino, Centro culturale l’approdo, Miscellanea 1996- Saragozza, Centro dee Expociones, Madì internacional; 50 ans despues 1998- Revere, Joung Museum, Costruttivismo, concretiamo + nuova visualità internazionale 1998- Napoli, Villa Campolieto, Movimento arte Madì 1999- Gallarate, Civica Galleria d’Arte Moderna, Da Madì a Madì 2000- Montebelluna, Museo Civico - Milano, Arte Struktura - Carnate, Villa Fornari Banfi Rino Sernaglia dal 1970 al 2000 2003- Milan, Fiera Internazionale Intel - Pieve di cento, Museo Bargellini, Per un progetto fatto ad Arte 2003- Novara, Salone Arengo del broletto, solo 2004- Milan, Palzzo della Ragione, Tremend-Art 2004- Albissola, Galleria Osemont, Arte Madì Italia 2006- Trento, Palazzo della Ragione Tondo d’autore 2006- Sesto Calende, Spazio Cesare da Sesto, La collezione Cesare da sesto 1945-2005 2011- Desenzano del Garda, Galleria Arte e Design 2011- Ville de Cholet, Musee d’Art, Madì’ 2013- Milano, Università Bocconi, 1966-1976, Milano e gli anni della grande speranza 2014- Vittorio Veneto, Palazzo Todesco, Collezionare arte optical e programmata a nord-est.

da: www.studioartegr.com

RINO SERNAGLIA PITTORE CONCETTUALE DELLA LUCE

Fra il tanto parlare che si fa di pittori, può finire che resti sotto silenzio una figura autentica, una storia precisa e coerente come quella di Rino Sernaglia. Forse uno dei pochi, nel boom della comunicazione di massa, che ancora non ha una  monografia. Eppure la storia di Brera degli anni 50-80 non si potrebbe scrivere senza lui, senza il suo lavoro, condotto con senso continuo e logica acuta, da meritare d’essere studiata secondo uno strumentario esegetico anticonformista.
Rino Sernaglia è artista noto ai lodigiani: per la sua partecipazione alle Oldrado da Ponte del 1971 e 1972, per le due personali organizzategli da Giovanni Bellinzoni al Gelso (1973, 1989) e per l’evidenza strappata in alcune collettive in via Marsala degli anni Ottanta. E’ pittore presente nel collezionismo privato locale  ma anche  del Sudmilano, grazie alle esposizioni a Cascina Roma a San Donato e al Castello di Melegnano e i riscontri ottenuti un po’ su tutta l’informazione del territorio ( Il Cittadino, il Broletto, il Giornale del Lunedì, Il Bollettino della Pubblicità, Forme ’70, Dialogo Lodigiano, L’Eco Sudmilanese).
Nato a Montebelluna nel 1936, vive a Milano da giovanissimo, prima degli anni ’50 ed è considerato un “personaggio storico” di Brera. Con esclusione della fase iniziale, il colore-luce è sempre stato elemento centrale della sua attività artistica. Non nel senso inteso di un rapporto emblematico con lo spazio reale, bensì come modello concettuale. Differente dalle esperienze condotte in chiave astrattista  da altri pittori come Mauro Reggiani, per intenderci.La luce è sempre stata il suo idolo, ma anche la tecnica. La tecnica come pulizia, la tecnica come calcolo, la tecnica come integrale artificialità. E la luce. Una luce che accompagna la tecnica, la precede o la segue indifferentemente, e che s’introverte per diventare un pensiero insistente. Il centro del suo sillogismo, un pensiero non di panico ma sottile e puntuale.
Anni fa Sernaglia l’otteneva con sapientissime gradazioni di grigi fino alla lama bianca con cui chiudeva i corpi geometrici. La luminosità raggiungeva l’incandescenza bianca. Era uniforme e fredda da provocare effetti illusionistici su quei fondi piani, quasi a creare una sorta di inquietante contrapposizione tra geometria e vuoto. Negli anni 80-90 la sua ricerca si era orientata più verso esperienze cromatico-cinetiche. Poi l’artista aveva aderito al movimento di “arte madi”, un gruppo che in via Broletto a Milano promuoveva una estetica assolutamente razionale, di pura visualità, compatta e autonoma tra forma e colore. In Sernaglia, comunque, la luce è rimasta al centro del suo impegno. Non la luce mistica, ma scientifica, tecnologica. La luce intesa come “agente attivo, pulsante, energetico”, che sviluppa sollecitazioni percettive e costringe a riflettere.
Ogni suo quadro è modulare a un altro, ogni geometria ne presume un’altra, ogni particolare è figlio di un altro. In questo produrre e procedere c’è una sorta di germinazione continua lungo i sentieri di una geometria che non potrebbe essere che “illuminante”. Ma per Sernaglia la visibilità è anche opposizione e confronto. Ha funzione dialettica. Rivaleggia con l’invisibilità. Sfiora il mondo psichico, senza escludere che l’organica energia coinvolga il mondo interiore.

da: https://formesettanta.wordpress.com

Biografia:

Firenze 1917 - Firenze 2006

Sirio Salimbeni è nato a Firenze, dove ha vissuto e ha insegnato all’Accademia di Belle Arti. Pittore, ha tenuto diverse personali e numerose collettive. Ha sempre scritto poesia, ma la sua opera prima è del 1997: Camminare (Polistampa). Salimbeni è stato poeta colto, formato sia sui classici che sui contemporanei.
È morto il 30 settembre del 2006.

da: www.polistampa.com

Biografia:

Firenze 1920 - Arezzo 2001

Pirzio, al secolo Elio Fiore, nasce nel 1920 a Firenze in una famiglia che gli trasmette le antiche tradizioni fiorentine, tradizioni che resteranno profondamente radicate in lui e lo accompagneranno per tutta la vita: l’amore immenso per la sua Firenze, che vedrà nel tempo cambiare e “sciupata” dal caos, lo studio ed il rispetto per le opere d’arte che, da buon fiorentino sente proprie, le ammira e ne percepisce tutto il fascino che emanano, infine un carattere forte e sanguigno mai disposto al silenzio se c’è da parlare e battagliero fino in fondo per i propri valori; si dichiara egli stesso polemico: per lui polemica è onestà “ …guai a chi gli va bene tutto e non discute…” 

A soli 20 anni è chiamato a partecipare alla Seconda Guerra Mondiale: parte, ignaro di quanto sarebbe cambiata la sua vita. Catturato dai tedeschi è costretto a sei lunghi anni di prigionia durante i quali promette a se stesso che, se fosse riuscito a tornare a casa vivo, avrebbe dedicato il resto della sua vita alla sua unica passione: la pittura. Scrisse di sé in occasione di una mostra personale alla Chiostrina: 

“ Nacqui nel 1920, in Via Romana, dove i fiorentini nascono fiorentini. Cominciai a disegnare ch’ero ragazzo, così per istinto, da solo, nella venerazione per il mondo dell’arte. Col tempo sensazioni e sentimenti presero consistenza, nel piacere di costruire giorno per giorno una realtà prima inseguita come sogno d’amore. Poi la triste esperienza di sei lunghi anni di guerra e di prigionia in Germania lasciarono irrisolti problemi tra me e la vita…”

1947-1970 

A partire dal 1947, nel suo primo studio in Via Panicale, rigorosamente in pieno centro di Firenze così come i successivi, si dedica completamente al suo mestiere e dopo qualche traccia lasciata dalla guerra ed impressa nella tela con il solo colore grigio, si cimenta in sperimentazioni, sfidando tecniche a lui non consuete, sempre con la passione del suo temperamento: dipinge nature morte, composizioni, interni del suo Studio, paesaggi; si dichiara un Artigiano dell’arte. Affronta le composizioni materiche: si tratta di assemblaggi, di vicinanze casuali, di oggetti trattati con una pennellata carica di colore, ridondante, ben sensibile al tatto e a volte addirittura ammucchiato. E’ la moda del momento, del successo immediato che trova rispondenza nel mercato non solo italiano. Si registrano consensi e commissioni dagli Stati Uniti ma questo successo non appaga l’Artista. La pittura materica, infatti, è ripetitiva ed uccide la ricerca. Così dopo cinque anni abbandona questa tecnica. Trova riferimenti in fiori immaginari che sembrano fissi nel tempo, non freschi non secchi, somiglianti a rose, che sembrano parlare e raccontare tutto dell’ambiente e delle persone che hanno intorno: sono i fiori che hanno visto molte epoche, conoscono molto dell’uomo, ecco perché li dipinge all’interno di una stanza, è come se dipingesse l’uomo che la abita.

Carattere impetuoso, artista di grande talento, era considerato nell’immediato dopoguerra uno dei più impegnati esponenti della contestazione giovanile toscana, culminata con quella clamorosa impresa del 1956 - realizzata insieme a Pietro Annigoni, Mario Romoli - che fu l’occupazione della Torre di Arnolfo in Palazzo Vecchio finalizzata ad evitare l’espatrio per una mostra itinerante in America di 45 opere d’arte della Galleria degli Uffizi. Barricato sulla torre campanaria della Torre al grido “adunate il popolo di Firenze” Pirzio imprime anche sulla tela quei giorni nel quadro Sulla Torre d’Arnolfo 45X60 olio su cartone telato; la folla si raccoglie in Piazza della Signoria, il Sindaco La Pira incontra i quattro pittori barricati nella Torre e fa da mediatore: la notizia arriva subito a Roma e va ad ingigantire la confusione che si è creata in tutto il Paese per l’espatrio di tali opere d’arte. Al Ministero incontri e scontri si fanno più fitti. Annigoni tiene contatti con il Governo; il giorno dopo alle 18,30, tra una folla esultante, i quattro arditi escono dalla Torre trionfanti: le opere d’arte non partiranno più per la tournee di oltre oceano.

La notorietà improvvisa non si è ancora spenta che il 16 Aprile del 1957 Pirzio, insieme ad Annigoni, Romoli, fonda l’Associazione Torre d’Arnolfo per la costruzione del nuovo Palazzo per le Esposizioni, di cui Firenze sente ormai la mancanza. L’Associazione dà il via ad iniziative per la raccolta di fondi: sottoscrizioni e vendite di opere a prezzo fisso. Neanche un anno più tardi, con la vendita di oltre 400 disegni, raccoglie oltre un milione e mezzo di Lire. Pirzio e Romoli, esaltati per aver ricevuto un quadro da Jean Cocteau, vorrebbero coinvolgere allo scopo altri grandi: è così che nel 1958 si recano a Cannes per essere ricevuti da Pablo Picasso. Dopo inutili tentativi ricorsero all’astuzia comprando un toro da portargli in dono; Picasso, che ne era appassionato, di fronte a tale stratagemma ricevette i due pittori. Durante il tempo trascorso insieme, Picasso chiede a Pirzio come è possibile fare arte a Firenze con tutti quei Maestri alle spalle e lui risponde
“ l’arte è un’altra cosa, è una cosa dell’anima. Se c’è viene fuori. Non vale allora abitare a Firenze, Milano, New York. Se c’è ti prende ed è lei che comanda. Tu senti un gran bisogno che viene da dentro e non ce la fai ad opporti; non ti resta che prendere il pennello e se quel bisogno è tanto forte non resta che seguirlo”. Picasso licenzia i due audaci pittori fiorentini con un disegno di un toro più vivo di un toro vivo, disegno che và ad impinguare la già abbondante raccolta della Torre d’Arnolfo. Come riconoscimento Pirzio viene nominato membro dell’Antica Compagnia del Paiolo, della quale per molti anni sarà Segretario.

1970-1990 

Dall’inizio degli anni ’70 Pirzio diventa quasi pittore di moda: sono oltre cento i ritratti che in questo periodo escono dal suo Studio. Ma il ritratto su commissione lega la mano dell’artista come la catena il condannato, così si dedica alla ricerca di materiali primari tra i quali le scorie di ferro, trovato sulle spiagge dell’ amato Golfo di Baratti: assembla insieme i piccoli pezzetti e ne ricava forme, modelli da dipingere poi su tela: è così che nascono “Meteoriti”, quadri che raffigurano momenti della vita quotidiana ambientati negli interni, dove i personaggi sono le nature morte dei modellini da lui creati, quadri esposti a varie mostre personali e collettive (Firenze, Milano, Roma) che hanno ricevuto premi e riconoscimenti di critica e di pubblico. Le “Meteoriti” hanno affascinato Pirzio che tramite loro è riuscito a rappresentare il suo Uomo, spesso grondante di pessimismo ma sempre sorretto dall’amore.
La forte interiorità dell’Artista è espressa in uno splendido dipinto L’ultimo dei saggi 300X200 che segna una svolta decisiva e riassume tutto il suo pensiero, il suo essere in questo mondo: è il dipinto di un uomo, già in decomposizione per un’esplosione atomica che, come ultimo gesto di amore e di speranza, va a proteggere con le sue mani scarne un fiore che sta nascendo; da questo momento in poi, per esprimere meglio il suo concetto di Uomo, Pirzio apre una nuova collana gli “Uomini di Sempre” raffigurati come essenzialità di antichi valori. L’Artista ritrae i loro volti in maniera essenziale trasmettendo all’osservatore le loro impressioni, i loro sentimenti: non sono precisi nei lineamenti, ma carichi di sensazioni. Sono i nuovi uomini, sopravvissuti a questa esplosione atomica, tramite i quali lancia messaggi forti, incisivi, inequivocabili alternando ai grovigli interiori degli Uomini di Sempre la calma assoluta dei suoi deserti paesaggi marini, quasi a voler rilassare la mente con solitudine ed oblio. Possono essere figure sole oppure in gruppo come le “dinastie”, che rappresentano il ciclo dell’uomo ed il suo tempo, spesso però Pirzio rappresenta la famiglia dipingendo madre e figlio vicini ed il padre, a volte lontano dal centro del quadro, spesso mimetizzato nell’ambiente circostante, quasi a non voler turbare l’alone creato dall’amore tra madre e figlio; la maternità, infatti, è un tema che l’artista dipingerà con particolare intensità per tutta la vita. La Maternità verde dipinta nel 1964 e La fonte della vita del 1970 ne sono chiari esempi.

Uno stadio successivo della sua ricerca che investe soprattutto il colore sono le Figure Nere, figure intere isolate nella loro scultorea e primordiale bellezza, invadono la tela, non hanno bisogno di alcun supporto, sono adagiate su sfondi dai colori brillanti che sembrano riflettere di luce propria, sfondi che si ritirano via via che l’osservatore trattiene lo sguardo sulla tela.
“per fare arte - scrive - bisogna capire, capire un’anatomia, una figura, un colore, una forma, uno scorcio, una luce e capirli tutti insieme, vederli con gli occhi di oggi, con tanto amore e senza pietà, in una libertà che è conquista di tutti i giorni e che non sopporta altre leggi o altre regole che non siano le sue”
in queste poche righe c’è la sua teoria dell’arte. Libertà, da tutte le convenzioni umane: comincia il suo isolamento “…vivo e dipingo a Firenze dove gli artisti lottano gomito a gomito per la medaglia o il pezzetto di critica da attaccare alla parete” .. “vivo e mi muovo in un’atmosfera pesante che opprime ogni respiro, che decide i limiti della cultura e dell’arte di questa città che vive solo del suo grande passato”.
A metà anni ‘80 prende una decisione: rinuncia all’amata Firenze ben consapevole che si preclude la possibilità di essere visto ed apprezzato ma lui vive solo per la sua arte e, sempre convinto che il cliente cerca l’Artista e non deve essere viceversa, si trasferisce prima in Versilia, troppo “borghese”, poi nelle campagne Toscane dove finalmente trova il silenzio, la natura. E prosegue la sua vita e con essa l’instancabile ricerca di mezzi espressivi sempre più diretti, sempre più essenziali. Inizia in questo periodo il percorso della scultura. La materia da scolpire non è di primaria importanza, per lui è importante scolpire, sia esso Onice, Quarzo rosa o Serpentina verde di Prato. Il taglio diretto, incancellabile, lo sfida e lo porta al confronto diretto con la materia. Anche quando dipinge la pennellata è più forte, diretta, intensa: gli “Uomini di sempre” acquisiscono segni metafisici ed il ritratto lascia il suo significato tradizionale di somiglianza visiva e assume quello di somiglianza interiore: è il ritratto del carattere, della personalità del soggetto e dice: “chi desidera un ritratto può appendere al muro una gigantografia io dipingo il dentro”.

1991-2001 

Il tema ricorrente di questo ultimo periodo è Il Desco, inteso da lui come l’incontro più naturale tra gli Uomini di Sempre; la composizione del desco è sempre ridotta all’essenziale: due figure, siano esse una coppia o due amici seduti ad un tavolo sul quale troviamo una mensa frugale, una mela, sempre simbolica, con due piatti che aspettano di essere riempiti, oppure un pezzo di pane o un grappolo d’uva: nel Convivio un olio su tela di 5 metri, il tavolo è addirittura semi vuoto: Gesù seduto di fronte ai suoi, volge le spalle all’osservatore ed i commensali sono Uomini di Sempre tra i quali l’Artista si raffigura insieme alla figlia intenta a porgergli un pezzo di pane.

 
Scrive ripensando alla sua vita “…vado via con l’età della ragione, la quale mi dice e indica quel poco che mi serve, mi basta la pace in me stesso e la LIBERTA’ di dire fare e pensare, naturalmente nei miei limiti…” 

Fino alla fine ha dipinto i suoi Uomini di Sempre per se stesso, mai per un pubblico, mai per un mercato. Uomo di gran carattere, brillante fiorentino polemico, è la grande voce ribelle, mai rassegnata, che si è sempre alzata contro tutto e tutti quando c’era qualcosa per cui protestare. Quanti uomini consumano la loro vita come ombre senza lasciare un segno dietro di loro: certo questo non si può dire di Pirzio perché fino all’ultimo battito del suo cuore ha gridato contro tutte le infamie e le ingiustizie che vedeva intorno a lui, e queste grida le ha lasciate impresse nei suoi dipinti, nelle sue sculture, e noi - non completamente sordi - riusciremo ad udirle ancora adesso e se avremo coraggio e orgoglio cominceremo anche noi a gridare. Questo è il messaggio che Pirzio ha voluto lasciarci.

da: www.pirzio.it

Biografia:

Reggello (Fi) 1910 - Palazzuolo 1988

Il sindaco pittore

ricerca di Claudio Mercatali

Francesco Pagliazzi nacque a Reggello nel 1910. Studiò all’ Istituto d’Arte di Firenze e nei primi anni Trenta, giovanissimo, partecipò alla Seconda Quadriennale Romana e alla XX Biennale di Venezia del 1936.

Durante la seconda guerra mondiale si ritirò a Palazzuolo sul Senio, dove si sposò e dove nacquero i suoi due figli. Pagliazzi fu anche sindaco, nel dopoguerra (1948). 

Negli anni Cinquanta visse a lungo a Parigi e le sue vedute della città assieme a quelle di Venezia, Milano, Viareggio sono fra le sue opere più note.

Dipinse molte volte soprattutto la sua amata Palazzuolo, e anche Marradi. Morì nel 1990.

I marradesi lo vedevano talvolta nel greto del Lamone a pitturare o al mercato con il suo cavalletto, e le prime volte, siccome lo conoscevano come sindaco di Palazzuolo ma non come pittore, si chiedevano un po' perplessi:

"... sa fàl e sindic ed Palazò? ..."

poi lo apprezzarono e da un suo quadro, con il titolo "Il mercato del lunedì", venne ricavata questa cartolina ricordo che è diventata una delle più tipiche immagini di Marradi anni '50.

E' sua anche la veduta del Castellone sullo sfondo del quartiere degli Archiroli e quella di Cardeto dal fiume, prima che fosse costruita la diga dell'Annunziata.

Non c'è dubbio che i suoi paesaggi preferiti fossero quelli della valle del Senio e di Palazzuolo, il paese tanto amato. Come si vede confrontando i quadri di Pagliazzi con le fotografie di oggi i posti non sono cambiati tanto da allora, e questo è un buon segno.

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da: http://ilkiblog.blogspot.it/ 

FRANCESCO PAGLIAZZI

Francesco Pagliazzi nacque a Reggello (FI) il 14 febbraio 1910.
Ha frequentato l’istituto d’arte di Porta Romana a Firenze, avendo come maestri Libero Andreotti e Giuseppe Lunardi. Fin dai primi anni trenta inizia l’attività artistica nel suo studio di Firenze al Conventino improntando il suo stile pittorico  in maniera espressiva di gusto impressionista, che gli valse subito il favore della critica e del pubblico.
Partecipa a varie mostre non solo in ambito fiorentino ma  anche  in campo nazionale,lo troviamo come espositore alla Seconda Quadriennale romana del 1935 e alla XX Biennale di Venezia nel 1936.
Durante il periodo bellico, si ritira a Palazzuolo sul Senio, dove forma la sua famiglia e dove nascono i due figli Adelina ed Enrico,protagonisti della sua toccante pittura. 
Pagliazzi è anche molto attivo politicamente e ricopre la carica di sindaco del paese dal 1948 al 1952 ,anni molto difficili del dopoguerra .
Nel 1945 a Palazzo Strozzi di Firenze,viene allestita la sua prima mostra personale,e la Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti  acquisisce per la sua raccolta,il dipinto “ Interno –Palazzuolo di Romagna, di chiara impronta pittorica macchiaiola.Per ampliare le conoscenze sulla pittura francese ed internazionale ,comincia a viaggiare di frequente per L’Europa ed in special modo i suoi soggiorni parigini formano e rafforzano le  sue forme stilistiche.
Alterna come produzione  vedute di Parigi,Venezia Milano,Viareggio a nature morte,ritratti di persone  a lui care e paesaggi dell’amata Palazzuolo,ben presto arriva il meritato successo e le importanti mostre personali allestite a Firenze,Parigi,New York e Roma. 

Nel 1972 la morte della figlia Adelina segna una brusca interruzione  alla sua attività artistica ,e Pagliazzi trova rifugio nella campagna Palazzuolese.Sarà il matrimonio del Figlio Enrico e la nascita di un nipotino,ad offrire all’artista nuovi stimoli con una buona produzione pittorica  e molte mostre personali.
Muore nel 1988  e dopo due  anni  nel 1990 Firenze dedica al maestro toscano un’importante mostra retrospettiva a palazzi Strozzi.
Nel Luglio 2001 viene inaugurata a Palazzuolo,nella nuova sede della biblioteca comunale,in palazzo Strigelli una sala dedicata a Francesco Pagliazzi che grazie alla donazione Luigi Biancalani ,ospita un importante nucleo di 13 dipinti dell’artista.
Nell’estate del 2005 Palazzuolo gli ha reso omaggio con l’allestimento di una mostra temporanea  intitolata  “ Un Maestro e la poesia dipinti di Francesco Pagliazzi” curata da Sivestra Bietoletti e Barbara Montevecchi.
Nel 2007 la manifestazione Il genio Fiorentino, offre l’occasione all’Assiciazione Culturale Palazzuolo per le Arti  di rinnovare la memoria di Pagliazzi con una giornata di studio sull’artista, la trasformazione della mostra  in esposizione permanente  ospitata nei locali della  sua casa Palazzuolese e la pubblicazione  come volume n. 2  della collana  “  Quaderni di Palazzuolo arte “ del relativo catalogo a cura dell’Assessorato alla cultura del comune di Palazzuolo sul Senio.   
Infine come fiore all’occhiello ,L’Associazione Culturale Palazzuolo per le Arti, può vantare l’allestimento ,avvenuto ala fine  del 2008, della mostra del maestro Pagliazzi dal titolo “ Armonie di forme e colori “ opere 1942-1955 nei preziosissimi spazi della Limonaia di Palazzo Medici Riccardi sede dell’Amministrazione provinciale di Firenze.
In occasione di questa importantissima mostra fiorentina, la Dott.ssa Silvestra Bietoletti ha curato la pubblicazione del catologo  uscito con i tipi delle Edizioni Polistampa di Firenze.

da: http://www.palazzuoloperlearti.it/ 

Biografia:

Nato a Penne nel 1933 e morto a Pescara nel 2012

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Antonio Di Fabrizio è nato a Penne e vissuto a Pescara, dove negli anni Settanta fondò insieme ad altri coraggiosi insegnanti l’Istituto Statale d’Arte “Vincenzo Bellisario” con indirizzi di studio: stampa, fotografia e grafica pubblicitaria. In questa scuola ha insegnato ininterrottamente fino al 1994, anno del suo pensionamento.

L’artista e docente in pensione era afflitto da un grave problema cardiaco: una caduta accidentale, con la conseguente rottura del femore ha in pochi giorni peggiorato il suo stato di salute, fino alla morte improvvisa e inattesa. Sono state le due figlie, Antonella e Paola (la moglie era scomparsa quattro anni prima) a dare la notizia ai numerosi amici che Antonio Di Fabrizio aveva in tutta Pescara, in tutto l’Abruzzo, in tutta l’Italia. Diplomatosi nel 1954 nell’Istituto d’arte di Firenze, Di Fabrizio insegnò materie plastiche negli istituti d’arte di Isernia e Chieti, per poi approdare al neo istituto di via Vittoria Colonna a Pescara insieme ad Aldo Laurenti, Gino Di Paolo, Giancarlo Di Donato, Gianfranco Abelardo, Fabio Ubaldi e tanti altri pionieri, quell’istituto d’arte Vincenzo Bellisario (molti si chiesero del perchè un istituto professionale d’arte non era stato intitolato a un grande artista, ma a un deputato lancianese esponente della Sinistra democristiana) ora diventato MiBe dopo l’unione con il liceo artistico Giuseppe Misticoni.

Tantissimi i premi prestigiosi, le mostre e le partecipazioni in collettive importanti dell’artista pennese. La sua opera si collocò dagli anni Settanta in maniera indipendente rispetto alla Scuola Romana e ai Postcubisti, optando subito per le poetiche iperrealistiche, fortemente sostenute da quell’uso della fotografia che si andava sempre più affermando come nuovo mezzo artistico per “leggere” il mondo. Per poi tornare

alla dolcezza intimista tra gli anni Ottanta e Novanta. La sua ultima mostra, Omaggio a Di Fabrizio, venne organizzata dalla Pro loco di Ripattoni nell’agosto 2010.

…

da: Il Centro Edizione di Pescara ( http://ilcentro.gelocal.it/ )

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Rivista Madonna dello Splendore n° 22 del 22 Aprile 2003

Antonio Di Fabrizio

di Marialuisa De Santis

La fattura preziosa e delicata si sposa ad una pittura “eminentemente mentale; pittura di memoria e di trasfigurazione onirica” (1), lontana da ogni soluzione sbrigativa o dilettantistica, cosa che caratterizza e si rende facilmente riconoscibile in tutta l’opera di Di Fabrizio.

La sua Madonna dello Splendore suggerisce atmosfere ed armonie rinascimentali ma nello stesso tempo è espressione precisa della contemporaneità: desiderio, aspirazione ad una perduta armonia pacificante che passa attraverso le lacerazioni psicologiche, ideologiche, religiose e di valori del nostro secolo. Alla Madonna Di Fabrizio ricorre come all’icona che funge da tramite con la realtà superiore di Dio, armonia e compostezza mai infranta dalla caducità e vanità umane.

Antonio Di Fabrizio è nato a Penne nel 1933. Ha concluso i suoi studi a Firenze presso  il Magistero d’Arte di Porta Romana. E’ stato docente di Discipline Pittoriche negli Istituti d’Arte di Isernia, Chieti e Pescara dove attualmente vive.

La sua “carriera espositiva” inizia nel 1953 con la partecipazione al Premio Avezzano; già nel 1959 ottiene il prestigioso e gratificante riconoscimento dell’ammissione di un suo dipinto alla VII Quadriennale d’Arte di Roma. Da questo momento la sua carriera si dipana costante in selezionate mostre, personali e collettive, che suscitano l’attenzione e l’apprezzamento degli storici d’arte più accreditati come Enrico Crispolti, Mario De Micheli, Giorgio Di Genova, Rossana Bossaglia, Domenico Guzzi, Renato Barilli e tanti altri.

Giorgio Di Genova nella sua Storia dell’Arte del ‘900 (2) lo accomuna al giuliese Gigino Falconi come rappresentante di una ben definita “figurazione abruzzese” e lo stesso fa Enrico Crispolti in La Pittura in Italia (3).

Scrive Crispolti: “Negli abruzzesi Di Fabrizio e Falconi si sviluppa un’attenzione (nel primo maggiormente psicologica) di commento al quotidiano d’una società borghese un po’ irreale nel suo livello di acquisita opulenza, nei modi di un figurare elegantemente illustrativo”.

Per l’omaggio tributatogli dalla sua città natale nel 1992, il Comitato organizzatore affidò al Professor Renato Barilli, docente di Storia dell’Arte Contemporanea all’Università di Bologna, il compito di analizzare la sua opera. E Barilli sottolineò la coerenza di un pittore che da sempre, per motivata scelta, è stato un figurativo, sensibile alla ricerca di nuovi linguaggi e attento alle più innovative correnti, ma capace di trasformare i suggerimenti che ne derivavano in una personale e riconoscibilissima resa pittorica, frequentando egli “ simili territori con discrezione, con mano leggera”. (4)

La lettura più vera di Antonio Di Fabrizio resta, anche a distanza di anni, quella autorevole di Mario De Micheli, storico e critico dell’arte con il pregio assai raro di un  non criptico linguaggio. Proprio per la  chiarezza ritengo opportuno riportare quasi integralmente questo suo testo.

Una pittura precisa, definita, frutto di una circostanziata coscienza del mestiere, in odio a qualsiasi soluzione sbrigativa; questa è la prima impressione che si riceve guardando i  quadri di Antonio Di Fabrizio. Ma che cosa sta dietro una simile pittura? Non sembra che in essa ci sia trepidazione o fervore, evidente comunicazione di sentimenti. Le immagini sono enunciate sulla tela come per una sorta di esercizio intellettuale, che esclude l’emozione diretta, l’effusione, l’enfasi. Eppure i temi che egli sceglie e dipinge, i suoi giardini sul mare o davanti agli alberi di un bosco, le sue ragazze sull’erba, accanto a specchi d’acqua e fontane, non dovrebbero indicare impassibilità e indifferenza. Che senso ha dunque questa pittura e quale significato hanno dunque queste immagini?

Sono le domande che mi sono poste qualche mese fa, nello studio pescarese di Antonio Di Fabrizio, davanti ai suoi quadri. Uno dopo l’altro, li guardavo, e la loro luce ferma e uguale, mi colpiva per qualcosa di innaturale che vi andavo scoprendo, una specie di incantato stupore. Il verde era vivo, l’azzurro intenso, le vesti delle ragazze trasparenti, i loro volti luminosi, ma tutta la scena, al tempo stesso, m’appariva remota, come separata dal presente.

E’ forse questo il nucleo poetico che vive nelle immagini di Di Fabrizio? Dalle prime domande, mi sgorgavano quindi altre domande. Perché quella luce d’assenza nelle sue opere? Perché tanta dolcezza e bellezza nei volti, nei gesti delle sue ragazze, ma come se fossero al di là di un diaframma invisibile?

Non è possibile capire il lavoro di un artista se non se ne penetra la sostanza dell’ispirazione: solo a questa condizione è possibile quindi rendesi conto anche dei suoi procedimenti, delle sue scelte tecniche, dei suoi modi, di tutto ciò insomma che costituisce la base del suo linguaggio. Ecco: è chiaro, almeno per me, che le immagini di Di Fabrizio nascono da un’intima esigenza di salvaguardare quei valori d’integrità che sono la dote più preziosa della nostra condizione umana, valori oggi più che mai minacciati e violati. Le sue immagini, le immagini dei suoi quadri, non sono che le metafore di questa sua intima esigenza: Mettere questi valori al riparo di ogni deturpante violenza: questo ne è il vero significato, l’intenzione di fondo. Metafore, traslati, allegorie: in tale senso si devono interpretare dunque le sue bellissime fanciulle, le sue dolci ragazze, in piedi o sdraiate sui prati; e così vanno pure interpretati i sereni giardini, i boschi che le circondano: un mondo salvato dalla nostra storia, dalla cronaca brutale dei nostri giorni. Questo mondo poetico, Di Fabrizio lo dipinge con amorosa pazienza, con gelosa perizia, con la qualità contemplativa della sua natura sensibile che reclama la salvezza di ciò che ama. Ma dove salvare oggi ciò che si ama se non in un mondo separato dal mondo in cui viviamo?

Ancora una domanda dunque. Desiderio e nostalgia: desiderio di uno spazio non avvelenato, intatto, limpido, sereno; nostalgia non per il passato, ma per un futuro dove sia possibile vivere con integrità. Le immagini di Di Fabrizio si collocano in questo spazio, in questo futuro.

Ne sono, appunto, il segno poetico. Non dunque impassibilità e indifferenza esiste nei suoi quadri, bensì una tensione intellettuale che si muta in visione, la visione appunto di una natura “innaturale”, cioè sottratta alla natura offesa in cui siamo costretti a muoverci. Non dunque assenza di fervore o astratta separazione, ma pungente, acuta aspirazione ad una possibile felicità dipinta come un miraggio. (5)

Il colore preminente nelle tele di Di Fabrizio è il verde: appare quasi gioco forza legarlo a concetti di kandiskiana memoria: il verde è, tra i colori il più quieto, perché unisce in sé la natura terrestre del giallo e quella spirituale del blu, ricomponendo, in un certo senso, l’unità cosmica: vagheggiamento di pace, armoniosa espressione di speranza.

Il Ragveda evocando la totalità del mondo si riferisce al cielo, all’acqua e alla terra, elementi che, colorati di verde e di azzurro, appaiono sempre nella pittura di Di Fabrizio.

L’acqua, essenziale per la vita è cosoante nell’immaginario collettivo, religioso e non. Essa è generatrice, sorgente di forme di energia creativa, spesso collegata a poteri divini.

Il cielo è il principio cosmico direttamente complementare alla terra, produce e nutre tutti gli esseri viventi fecondandola con i suoi umori acquei. Rappresenta la coscienza e una dimensione superiore a quella sensuale e terrena. L’elemento terra in Di Fabrizio è sempre “fecondato”. E’ un giardino, un Eden a cui cerca disperatamente di ritornare: un luogo in cui l’azione ordinatrice dell’uomo sulla natura e della ragione sulle pulsioni inconsce si mostra rispettosa e non arbitraria. Il suo Eden pur apparendo uno spazio “sacro”, una dimensione iniziatica e distinta dalla realtà quotidiana, non si presenta come un hortus conclusus ma solo come uno spazio “a misura d’uomo”, finalizzato all’esercizio dell’otium e all’elevazione dell’anima. Nella sua ultima pittura la città, scenario del commercio e del lavoro, esclusione della “lentezza” come paradigma di vita, appare lontana e dimenticata, proprio nella dolorosa consapevolezza della sua scomparsa come manifestazione armonica delle virtù civili e politiche,frutto dell’umanesimo: quello che dipinge è ciò che vorrebbe vedere e non ciò che vede.

Ultima riflessione sui quadri di Di Fabrizio: le stagioni in cui vivono i suoi quadri sono, non a caso, la primavera e l’estate. Anche questo fatto sottende dei significati. Bandire l’inverno è bandire la stagione della morte e dell’oscurità, privilegiare la primavera è privilegiare la rinascita della natura ( e cristianamente, non è difficile aggiungere, la redenzione umana). L’estate poi è la stagione in cui maturano i frutti della terra e si raccoglie ciò che di positivo si è seminato. E’ anche la stagione in cui prorompe il giallo, che Di Fabrizio però stempera nel verde. Anche la sua estate non è accecante ma appare purificata da ogni eccesso meteorologico, in una rappresentazione soprattutto mentale.

In occasione della sua mostra personale intitolata “L’Eden ritrovato”, tenutasi a Giulianova nella Sala “ G.Trevisan” della Piccola Opera Charitas, nell’estate del 2001, intervistai Antonio Di Fabrizio e lui mi parlò della pittura come mezzo per rivivere l’armonia della natura oggi insidiata quando non già irrimediabilmente offesa dall’incoscienza dell’uomo. L’intervista finiva con una riflessione che spiega Di Fabrizio, oltre che come pittore, anche come uomo, limpido e fermo come i suoi quadri: “ Io dipingo così, è la mia natura. Colore e armonia sono le cose che la mia natura mi porta a ricercare. A proposito di “ Eden ritrovato “, devo dire che nella mostra di Giulianova appaiono ben tre quadri con questo stesso titolo, dipinti in un arco di tempo di venti anni. Ma molti miei quadri fanno pensare all’Eden. L’Eden qui sulla terra non c’è più, ma all’Eden aspiro. Sulla tela si può ancora sognare e questo è il privilegio del pittore”. (6)

(1)   Carlo Fabrizio Carli,  Antonio Di Fabrizio, Giulianova, Centro Culturale San Francesco, 2001

(2)   Giorgio Di Genova, Storia dell’Arte Italiana del ‘900, Bologna, Ediz. Bora, 2000

(3)   Enrico Crispolti, Il Novecento, vol.III, Milano, Electa, 2000

(4)   Omaggio ad Antonio Di Fabrizio,città di Penne, 1993

(5)   Mario De Micheli , Antonio Di Fabrizio,

(6)   Marialuisa De Santis, Intervista a Antonio Di Fabrizio, in Piccola Opera Charitas Notizie, anno I, n. 2, 2001.

da: www.madonnadellosplendore.eu

Biografia:

Roma, 19 febbraio 1924 – Roma, 26 aprile 2001

Nacque a Roma il 19 febbraio 1924 da Guido Vespignani ed Ester Molinari, bisnipote di Virginio Vespignani, famoso architetto. Dopo la morte del padre, stimato chirurgo e cardiologo, dovette, giovanissimo, trasferirsi con la madre nella zona proletaria di Portonaccio, adiacente al quartiere San Lorenzo, dove crebbe. 
Qui, durante il periodo di occupazione nazista della Capitale, alla macchia come tanti suoi coetanei, cominciò a disegnare, cercando di rappresentare la realtà crudele, sporca e patetica attorno a lui: lo squallore del paesaggio urbano di periferia, le rovine e le macerie causate dai bombardamenti, il dramma degli emarginati e la povertà del quotidiano. 
La sua arte non si limitò alla sola esperienza pittorica, fu illustratore di moltissimi capolavori. Importante anche la sua attività di scenografo: lavoro' per “I giorni contati” e “L'assassino” di Elio Petri, “Maratona di danza” e “Le Bassaridi” di Hans Werner Henze, “I sette peccati capitali” e “La madre” di Bertolt Brecht, “Jenufa” di Leoš Janáček. Come incisore produsse più di quattrocento titoli in acquaforte, vernice molle e litografia. 
Iniziò a dipingere durante l'occupazione nazista, nascosto presso l'incisore Lino Bianchi Barriviera, suo primo maestro. Altri importanti punti di riferimento, che influirono sui suoi esordi artistici, furono Alberto Ziveri e Luigi Bartolini mentre, soprattutto nei suoi primi quadri, sembra evidente l'influsso di espressionisti come George Grosz e Otto Dix. Nel 1945 espone la sua prima personale e comincia a collaborare a varie riviste politico-letterarie (Domenica, Folla, Mercurio, La Fiera Letteraria) con scritti, illustrazioni e disegni satirici. 
Il suo lavoro, tra il '44 e il '48 descrive il volonteroso e maldestro tentativo[non chiaro] di resurrezione di un'Italia umiliata, affamata e distrutta dalla guerra. 
Nel 1956 fonda, con altri intellettuali, la rivista Città Aperta, incentrata sui problemi della cultura urbana. 
Tra gli artisti a lui vicini si ricordano Giuseppe Zigaina (e la cosiddetta Scuola di Portonaccio) e, dopo il '63, quelli del gruppo denominato Il pro e il contro, da lui fondato insieme a Ugo Attardi, Fernando Farulli, Ennio Calabria, Piero Guccione e Alberto Gianquinto. 
Dal 1969, Vespignani lavora a grandi cicli pittorici dedicati alla crisi della società del benessere: Imbarco per Citera (1969), riguardante il ceto intellettuale coinvolto nel '68; Album di Famiglia (1971), uno sguardo polemico sulla sua personale quotidianità; Tra due guerre (1973-1975) un'analisi inflessibile sul perbenismo e l'autoritarismo piccolo-borghese in Italia; Come mosche nel miele (1984) dedicato a Pier Paolo Pasolini. Nel 1991 espone a Roma 124 opere, tra le quali il ciclo Manatthan Transfert, una critica all’insostenibile delirio esistenziale dell’American way of life. 
Strettissimo il suo rapporto con la letteratura. Vespignani illustra il Decameron del Boccaccio, poesie e prose del Leopardi, le Opere Complete di Majakowskij, i Quattro Quartetti di Eliot, i Racconti di Kafka, i Sonetti del Belli, le Poesie del Porta, il Testamento di Villon e La Question di Alleg. 
Nel 1999 viene eletto Presidente dell’Accademia Nazionale di San Luca e nominato Grand'ufficiale dell'Ordine al merito della Repubblica Italiana. 
Opere di Renzo Vespignani sono presenti al Museo d'arte - MdAO di Avellino e al Museo d'arte Costantino Barbella di Chieti. 
[Wikipedia]

Biografia:

Messina 1937

Pittore autodidatta, anche se con un piccolo bagaglio tecnico ottenuto grazie ai corsi di disegno della Società Operaia di Messina, Giorgianni esordisce nel figurativo, dedicandosi quasi subito all’informale.  Consegue per il 1971 e il 1972 il premio Capo d’Orlando, nel 1974 il Premio Naxos, nel 1978 la Tavolozza d’Oro del Fondaco. Numerose sono le sue presenze in collettive sul territorio nazionale ed estero: Taranto, Venezia, Torino, Catania etc. Sarà anche tra i fondatori della Galleria Arteincontro, spazio autogestito da un’associazione che per un breve periodo organizzerà mostre di artisti locali e nazionali.  Parallelamente all’attività di pittore, Giorgianni realizza anche alcune scenografie: per la sala Laudamo di Messina nel 1974, per il San Carlino nel 1984 e per il Teatro in Fiera nel 1986 e nel 1987.  Dal 1992 Carlo Giorgianni vive in Polonia, pur mantenendo vivo il legame con la città natale. La sua è una pittura di spazi, una pittura di geometrie, segni e superfici indagate da varianti cromatiche in bilico tra la ricerca intellettuale dell’astrattismo e la forza espressiva dell’informale. 

Courtesy Carlo Giorgianni

da: www.lescalinatedellarte.com

Biografia:

Giuseppe Cavallini (Livorno, 1916-2000)

Come molti altri artisti dilettanti di Livorno, Giuseppe Cavallini era autodidatta e operaio. Lavorava presso il Cantiere Navale Orlando come vigile del fuoco e nell’immediato dopoguerra riuscì a trasformare quella che era un’attrazione giovanile per la pittura in una vera passione cui si dedicò totalmente fino agli ultimi anni della sua vita. Formatosi respirando l’aria della pittura macchiaiola labronica, Cavallini fin dal principio della sua ricerca artistica ha ripudiato lo stanco repertorio pittoresco locale per affermare la sua forte e libera personalità. Pur nell’innegabile influsso della pittura espressionista e postimpressionista, l’artista livornese ha ricercato un suo linguaggio d’espressione oggettivo e al tempo stesso lirico.

L’esordio di Cavallini avvenne nel 1949 con la pubblicazione di alcune illustrazioni su “Il Martello”, periodico di informazione interna degli operai del cantiere (Patti 2004, p. 12). Sullo stesso periodico, nel 1951 il pittore prese parte al dibattito sulle due principali tendenze artistiche che dividevano i critici e gli artisti italiani: il realismo e l’astrattismo (Carpita1 2004, pp. 38, 70). Dagli anni Sessanta ha cominciato a dipingere su carta di giornale incollata alla tela e raschiata, accentuando su tale supporto la sua carica emotiva e trasfiguratrice grazie a colpi di spatola sempre più franti, vibranti e materici, talvolta uniti a pennellate addirittura gestuali. Giovanni March definì Cavallini “‘pittore d’assalto’ per l’impeto con cui afferra il motivo” (1962 in Cavallini 1998, p. 4 e in Donzelli 1987, pp. 116- 117). Numerose personali di Cavallini, oltre che in Italia, si sono svolte in tutta Europa.

Di lui hanno scritto con sincero apprezzamento molti critici legati dapprima al realismo socialista e successivamente alla pittura figurativa in genere: Guttuso, Treccani, Carrà, De Grada, Trombadori, Loffredo. Lo stesso Raffaele De Grada apparteneva alla giuria della prima edizione del Premio Modigliani che assegnò a Cavallini il riconoscimento per la sua opera “Raffineria”. Come ha giustamente notato Mattia Patti (Patti 2004, p. 12), se a Livorno i temi centrali del dibattito sul realismo innescato dal PCI furono prontamente accolti, ciò nonostante la ricezione strettamente pittorica fu molto limitata nella città labronica. Eccezion fatta per alcune opere raffiguranti scene di lavoro e paesaggi industriali di Giulio da Vicchio e Alfredo Mainardi, Cavallini fu il testimone più significativo della pittura realista socialista a Livorno.

Le sue successive partecipazioni senza successo alle edizioni del Premio Modigliani (vedi Patti 2004, p. 220) furono probabilmente all’origine della dichiarazione polemica rilasciata nel 1968 a “Paese Sera” (“Paese Sera”, 12 marzo 1968), dove il pittore esprimeva la necessità di “rifare il ‘Premio Modigliani’, ogni anno, con più serietà e convinzione. Aperto a tutte le valide forze livornesi. Che sia il ‘nostro’ premio, soprattutto il nostro stimolo per misurarsi e migliorarsi”. V.C.

da: www.comune.livorno.it

Biografia:

Nacque a Torino nel 1891, morì a Torino nel 1959 all'età di 68 anni. 

Allievo di Andrea Tavernier e di Lidio Ajmone, fu del primo che, almeno inizialmente, subì l’influenza, allorquando eseguì un notevole numero di tavole e tavolette con soggetti alpestri. Predilesse il paesaggio, presentando le sue opere alle mostre torinesi della Promotrice (1920, Minaccia un temporale; 1925, Stradetta di Vinadio; 1927, Case a Pradlèles; 1930, Demonte), del Circolo degli Artisti (dal 1919 al 1946 quasi ininterrottamente) e degli “Amici dell’Arte”.

Biografia:

Livorno 1942 - 1995

L’11 Giugno 2005 ricorreva il decimo anniversario della scomparsa di Masaniello Luschi, considerato dagli addetti ai lavori , il massimo esponente della pittura Labronica tradizionale del secondo novecento toscano. 
Una tradizione che trae origine da quello che fu uno dei più innovativi movimenti artistici , “ i macchiaioli” 
Questo movimento, nato nella seconda metà dell’800, ebbe come maestro fondatore , il pittore Giovanni Fattori, il quale, riuscì ,a radunare attorno a sé ,un nutrito gruppo di giovani talenti della pittura e ,ad intraprendere il difficile cammino che si rivelerà più avanti la fortuna della “macchia”. 
Quello storico gruppo seminò un credo e, seguendo i dettami del maestro, fece nascere nei decenni successivi, nuovi e validi apostoli della pittura convenzionale livornese. 
Seguendo quei dettami, Masaniello Luschi cominciò a dipingere come autodidatta, affascinato dall’arte di quegli insigni maestri , studiandone e carpendone i segreti . 
In pochi anni divenne , con un impronta del tutto personale, anch’esso un maestro per le giovani generazioni e, permise a cavallo degli anni ’70 e ’90 di continuare una tradizione che costituisce ancora oggi un perno indissolubile della cultura italiana. 
Aveva la pittura nel sangue e , dotato di importanti basi grafiche, riuscì ad immortalare sulla tela con estrema semplicità , ogni visione reale gli si presentasse ai suoi occhi. 
Le scene bucoliche della sua Toscana , le campagne in primavera, gli autunni e gli inverni innevati, gli scorci caratteristici della sua città come ,la vecchia Venezia, la fortezza vecchia, i becolini scomparsi, le zone del pontino. 
Ritratti e nature morte, studi di animali, mareggiate, una poliedricità di soggetti, ognuno dei quali affrontati sempre con estrema passione e forza pittorica. 
La sua era una pittura fatta di semplicità e modestia, ricca di colori, materica , reale; lontana dal moderno e dalle nuove forme espressive. 
Amava dipingere dal vero, al contatto quotidiano con la natura, con la gente, con i suoi luoghi, con i profumi della terra. 
Le sue pennellate erano decise, sicure, cariche di colore e creavano, sulla tela ,scenari tipici dal sapore macchiaiolo. 
Numerosi i capolavori eseguiti in particolare tra il 1985 e il 1994 nel pieno della maturazione artistica , quando galleristi, critici e collezionisti ne tessevano quotidianamente le lodi. 
Importanti mostre in tutta Italia ( Firenze, Ferrara, Modena, Bologna, Torino, Soave ecc.) rappresentarono la notorietà di questo artista al quale, fu addirittura commissionata dalla Curia Vescovile di Livorno per il Duomo la celebre “Ultima cena”, un dipinto di notevoli dimensioni, simbolo della qualità pittorica acquisita. 
Purtroppo, nel pieno dell’ascesa artistica , una grave malattia lo portò via l’11 Giugno del 1995, seppellendo per sempre quei fantastici ed inimitabili “pennelli” , eccezionali testimoni di un tempo e di una passione vera, lasciando comunque ai posteri, il segno del suo passaggio, i suoi impareggiabili dipinti. 

Masaniello Luschi è attualmente considerato il massimo esponente della pittura labronica tradizionale, una tradizione che trae origine da quello che fu uno dei più rivoluzionari movimenti artistici del passato: la MACCHIA. 
Tale movimento nato nella seconda metà dell'800 ebbe come artefice il pittore livornese Giovanni Fattori che radunò attorno a sé un nutrito gruppo di giovani talenti, i quali, pur non vedendo un immediato riconoscimento della propria vena artistica, continuarono a credere ciecamente nei dettami dei Maestro; ed è seguendo quei dettami che Masaniello Luschi molti anni orsono ha incominciato a dipingere, affascinato dall'arte di quegli insigni maestri ne hanno studiato le opere con amore e abnegazione fino a carpirne i più reconditi segreti tanto che oggi, lui stesso viene considerato il maestro in grado di continuare, seppur con un'impronta dei tutto personale, quella tradizione che non deve assolutamente andare dispersa, perché costituisce una delle piu' significative tappe della cultura italiana. Dotato di una notevole base grafica, che gli permette di fermare sulla tela con immediatezza il soggetto prescelto, egli dedica gran parte dei suo tempo alla pittura dal vero, sempre alla ricerca di soggetti che il trascorrere dei tempo ha lasciato inalterati. La sua stessa Toscana, ricca di scorci suggestivi fonte di sempre nuove ispirazioni. Introverso, silenzioso sempre attorniato da devoti allievi, Masaniello Luschi vive come racchiuso in un mondo poetico rifuggendo da coloro che vorrebbero il "Moderno ad ogni costo" non perché rifiuti a priori nuove forme espressive ma perché crede con assoluta convinzione che il suo modo di dipingere fatto con semplicità e modestia, con il solo ausilio dei colori e dei pennelli abbia tutt'oggi un significato. Anche i notevoli successi che ottengono le sue personali stanno a confermare la validità delle convinzioni radicate in lui. 
"L'ultima cena" commissionatagli dalla Curia Vescovile per il Duomo di Livorno è la sicura prova della raggiunta maturità artistica. 
Qualcosa che rimarrà nel tempo. 

Maurizio Ansaldo 

Mostre personali 

Boutique dei Quadro, Livorno, 1968; Galleria 33, Lucca, 1969; Galleria Andrea, Pontedera, 1970; Enoteca ltalica, Siena; Galleria Spinetti, Firenze; 1971; Galleria d'Arte G. Romiti, Livorno, 1974; Galleria Milan Arte, Bologna, 1975; Galleria Il Collezionista, Bologna, 1977; Galleria 33, Castiglioncello, 1977; Galleria Alcyone, Firenze, 1977; Galleria 33, Castiglioncello, 1978; Galleria S. Isaia, Bologna, 1979; Galleria dei Barcon, Milano, 1979; Galleria 33, Castiglioncello, 1979; Galleria Cancelli, Firenze,1980; Galleria 33, Castiglioncello, 1980; Teatro Boldini, Ferrara, 1981; Galleria 33, Castiglioncello; Circolo Sportivo Santacroce, S. Croce S.A.; Hotel Fini, Modena, 1982; Fortezza Nuova Omaggio a Livorno, Livorno,1982; Galleria S. Isaia, Bologna, 1983; Galleria d'Arte Internazionale, Francoforte, 1983; Studio d'Arte Lanza, lntra, 1983; Galleria Berman, Torino, 1983; Palazzo Comunale, Soave, 1984; Bottega d'Arte 33, Castiglioncello, 1984; Galleria d'Arte Andrea, Pontedera, 1984; Galleria S. Isaia, Bologna, 1985; Centro Culturale l'Antica Farmacia, Palaia, 1987; Nuova Galleria, Castiglioncello, 1987

da: www.firenzeart.it

Biografia:

Torino 1869 / 1933

Nacque in Torino nel 1869. A 15 anni entrò nella R. Accademia Albelrtina, ove studiò alla scuola del Gilardi e del Gastaldi, ottenendo numerosi premi di primo grado, medaglie d'oro e d'argento, e borse di studio. Nel 1891 esordì all'Esposizione Promotrice di Torino con un ritratto ad olio, in grandezza naturale, che lo affermò tosto ritrattista valente. Produsse in seguito molte ed importanti opere, specialmente di genere sacro, al quale si è dedicato con particolare studio, ottenendo numerosi successi.

Tratto da: Guide Marini - AVGVSTA TAVRINORVM

Biografia

Porto Sant'Elpidio 1903- Roma 1990

Biografia

Nato a Modena nel 1931 ma ora residente nel Milanese, precisamente a San Donato Milanese, Giorgio Bossola ha da sempre avuto in anima la «passione» per la pittura, e alla pittura si è dedicato con singolare impegno, riuscendo ad ottenere risultati che la critica e gli appassionati d’arte hanno necessariamente sottolineato con unanimi consensi di ammirazione. E a testimonianza dei risultati che la pittura gli procurava, sono venute le sue esposizioni sia personali che collettive nelle principali Gallerie d’arte italiane. Tra queste ci piace ricordare soltanto la sua presenza alla XX Biennale di Milano nel 1954, mentre è del 1961 la sua prima personale. Delle altre mostre che Giorgio Bossola ebbe a presentare con risultati sempre più che lodevoli, non facciamo l’elenco essendo molto numerose. È quanto basta per affermare la prestigiosa personalità di questo artista.

di A. Campoleoni da "Giorgio Bossola espone a Seriate" www.ecodibergamo.it

Biografia

- Nasce a Mesagne il 25 febbraio 1910 da Francesco e Maria Olive.  Muore a Mesagne il 30 settembre 1996.

- Notizie del primo periodo della formazione tratte da un suo breve racconto autobiografico.

"La mia infanzia non è stata priva di costrizioni: si usava in quel tempo affidare i bambini a dei maestri artigiani per apprendere il mestiere e, contemporaneamente, frequentare la scuola pubblica. Avevo quattro anni. Durante l'asilo infantile e la scuola elementare volli più volte cambiare mestiere e per ultimo quello di falegname mobiliere. E fu appunto qui che scoprirono in me una certa tendenza per il disegno. Avevo, credo, dieci o undici anni. Mi prese con sé un bravo pittore del posto: il prof. Francesco Epicoco, che, forse, qualcuno ricorderà. Questi, senza percepire alcun compenso, mi tenne con sé alcuni anni, facendomi disegnare, disegnare, disegnare; e posso affermare senz'altro che a Lui devo la mia prima vera formazione. Di quel periodo si conservano migliaia di disegni.
Questo tirocinio un giorno ebbe termine, non so dire né come né quando, e mi ritrovai a contatto con la vita senza un mestiere, abbandonato a me stesso e sempre a carico dei genitori. Più di una volta tentai l'avventura: la prima, allontanatomi da casa con due lire in tasca e senza altri mezzi, volevo raggiungere Napoli comodamente installato in un vagone merci; ma non ce la feci: a Metaponto fui costretto da un ferroviere mesagnese a riprendere la via del ritorno. Però scesi a Taranto che era mezzanotte e, alle prime luci dell'alba scoprii il mare più bello del mondo, in tutto il suo incanto. Sul tardi, nella stessa mattinata, mi raggiunse mio fratello proprio in tempo per non morire di fame.
Qualche anno dopo, ne avevo forse venti, mi venne commissionato un lavoro di decorazione in casa dei genitori dell'On. Santo Semeraro, allora "fuoruscito" in Francia. Qualcosa è ancora visibile. Col ricavato, e questa volta con le carte in regola, ritentai l'avventura.
Raggiunsi Roma: ma anche questa volta fu un fallimento: non riuscii a procurarmi un lavoro, e feci ritorno in famiglia. Ricominciò il vagabondaggio, finchè venne bandito il concorso per la borsa di studio "Muscogiuri" (illustre benefattore nostro concittadino), fino ad allora goduta dal mio amico e collega Prof. Salvatore Scoditti. Avevo ventitrè anni suonati quando potetti fare il mio primo ingresso al Liceo Artistico di Napoli".

- L'iscrizione al primo anno di corso del Liceo Artistico di Napoli risale all'anno scolastico 1933/34. Il diploma di maturità viene conseguito al termine del corso quadriennale,  nell'anno scolastico 1936/37.

- Nell'anno scolastico 1937/38 si iscrive al corso di pittura presso la Reale Accademia di Belle Arti di Napoli e prosegue negli studi assiduamente fino al conseguimento del diploma, avvenuto nell'anno scolastico 1940/41. Ogni anno è dispensato dal pagamento delle tasse "per merito".

Egli stesso racconta di quest'ultimo suo periodo di formazione:

"Frequentai l'Accademia con assiduità e profitto e non mi mancarono grandi soddisfazioni. Era mio maestro e titolare Pietro Gaudenzi, Accademico d'Italia per meriti artistici. Al terzo anno, per concorso, vinsi una borsa di studio di tremila lire, e l'anno successivo mi venne assegnata la borsa di perfezionamento intitolata a Domenico Morelli, di cinquemila lire, quale migliore licenziato dell'anno".

- Nell'anno scolastico 1941/42 frequenta dunque il primo anno del corso di scultura, sempre presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli.

- Nel maggio del 1942 viene assunto quale disegnatore edile alla “Navalmeccanica”, ma il 1° ottobre dello stesso anno è richiamato alle armi;  il servizio militare prosegue fino all'armistizio.

- Il 15 settembre del 1944 sposa a Napoli la sig.na N.D. Ildegarda Natale, e si stabilisce poi definitivamente a Mesagne.

- Nel dopoguerra insegna Materie Artistiche nelle scuole medie. La gran parte della sua carriera di docente si svolge nella  Scuola Media Statale "M. Materdona" di Mesagne, dove assume anche, per un anno,  l'incarico di preside. Un suo dipinto  è esposto nell'Aula Magna della Scuola.

- Nel 1950 organizza una mostra personale  a Francavilla F.na, nell'ambito della X Fiera dell'Ascensione, suscitando notevole interesse e vivo apprezzamento.

Ecco alcuni giudizi della stampa dell’epoca.

“Il Giornale d’Italia” (Quotidiano) n. 117 del 18 maggio 1950:

“Grande ammirazione e stupore per l’inaspettata sorpresa desta un angolo del salone centrale, dove fanno bella mostra di sé 22 quadri  del pittore Giovanni Avasto. In ciascuno d’essi l’intramontabile sogno d’arte d’ogni vero artista traluce in forme e colori che avvincono anche lo sguardo più distratto, proprio per la potenza suggestiva della “vera” Arte, intesa come estrinsecazione d’un intimo ed insopprimibile tormento. E di tale lotta, e della ricerca avida e minuziosa di forme libere e sintetiche, l’Avasto ci dà ampia documentazione nelle sue belle nature morte, negli occhi e nell’atteggiamento della sua Madonna, nei ritratti che sono una sintesi mirabile tra la forza dell’espressione e lo sprezzo delle forme accademiche e consuete, nel suo “Nudo”  ecc. Ci auguriamo che il pubblico decreti a questa autentica rivelazione della Fiera tutto il successo che l’artista merita, in attesa che l’Avasto, mettendo da parte la sua ritrosia, ci allestisca la mostra di tutte le sue opere, che senza sforzo figurerebbero degnamente in ben più importanti Esposizioni.”
“La Freccia” (Settimanale politico indipendente della Provincia di Brindisi) n. 20 del 20 maggio 1950:
“Oscar Wilde disse che un vero artista non si cura del pubblico. Evidentemente egli sottintendeva quello – numeroso – dal palato grosso e dal facile gusto corrente al quale è – pertanto – costituzionalmente vietata la comprensione dell’attimo sublime della creazione che l’artista attua per un suo insopprimibile bisogno di esprimersi. Giovanni Avasto c’è parso “wildeggiare” con questa mostra di suoi lavori alla Fiera Campionaria di Francavilla; e dico subito perché: per aver tenuto fino ad oggi il pubblico (che non è poi tutto quello di Wilde) all’oscuro della bella arte  maturata in lui in forme ed in linee d’una intensa significazione e d’una morbidissima trattazione. C’è nei lavori luminosi che egli oggi finalmente s’è deciso a mostrarci, un intimismo rivelato cautamente con un pudore finanche un po’ scontroso e come offerto paurosamente preoccupato del “palato grosso” cui Wilde raccomandava non curarsi. Senza giungere alla esasperazione della linea e del concetto cui gli estremisti hanno “malmenata” l’arte moderna, Avasto inquadra con encomiabile buon gusto e studiata e vigilante armonia di dimensioni, dolci figure di Madonne e vivide nature morte che balzano dagli sfondi accurati in pennellate dense di colore ed immediate di significato. La innata riserbatezza dell’artista si dilegua però di fronte al ritratto e lì, dietro il tenue schermo del “soggetto vivo” egli si effonde e spazia nel cielo sconfinato del sogno puro, che mette negli occhi e nel palpito delle sue figure, tutto il cuore e tutta l’anima del ritrattato, che perciò deve avere ben schietti e puri l’uno e l’altra per superare senza timori la tremenda prova di rivelazione cui Avasto lo sottopone. D’una efficacia pronta e sicura questo nostro artista merita d’essere incoraggiato e viepiù valorizzato nella nostra provincia che per la sua geografica posizione confinaria impedisce l’affermazione che nei centri più fortunati viene facile e remunerativa ad artisti della sua vaglia. E’ questa la prima mostra dell’Avasto, fatta dopo vive pressioni di amici e colleghi. Il pubblico, se non si sente d’essere quello di Wilde, dia ad essa il meritato incoraggiamento visitandola e soprattutto dimostrando con degli acquisti, che non ha scordato (nel naufragio bellico di tutti i valori) quello dell’Arte come formazione spirituale dell’individuo e come forza civilizzatrice dei costumi di un popolo. Anche se relegati tra due mari e lontani dai grandi centri, non priviamoci della gioia di avere dei bravi artisti nostri. Gustiamo la loro arte come centelliniamo l’essenza della nostra vite e del nostro ulivo, mostriamo ad essi il riconoscimento che meritano, coopereremo così più d’ogni astratto “piano del Mezzogiorno” alla rinascita ed alla valorizzazione della bella provincia nostra”.

“Il Popolo” (Quotidiano) n. 121 del 23 maggio 1950:

“Visitando la Fiera dell’Ascensione, divenuta ormai manifestazione di primo piano in tutta la nostra regione, particolare interesse, ammirazione consensi ed anche vivacissime polemiche ha suscitato l’artistica mostra personale del nostro concittadino pittore Giovanni Avasto. Egli si è presentato alla Fiera dell’Ascensione con una lunga serie di suoi lavori tutti improntati ad un indirizzo nuovo, in cui lo spirito nettamente prevale sulla materia. Padrone della tecnica e della forma, il nostro artista procede oltre, insistendo nella ricerca di ritmi e motivi sempre diversi e nuovi. Fra le numerose opere esposte non possiamo non ricordare: “Ritratto di vecchio”, “Il ritorno”, “Circoncisione”, “Gente che va”, che rispecchiano un determinato stato d’animo. Molto ammirati anche gli autoritratti e alcune nature morte. L’autore, nella sua comprensione geniale e nella sua incomparabile sensibilità interiore, ha fatto veramente sentire che <>.”

“Momento Sera” (Quotidiano) n. 124 del 28 maggio 1950:
 

“…Da uno sguardo d’assieme, appare evidente il carattere antiaccademico ed antinaturalistico della produzione…Ogni opera reca la prova d’uno studio nuovo…ti stupisce per l’impasto e l’accostamento dei colori, ti convince per l’ardita umana concezione…” 

Ecco infine cosa scrive l’artista presentando la mostra:
 

“ In questa mia rassegna di lavori, ho cercato di sintetizzare il cammino percorso durante alcuni anni di esperienze formali.
Ho cercato di delineare, sia pure sommariamente, l’intima lotta per il raggiungimento d’una visione nuova della realtà, direi quasi antinaturalistica, nel tentativo, svincolato dalla sottomissione a forme accademiche e su di un piano libero da preconcetti, di tendere ad una meta più poetica e significativa. Il derivante tormento, che dura da vari anni, spero possa, in un prossimo avvenire, essere coronato da intima soddisfazione.
La meta prefissami non è quella del raggiungimento di una fedele e facile copia della realtà visiva, ma quella della concretizzazione, coi soli mezzi pittorici, forse anche naturalistici, di una realtà interiore, mettendo completamente al bando: il gioco di virtuosismi formalistici, ricerche accademiche di volume, di valori atmosferici, ecc.. Giungere con forme più libere e sintetiche ad una visione più     idealistica e personale.”                                                             ”   

- L’artista, in seguito, non allestirà altre mostre personali, limitandosi a partecipare, di tanto in tanto, a rassegne collettive in ambito regionale.

- Nell’Ufficio “Affari del Cerimoniale” della Presidenza della Giunta Regionale di Puglia è esposto un suo dipinto, intitolato “Figure”. (La foto del quadro e brevi notizie biografiche sull'autore sono contenute nel volume "Arte in Regione", a cura di Mirella Casamassima e Giustina Coda - Adda Editore – Bari).

- La Pinacoteca Comunale di Mesagne, istituita nel 2001, ospita una mostra permanente dell’artista con l’esposizione di numerosi dipinti, i più rappresentativi della sua produzione, eseguiti nel periodo che va dall’anno 1925 all’anno 1989.

da avasto.altervista.org

Biografia

Nato a Bagheria (Palermo) il 4 giugno 1943, giovanissimo si trasferisce a Roma dove frequenta lo studio del suo concittadino Renato Guttuso. Nel 1964, a soli 21 anni, la Galleria Consorti di Roma gli organizza la sua prima mostra personale che rievoca i luoghi della sua infanzia.

I luoghi natali, i volti dei contadini scavati dalle rughe del tempo e dal duro lavoro, la campagna con i colori del dramma e della tragedia che rimanda alla cultura greca antica, influenzano profondamente la sua formazione artistica.

Alla fine degli anni ‘60 la sua pittura si avvicina alla sensibilità di quella inglese e in particolare di Francis Bacon. Si tratta del periodo figurativo in cui l'artista risente anche di influenze Sironiane e predilige soggetti che affrontano attraverso la drammaticità della figura umana le difficili condizioni esistenziali di un'intera classe sociale alle prese con gli effetti del processo di industrializzazione e di sfruttamento dell'uomo.

Nel 1974 l'artista, a seguito di ripetuti incontri con il matematico-filosofo Lucio Lombardo Radice, attinge alla teoria di Lobacevskij circa la sfericità del corpo e la geometria intesa come struttura dello spazio fisico. La geometria diviene sferica, le strutture sembrano levitare, le forme dinamiche, in una ricerca concettuale dove la matematica assomiglia sempre di più all'arte per l'essenza intuitiva e creativa come origine di ogni percorso teorico ed empirico.

Nel 1979 un viaggio in Perù porta Provino a vivere nella sua pittura una straordinaria dialettica tra le geometrie e la filosofia, tra il visibile e l'invisibile. Si inaugura dunque quello che può essere considerato a tutti gli effetti il periodo della piena maturità dove la pittura fatta di materia e colore diviene lo strumento principe per sviscerare quella ricerca espressiva di un mondo dinamico e infinito, attraverso la maniacalità dell'esecuzione pittorica e la gestualità del segno trova la strada per interpretare quello che lo spazio fisico della tela non consentirebbe.

Nel 1986 è chiamato per “chiara fama” alla cattedra di pittura dell'Accademia di Belle Arti di Palermo, per poi passare all'Università di Napoli.

A partire dagli anni ‘90 si succedono mostre personali in importanti spazi pubblici nazionali alternate da prestigiose esposizioni di caratura internazionale: tanto per citarne alcune Il Palazzo dei Diamanti di Ferrara, il Palazzo delle Esposizioni di Roma, Castel dell’Ovoa Napoli, Cervia ai Magazzini del Sale.

Nel 2002 espone come primo artista occidentale nel Museo Nazionale di Storia Cinese a Pechino e successivamente nei musei più importanti delle città di Shenzhen, Shenyang, Canton, Shanghai, Hong Kong e Changshu. Inizia così una decade di mostre internazionali che lo porteranno dalla Grecia agli Stati Uniti e dalla Bulgaria all'Argentina tornando periodicamente ad esporre nella sua Sicilia.

Mostre Personali

1964

• Roma. Galleria Consorti.

1966

• Roma. Galleria Il Girasole.

1967

• Roma. Galleria Il Vertice.

• Palermo. Galleria L'Incontro.

• Ragusa. Galleria Sud-Sudest.

1968

• Tripoli (Libia). Galleria Leyla Tohdemir Khalil.

1969

• Roma. San Lorenzo.

• Bari. Galleria La Bussola.

1970

• Milano. Galleria Ciovasso.

• Bagheria (Pa). Galleria il Nibbio.

1971

• Roma. Galleria Molino.

• Reggio Calabria. Galleria La Vernice.

• Bagheria (Pa). Galleria Valguarnera”.

1972

• Milano. Galleria Ciovasso.

• Bagheria (Pa). Galleria Il Nibbio.

• Roma. Galleria La Nuova Pesa.

• Teramo. Galleria G4.

1973

• Napoli. Ritmo della città. Galleria Schettini.

1974

• Roma. Galleria Cà d'Oro.

1975

• Roma. Galleria Il Giornale di Roma.

• Venezia. Galleria Fiamma Vigo.

• Firenze. Galleria Giorgi.

• Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

1976

• Orvieto. Galleria Maitani.

• Taranto. Galleria In Primo Piano.

• Rieti. Galleria Numero Uno.

• Palermo. Galleria La Robinia.

1977

• Cortona. Galleria Arcaini.

• Roma. Galleria Nuovo Carpine.

1978

• Bagheria (Pa). Galleria Il Poliedro.

• Arezzo. Galleria Comunale d'Arte Contemporanea Palazzo Guillichini.

1979

• Ferrara. Palazzo dei Diamanti.

• Bologna. Galleria Quartirolo.

• Orvieto. Palazzo dei Papi.

1980

• Roma. Galleria Cà d'Oro.

• Roma. Galleria Carte Segrete.

• Palermo. Galleria La Tavolozza.

• Catania. Galleria Arte Club.

• Spoleto (Pg). Galleria Internazionale Fontana Arte.

1981

• Reggio Calabria. Galleria Il Messaggero.

• Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

1982

• Latina. Galleria La Colomba.

1984

• Roma. Galleria La Gradiva.

1985

• Roma. Galleria MR.

1986

• Padova. Galleria La Chiocciola.

• Stoccolma (Svezia). Galleria Art Atrium.

1987

• Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.

• Nizza (Francia). Art Jonction International.

1988

• Bagheria (Pa). Galleria Artecontemporanea.

1989

• Vercelli. Meeting Art.

• Orvieto. Palazzo Netti.

• Roma. Opere 1979-1989. Ministero dei beni culturali e ambientali, Complesso Monumentale San Michele a Ripa.

1990

• Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.

• Macerata. Pinacoteca e Musei Comunali.

1991

• Bagheria (Pa). Opere dal 1963-1991. Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea.

• Roma. Terra. Palazzo delle Esposizioni.

• Palermo. Studio 71.

1995

• Vercelli. Meeting Art.

• Cosenza. Galleria Marano.

1996

• Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.

1997

• Cosenza. Galleria Merano.

• Salerno. Galleria Grassi.

1998

• Morlupo (Roma). Galleria Comunale.

• Roma. Anatomia sul corpo della pittura. Galleria Cà d'Oro.

• Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.

2000

• Bruxelles (Belgio). Centro culturale italiano.

• Seul (Corea del Sud). Spazio Multimediale Rotunda.

• Palermo. Superfici gassose. Galleria Studio 71.

2001

• Palermo. Fuochi ed altre folgori. Palazzo dei Normanni.

• Salonicco (Grecia). Istituto Italiano di Cultura.

2002

• Cavaso del Tomba (Tv). Asalo Golf Club.

• Portobuffolè (Tv). Casa di Gaia Da Camino.

• Milano. Sussurri / Fragori. Palazzo del Senato, Archivio di Stato.

• Shenyang (Cina). Palazzo dell'Università.

• Pechino (Cina). Museo Nazionale della Storia Cinese (primo artista occidentale ad esporre in questo museo).

• Catania. Opere 1978-2002. Castello Ursino.

2003

• Foggia. Museo Palazzetto dell'Arte.

• Taormina (Me). Palazzo Duci di Santo Stefano.

• Napoli. Sedimenti della materia. Castel dell'Ovo.

• Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

2004

• Monticello Conte Otto (Vi). Galleria Sante Moretto Arte Contemporanea.

• Madrid. Galleria “Artemix”.

• Cervia. Sedimenti della materia. Magazzini del sale.

• Varna (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.

• Plovdin (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.

• Botevgrad (Bulgaria). Galleria d'Arte del Museo Storico.

• Russe (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.

• Chiustendil (Bulgaria). Galleria d'arte Vladimir Dimitrov.

• Pleven (Bulgaria). Galleria d'arte Ilia Bescecov.

• Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

2005

• Guangzhou (Cina). Guandong Museum of modern Art.

• Shenzhen (Cina). He Xiangning Art museum “Vestiges of space”.

• Forlì. Fiera Contemporanea Collaterale.

2006

• Maribor (Slovenia). Galleria Dlum.

• Changshu (Cina). Changshu Museum Arts.

• Capua (Ce). Stratificazioni. Museo Campano.

• Trabia (Pa). Sedimentazione – natura. Centro sociale Ex Case Sanfilippo.

2007

• Napoli. Fuga dallo sguardo. Castel dell'Ovo.

• Buenos Aires (Argentina). Geometrias del alma. Centro Cultural Borges.

• Roma. Fuga dallo sguardo. Galleria Michelangelo.

2008

• Civitavecchia. La fenice della pittura. Galleria Michelangelo.

2010

• Marino (Roma). Natura e materia. Museo civico “U. Mastroianni”.

• Crotone. Pittoriche anatomie luce e spazio. Galleria d'arte contemporanea “Lucia Messina”.

• Catania. Verticalità. Galleria Brucastudio.

2011

• Palermo. Terra crisalide, anni luce fa. Galleria Mercurio Arte.

• Roma. Opera incisa, l'Evoluzione del segno. Stamperia del Tevere.

• Arcevia (An). Attraversando la vita. AR(t)CEVIA International Art Festival 2011.

2012

• Palermo. Effetti Collaterali. Provincia Regionale di Palermo, Palazzo Sant'Elia.

2013

• Jakarta (Indonesia). Attraversando la natura. Museum Gedung Arsip Nasional

Mostre Collettive

1964

• Roma. Galleria Il Girasole.

1965

• Roma. Rassegna di Arti Figurative di Roma e Lazio.

• Mantova. Premio Revere.

1966

• Roma. Rassegne Prospettive Uno.

1968

• Bagheria (Pa). Rassegna di Arti Plastiche e Figurative.

1972

• Celano (Aq). III Biennale d'Arte.

1973

• Firenze. Rassegna Aspetti dell'Arte Contemporanea in Italia.

• Chieti. Premio Vasto.

1974

• Rassegna Incontri Silani.

1975

• Roma. Galleria Alzaia.

• Roma. Rassegna Via Condotti.

1976

• Bari. Expò 1ª Edizione.

• Palermo. Rassegna Il Sacro nell'Arte. Palazzo Arcivescovile.

1977

• XX Biennale Premio Alatri. Palazzo Gentili.

1978

• Celano (Aq). II Triennale Europea.

1979

• Acireale (Ct). Rassegna di Pittura. Palazzo comunale.

• San Gemini (Tr). Rassegna di Sculture Lignee.

• Acireale (Ct). Rassegna Omaggio alla Sicilia.

1982

• Perugia. Mostra Nazionale di Pittura.

1985

• Bagheria, Catania, Gibellina. Rassegna Circumnavigazione Due. Galleria Ezio Pagano

• Assisi. L'Isola e Il Segno.

1986

• Sulmona (Aq). XIII Rassegna Nazionale di Pittura.

• Aquila. Triennale Europea di Arte Sacra. Castello Trecentesco.

• Pescara. Biennale Nazionale di Arte Sacra.

• Nizza (Francia). Rassegna Art Jonction International.

1987

• Campobello di Mazara (Tp). Premio Nazionale di Arte Contemporanea.

• Varna (Bulgaria). IV Biennale Internazionale di Varna.

• Stoccolma (Svezia). Arte Fiera Konstmassan.

• Bagheria (Pa). Rassegna Circumnavigazione Galleria Ezio Pagano.

• Sibari (Cs). I Premio Le Città della Magna Grecia.

1988

• Palermo. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea Tota Pulchra.

• Modica. (Rg). Rassegna Ibla Mediterranea.

• Catania. Rassegna di Scultura e Pittura nell'Area Mediterranea.

• Premio Fimis ‘88.

• Roma. Arte contro L'AIDS.

1989

• Roma. Rassegna Presenze Siciliane. Complesso Monumentale San Michele A Ripa.

• Milano. Biennale di Milano.

• Sulmona (Aq). XVII Premio Sulmona.

• S. Flavia (Pa). I Rassegna d'Arte.

1990

• Roma. Art Solidarity.

• Celano. Celano Oggi Memoria d'Arte.

1991

• Trapani. Sicilia Mito e Realtà. Museo Pepoli.

• Roma. Rassegna Arte Roma ‘91. Palazzo dei Congressi.

• Termoli (Cb). Esaedro. Galleria Civica Arte Contemporanea.

• Roma. Rassegna Art Solidarity.

• Palermo. Rassegna Lux Mundi. Albergo delle Povere.

• Siracusa. Rassegna di Arte Sacra.

• Termoli. XXXVI Rassegna. Galleria Civica.

1992

• Vercelli. Meeting Art.

• Roma. Arteroma.

1993

• Roma. Arteroma.

• Erice (Tp). Circuiti d'Acqua. Palazzo dei Militari.

1995

• Civitella Roveto (Aq). Versanti dell'Arte Italiana II Novecento.

1997

• Catania. La Questione Siciliana.

• Modica (Rg). Ibla Mediterranea.

• Seravezza (Lu). Il Girasole Trent'anni dopo.

1998

• Roma, Mostra. L'Isola Dipinta. Palazzo Vittoriano.

• Morlupo (Rm). Palazzo comunale.

1999

• Tindari (Me). Ave Crux. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea.

2000

• Coutances (Francia). Sicilie ile de beautè.

2001

• Teramo. 100 Artisti rispondono al PAPA. Museo Stauròs.

• Canton (Cina). Guangdong Museum of Art.

• Dalian. Settant'anni di carte italiane. Palazzo Belle Arti.

• Pechino. Istituto Italiano di Cultura .

• Buenos Aires. Trazos para una memoria. Incontro della pittura italiana contemporanea.

2002

• Mosca. Generazioni. Galleria Beleyevo.

• Premio Bargellini.

• Roma. Galleria Michelangelo.

• Buenos Aires. Diez Años de Gráfica Italiana.

2004

• Krakowia (Polonia). 70 anni di carte italiane. Galleria Wloskiego, Galleria Krzystofory.

• Orvieto. La galleria Maitani 1967-1989. Galleria Zerotre.

• Roma. Le ombre dei Maestri. Metropolitana di Roma.

2005

• Catania. Percorsi etici. Galleria d'arte moderna e centro culturale “Le Ciminiere”.

• Varna, Russe, Plovdiv (Bulgaria). Da Balla a Scialoja. Mostra itinerante nelle Gallerie Civiche.

• Pleven (Bulgaria). Galleria Civica “Ilia Beshkov“.

• Lovech (Bulgaria). Sala espositiva “Varosha“.

• Sofia (Bulgaria). Unione dei pittori bulgari.

• Albissola Marina (Sv). Arte senza confini. Museo civico d'arte contemporanea.

• Roma. La notte bianca –Imago verba-Visioni e poetiche contemporanee. Galleria Tartaglia arte.

• Palermo. Di sguardi, luoghi. Di ombre. Galleria Ellediarte.

• Forlì. Fiera “Contemporanea“.

• Roma. Matrice primaria. Galleria Michelangelo.

• Loretto (Pennsylvania). Jacob's ladder southern alleghenies museum. VI international biennal regional artists sacred art.

• Ortigia (Sr). Grandi meditazioni per un piccolo formato. Galleria Roma.

2006

• Roma. Rassegna d'arte contemporanea “L'arte di amare l'arte“. Galleria Orsini

2007

• Roma. Primaverile A.R.G.A.M. Museo Venanzio Crocetti.

2008

• Rapallo (Ge). Centro d'Arte Mercurio.

2009

• Agrigento. V edizione ARTE.

2010

• Roma. I Triennale dell'astrattismo e del surreale .

• Formello (Rm). Quattro rotte d'autore. Palazzo Chigi.

• Arcevia. III edizione ArtCevia – International Art Festival.

• Vibo Valentia. Premio internazionale “Limen –Art “.

• Palermo. Novecento sacro in Sicilia.

2011

• Catania. Made in Sicily. Museo Le Ciminiere.

• Catania . “Il Bosco d'Amore” omaggio a Renato Guttuso. Palazzo Valle, Fondazione Puglisi Cosentino.

da: it.wikipedia.org

Biografia

Artista grafico, pittore, specialista in affresco e stucchi alla calce, dipinti ...

Biografia

di Rinaldo Capra

Roberto Farina, 
Giandante X, Milieu Edizioni 2015, pp.272,
 € 14,90
Alessandro Capozza (a cura di), Giandante X artista della libertà, edito da AICVAS 2015, pp.141, € 14,00
Roberto Farina (a cura di), Giandante X l’eterno viandante, edito da Associazione Memoria Storica Giovanni Pesce 2013, pp. 79, € 22,00

Giandante X (1899-1984): prima di trovarmi tra le mani i volumi di Roberto Farina e di Alessandro Capozza, non lo avevo mai sentito nominare, non lo conoscevo. Mai visto un’opera, mai sentita una storia o incocciato in qualcuno che lo citasse o lo avesse conosciuto. Pittore, scultore, architetto, poeta, ma soprattutto militante ostinato, deciso e solitario, che ha messo al centro della sua ricerca artistica l’impegno politico senza riserva alcuna. I soggetti del suo lavoro sono archetipi epici legati alla sua visione mitologica delle grandi questioni del ‘900. I titoli sono inequivocabili ed esemplari: “Eroe”, “Verso la città futura”, “Combattente”, “Il grido del ribelle”, ecc.

Ha incarnato, di volta in volta, tutte le pulsioni di cambiamento del suo tempo, misurandosi con il rischio di cadere nella retorica, che inevitabilmente i movimenti proponevano, e nelle strumentalizzazioni politiche. Ha usato gli stilemi del Decò, del Futurismo, dell’Espressionismo tedesco, del Razionalismo italiano, ma senza mai deviare dalla sua concezione di arte militante. Anarchico per alcuni, comunista per altri, certamente è stato Ardito del Popolo, miliziano delle Brigate internazionali in Spagna e partigiano in Italia. Sempre con tutti, dove serviva, ma sempre da solo.

Eppure quest’uomo è sconosciuto ai più. Pur citato e ammirato da Sironi, Sassu, Lajolo, de Grada, Giolli, Carrà, Formaggio, Treccani, è rimasto nell’ombra.
Si è autoescluso dal mercato regalando quadri o vendendoli sottocosto quando le quotazioni aumentavano.
Unica biografia pubblicata fu “Giandante artista poeta combattente” di Silvio Biscàro (1963) e solo ora, dopo più di cinquant’anni, ecco due pubblicazioni uscite in contemporanea, che si aggiungono a “Giandante X l’eterno viandante”, ancora a cura di Roberto Farina, del 2013.

Giandante , nato Dante Pescò, è figlio dell’agiata borghesia milanese; cresce tra
l’anaffettività della madre e la severità del padre, che non vuole artisti in famiglia. Nel 1916 fugge di casa e rompe ogni relazione con la famiglia, studia architettura e filosofia e come scrive lui stesso: si butta sulla terribile strada fatta di fame, miseria e fango alla ricerca del Mito artistico. Nel 1919 si diploma Architetto Professore e assume il nome di Giandante X.
Giandante non è un refuso di viandante, come alcuni sostengono, ma Già-Andante, già in cammino nella vita di tutti, come un mistico che percorre la terra per costruire la sua piramide di coscienza, che in un suo scritto definisce costruita su “un’enorme zatterone di dolore”. Un cammino, per capire e lottare, fatto di semplici e umanissime cose. La X è l’incognita dell’eterno divenire, la croce della passione ideale e della compassione per gli oppressi, che non hanno cognome che li qualifichi e che in quella X sono tutti rappresentati. L’impressione è di trovarmi di fronte a un uomo con una biografia esemplare, una vita molto più rappresentativa della sua produzione artistica.

Ora Giandante mi guarda dalla bella foto di copertina del libro di Farina ed io guardo lui: è un ritratto, un bel ritratto. Ha in sé tutti i crismi del ritratto ufficiale, apologetico. La luce disegna il volto da sinistra verso destra, ne mette in risalto la tridimensionalità, la forza del naso e le mascelle serrate. L’espressione è molto intensa, ieratica, come quella che hanno i grandi mistici nell’iconografia classica. L’occhio sinistro è in penombra e il destro, appena più illuminato, non guardano nel centro ottico dell’immagine, ma poco più in alto, come per scrutare orizzonti lontani, ben oltre il fotografo che lo ritrae. Ignora la fotocamera, è totalmente assorto nei suoi pensieri e nelle sue visioni.

C’è in Giandante l’assoluta consapevolezza del proprio essere e dell’immagine che ne vuole dare. Quando si fa un ritratto fotografico, s‘instaura una relazione tra il soggetto, il fotografo e lo strumento di ripresa. Si ricerca una complicità tra l’immagine di sé che vuole dare il soggetto e quella che vuole ottenere il fotografo. L’obiettivo della fotocamera diventa l’ideale punto d’incontro e mediazione delle due esigenze: da questo nasce il ritratto. Invece Giandante guarda oltre, è già in viaggio, si percepisce la tensione ideale e l’assoluta certezza della propria identità. Il fotografo e la fotocamera è come non ci fossero, e lui non sta mettendo in scena la rappresentazione di se stesso, lui è se stesso.

Questa foto però non è un ritratto, ma una foto segnaletica del 1942, scattata in occasione della consegna degli internati dei campi di concentramento in Francia alle autorità italiane.
Ecco ancora più forte la certezza che Giandante aveva l’assoluta consapevolezza del proprio essere, al punto da dare nobiltà estetica allo scatto di un secondino. Riesce in un’opera mirabile: rende ritratto orgoglioso e deciso la foto segnaletica che è di sua natura umiliante e violenta e viene imposta sempre come atto di sopraffazione psichica. Per un attimo il secondino è un autore.

Un’altra foto mi ha colpito. Giandante è sfuocato, la grana molto pronunciata e la luce ancor più tenebrosa e drammatica. Le mascelle serrate, le protuberanze sulla fronte, il naso deciso. Gli occhi sono completamente in ombra e solo vagamente si intuisce la pupilla destra, ma una cosa è certa, anche nell’indeterminatezza delle forme, lo sguardo comunica esattamente la stessa determinazione della foto segnaletica. Nulla è cambiato tra le due foto, il carattere monolitico e irriducibile è uguale, la spinta emotiva grande. Farina la associa a una bella poesia:
Desertica
Sull’arcuata sforme faccia
baracollava l’ombra grigia e lunare dell’errante
sue svuotate pupille viaggiavano oltremare…
…nel suo tascapane teneva chiuso il suo gran cuore.

Aderisce agli Arditi del Popolo, fonda la setta delle Cappe Nere e alla morte del padre rifiuta l’eredità e si libera dei soldi ricevuti dandone parte a Leonida Repaci per la pubblicazione del romanzo L’ultimo Cireneo e comprando libri e armi.
Di scottante attualità il romanzo di Repaci, infatti Giandante vi compare come alter ego del protagonista Nullo Viandante, un pittore che si fa saltare in aria ad una festa danzante dell’alta società milanese. Evidente il riferimento dell’attentato del teatro Diana. Nel romanzo c’è un dialogo tra il pittore e l’amico scrittore poco prima dell’esplosione che racconta bene il pensiero di Giandante e dice: “La mia arte è una fontana senz’acqua… quando il mondo è fango, …è menzogna anch’essa”.

Nel 1923 viene arrestato e rasenta la follia per le torture subite, tuttavia Wildt lo invita alla prima Biennale di Monza, dove presenta un lavoro di 25.000 disegni. Collabora con l’Unità, ha un aspro contraddittorio con Marinetti e nel 1933 lascia clandestinamente l’Italia per la Francia. Come da suo stile, allo scoppio della guerra di Spagna, carica tutte le sue opere su un carretto, le getta nella Senna e parte per la Spagna. Colonna Rosselli, poi 134° Brigata mista, su incarico di Longo diviene responsabile della propaganda delle Brigate internazionali e illustra manifesti e volantini.

Preziosa e ampia la ricerca iconografica dell’attività di illustratore in Spagna nel volume di Capozza, che mostra la grande mole di lavoro fatto e in cui lo slogan più usato da Giandante è: Unità. Alla fine della guerra è tra gli ultimi a lasciare la Spagna, ripara in Francia, dove è successivamente consegnato agli italiani che lo mandano al confino. Dopo l’armistizio torna a Milano come ufficiale di collegamento nella formazione Matteotti 33 Fogagnolo vicina agli anarchici. Alla fine della guerra riprende a dipingere, stavolta con tratti meno ideologici, con più colori e coltiva una stretta amicizia con lo stalinista Pesce, quello che aveva difeso Vidali, e sua moglie Onorina, che acquistano molti suoi dipinti e si prendono cura di lui.

Chi è Giandante? Un mistico del comunismo che ha voluto esserci sempre, senza sottilizzare troppo. L’importante era l’azione, l’esempio per far fronte a un nemico comune. Ha gestito gli aspetti contradditori delle sue scelte, non aderendo integralmente al Partito Comunista, ma sempre in bilico per sfruttare tutte le possibilità d’intervento che si presentavano, privilegiando scelta delle persone prima che le posizioni ideologiche. Fedele a se stesso, solo e schivo, fuori dal mercato, nel 1984 ha un attacco di peritonite e muore in ospedale.

Farina mi ha raccontato che la storia della sua morte nel libro è fantasiosa, romanzata, ma ha avuto in seguito l’occasione di conoscere una persona che ha vissuto l’evento. Giandante è rimasto esamine sul selciato del giardino del palazzo dove abitava ed è stato soccorso solo dopo parecchie ore. Pare che all’ospedale , mentre lo stavano portando in sala operatoria, abbia esortato il chirurgo a “fare un bel lavoro”, come del resto lui aveva sempre cercato di fare proprio con la sua vita oltre che con le sue opere.

da: www.carmillaonline.com

Biografia:

Simon Karczmar, my father, was born in Warsaw, Poland, November 1rst, 1903. At age five, his parents took little Smaja (Simon) to his grand-father, in Juvenishki, a shtetl near Vilnius. There, he discovered the hatas (little wooden houses), the water carrier, Toive the milkman, and the horses which he loved to ride bareback and already then to draw.

Later, he went to the Warsaw School of Fine Art. He painted nature and portraits. To pay for his studies, he went regularly to Russia to buy furs for a cousin who is a furrier. He developed a great experience as  a fur sorter

In 1929, he went to Paris to further his painting practice. He meet a young polish lady, Nechuma (Nadia) while taking french  evening courses and in 1931 he married her. In 1933, I was born, their only child. To provide for the family, Simon was a fur sorter. Soon Nadia opened a perfumery at les Lilas, in Paris  suburbs. When the second world war bursts out and the situation became unbearable for jews in Paris. In 1941, the family took refuge in Nice which was for a while non-occupied zone by the German. When the situation worsened, I was sent with some cousins in the countryside while my parents were hiding with other members of the family in a mountain village. They were denounced and Nadia's father is murdered by a french milician collaborating with the German. Nadia is deported to Auschwitz. Simon joins the resistance in the bush.

In 1945, at the end of the war, Nadia returns from deportation and recovers her store in the Lilas. In 1951, the family decides to emigrate to Israel where Simon enters in partnership with a brother in law in a small metallurgical factory. The business soon  
gets bad and he must close it. At the invitation of a friend, the family moved in 1955 to Canada, in Montreal, where my father found work as a fur sorter.

In 1959, he got an allergy which affected his eyes and he had to interrup his work. Seeing him depressed, Nadia bought him 3 canvas, brushs and tubes of paint and reminded him that when she met him he was a painter. At that moment, Simon was reading works by Shalom Alechem and spontaneously started to paint his memories from the shtetl in a naive manner, the way he looked at it as a child.

Encouraged by the reception to his new works, he painted, until he had enough paintings to organise an exhibition at the Montreal WMHA. Then, in 1960, with Nadia he went to Mexico where were I was organising the Mexican Museum of Film on Art. He made a second exhibition at the Centro Deportivo and was invited to show at two other mexican galeries.

Simon painted and Nadia organised exhibitions during ten tears in the US and Canada. In 1962, they returned to Israel where Simon took a studio in Safed and became member of the artist colony. For long, they alternated between Safed in summer and New-York in winter. Having so accomplished to be a painter during the last 22 years of his life, Simon died in 1982, at 79 years old. He is resting at the Safed cemetery. He has narrated tiressly the shtetl daily life, lovers, weddings, births, holidays, musicians, dansers, markets, prayers to the moon and various figures, all this touching universe that  he drew and painted with love. Then, in Safed, he found a new source of inspiration with its inhabitants ans its so picturesque alleyways, his second shtetl.

Natan Karczmar

da: www.artmag.com

Biografia:

Nato nel 1930 e morto nel 1974 

Mario Martini

Roma 21/10/1931 - 03/03/2007

La modernita' di Mario Martini

Il concetto di modernità come progresso illimitato è stato sostituito da una retorica della modernità. Non c’è più l’impulso ideologico della ragione e del progresso, ma, come dice Baudrillard, si confonde sempre di più con “il gioco formale del cambiamento, del modello, della simulazione”. Moderno, però, è il costante spirito critico che ha rimesso molte verità in discussione. In quest’ambito si può esaminare l'azione degli artisti, sempre i più sensibili ai mutamenti.
E' il caso di Mario Martini, ciociaro, d’origine spagnola; finanziere in Sicilia, ha conosciuto, alla fine degli anni 50, il manicomio di Palermo con lunghe cure mal fatte; in pensione per cause di servizio, ha trovato nella pittura il suo riscatto in una lunga carriera, svolta per lo più in strada, .... proiettato ad esorcizzare l’imprevisto del futuro ed un raggrumarsi di memorie lasciate in sospeso; ha sviluppato una pittura dell’attesa, del frammento, del caos.
“Come, senza inutili illusioni, è possibile poter ricomporre l’infranto, risintetizzare il molteplice, in un tempo che non permette alcun accordo fra pienezza e molteplicità?” al di là del vuoto, del caos, senza storia e senza dialettica.
E' difficile entrare nei ragionamenti di un artista che spesso agisce inconsciamente e che non sempre é criticamente motivato.
In Martini vi è la coscienza di una situazione-limite, limite che egli cerca sempre di superare. Non teme il caos delle cose; ha imparato l’ontologia del presentimento, cioè prendere coscienza dei più deboli indizi: è come vivere in un pre-terremoto, sotto muri che crolleranno.
In una situazione così instabile egli continua ad andare avanti; si adatta a questo presentimento del caos, cerca di conviverci e di trovare il modo per esorcizzarlo anche correndo dietro a fantasmi.
Ogni piccolo avvenimento diventa causa di un qualcosa i cui effetti sono considerevoli in una sproporzione tra gli avvenimenti e le loro conseguenze; in effetti, in una tale situazione il controllo razionale completo in un ordine strutturato ha le stesse possibilità di riuscita che l’affidarsi al caso, perché basta una piccola cosa a scardinare tale ordine e provocare caos. Affidarsi al caso può rappresentare una soluzione e costituire un principio di spiegazione del reale; Martini ne assume spesso la filosofia. In un momento in cui la scienza e la ragione sembrano prevalere, si ripropone alla coscienza il “caos” come valore simbolico.
Martini si è adoprato per incorporare nella sua pittura tutte le qualità del fortuito, dell’apparentemente accidentale, con una composizione instabile in una sorta di collage disagevole e inquietante di tutti gli elementi. Vicino al senso del tragico, ha un’accettazione quasi divertita della realtà con la sua imprevedibilità, una reazione ironica verso il compiuto, l’equilibrio, la simmetria, verso un ordine che è spesso solo apparente. La figura é sempre presente, non in uno spazio obiettivo, ma in una realtà distorta della proiezione degli spostamenti psicologici e visivi della mente.
Vi è un complesso interscambio di tradizione e modernità con l'uso di metodi de-compositivi o de-costruttivisti. Non c’è solo frammentazione e ricomposizione, ma spesso è una composizione basata sull’animazione di funzioni e di un discorso nella giustapposizione
e differenziazione d’elementi anche surreali. Se la casualità, il presentimento del caos, l’imprevedibile, l’inabituale, sono i valori che sottendono l’opera di Martini, questi sono visti senza nessuna posizione intellettualistica, ma ricercati in una certa inconsapevole giocosa maniera di fare pittura.

La spiritualita' di Martini

Mario Martini ha ripreso a frequentare la gradinata della chiesetta dei Greci al Babuino e ne ha fatto (in parte) di nuovo il suo studio di pittore. Si è posto così ancora in mostra, insieme alle sue più recenti opere, tutte riguardanti il messaggio di Cristo, i luoghi del cristianesimo. E lo fa perché è convinto che da quelle parti e, poi in generale non vi sia più nulla di sacro.
Afferma:- Sono riusciti nell'intento di far sparire la sacralità, anche nelle cose... hanno ucciso il senso del sacro! . .. E' tutto marcio: governo e gonzi che imitano quegli imbecilli al governo! –
E le opere, anche se viste di sfuggita lasciano il segno. Sono realizzate con un vigore marcato in misura maggiore rispetto a quelle che le hanno precedute (che non erano affatto distensive) e, ciò lo si deve ai temi affrontati: i volti di Cristo, le figure ieratiche, le chiese nelle facciate e negli interni. L'espressione già forte di per se è questa volta acutizzata, appassionata: si erge a strenuo difensore del sacro. Più si guarda attorno, più avverte la necessità di dipingere il contrario.
I colori: giallo gridato, rosso cupo, blu e tutta la gamma delle terre sono piegati al volere dell'artista non per abbellire od ornare, ma per denunziare la perdita in crescendo dei sentimenti, lo smarrimento delle emozioni, di tutto ciò che vi è di più sacro in questo mondo ormai offeso, martoriato da guerre insensate.
Mario Martini accentra l'attenzione nella città in cui vive, Roma, e cerca disperatamente di coglierne gli aspetti secolari, quelli che danno in maggior misura il senso lieve ed essenziale della spiritualità.
Anche il "Babuino" guarda con apprensione l'ulteriore trasformazione a cui è sottoposta la sua via: negli anni passati scomparvero gli studi degli artisti, le gallerie d'arte e le librerie per cedere lo spazio alle sartorie e ai mobilieri alla moda, da qualche tempo chiudono pure gli antiquari e sempre per lo stesso motivo.
Da ciò è scaturito un passaggio di persone diverso, agghindate ma meno attente, più leste ma vanitose, vuote. Per nostra fortuna la metro permette a innumerevoli folle periferiche (guardate con sufficienza) di riversarsi con estremo folclore nel centro storico, per bilanciare con la freschezza insita lo sfacelo "creato" dai nuovi e ricchi barbari che, suppongono d'essere apportatori di novità, mentre non fanno altro che distruggere.
Non che a Martini mancassero gli argomenti per attaccare a fondo i mistificatori "sociali (?)", tuttavia con le attuali opere ha potuto dare un contributo intelligente e analitico alla denunzia: il sacro che contrasta l'idiozia, l'inettitudine, lo spirituale che smaschera le basse manovre dei faccendieri e dei loro accoliti che vorrebbero copulare Roma.
Se l'opposizione allo scempio fa fatica ad ottenere risultati concreti, allora che si contrapponga il sacro al nulla proposto dagli speculatori di ogni risma.
Davanti allo sfacelo anche gli agnostici come me sentono il dovere di salutare la difesa del sacro della spiritualità che, Martini ha così ben espresso in maniera esauriente.

da: www.studiodr-arte.com

Biografia

Livorno 1907 - 1989

Biografia

Giovanni Sangalli è nato a Milano, presso la Clinica Mangiabili, il 20 gennaio 1930 da una famiglia poverissima che non era in grado di mantenerlo. Il papà faceva il carabiniere ma un giorno l’hanno trovato ucciso nel mare di Sicilia.

All’età di 8 anni la mamma per mancanza di mezzi lo ha abbandonato nell’Istituto dei Piccoli Derelitti di Padre Beccaio, nella sede di piazza Firenze a Milano. Giovanni ha suonato il campanello del collegio, mentre la mamma lo sorvegliava nascosta dietro un albero. La porta gli è stata aperta e lui è entrato, accolto da una suora. Dalla sede di Milano è stato trasferito in quella di Viggiù, denominata Istituto Principe di Piemonte, dove è rimasto tre anni frequentando le prime tre classi elementari, passando poi nella sede di Bolzano, denominata Istituto Duchessa di Pistoia, dove ha frequentato le classi quarta e quinta elementare. Successivamente è stato spostato nella sede di Varese dove per tre anni ha frequentato l’Istituto tecnico-industriale di avviamento al lavoro.

Nel frattempo, durante il periodo della guerra, la mamma è stata deportata in Germania.

Nel 1946, quando aveva 16 anni, la mamma lo ha raggiunto per portarlo a Milano, in via Giovanni Labus, dove la Confederazione Elvetica aveva costruito un villaggio di quaranta casette in legno.

Sangalli e la madre hanno ricevuto in dotazione proprio la quarantesima abitazione. Per un certo periodo Giovanni ha lavorato alla costruzione delle penne biro.

Successivamente ha fatto il cuoco presso l’opera Cardinal Ferrari. Poi una signora di nome Sandra Paccioni, diventata sua madre putativa, l’ha consigliato, compiuti i 18 anni, di intraprendere la carriera militare. E’ stato inviato a Roma come allievo specializzato presso la scuola di motorizzazione, della Cecchignola..

Nel 1951 è andato ad Udine col grado di caporalmaggiore. A San Daniele del Friuli ha avuto un incidente con il camion , per cui si è fatto 50 giorni di prigione, dove si è ammalato. Ricevuto il foglio di via è tornato a Milano alloggiando presso un dormitorio pubblico e mangiando con i buoni mensa del comune. Un prete gli ha trovato lavoro presso una fabbrica di contatori del gas, reparto fonderia. Gli hanno riscontrato una infiltrazione polmonare per cui a Sondalo gli hanno praticato il pneumotorace. Guarito, nello stesso stabilimento dalla fonderia l’hanno spostato in minuteria a lavorare sul tornio.

A Milano ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Brera, dove in soli due anni è riuscito ad effettuare gli studi dell’intero ciclo (che dura sei anni) diplomandosi a pieni voti. Si è sposato con Milvia, la prima moglie che gli ha dato due figli, ma dalla quale poi ha divorziato. Ha quindi conosciuto e sposato una donna indonesiana dell’isola di Bali, che gli ha dato altri due figli. Avendo acquistato una casetta con terreno a Montefiore Conca, cura i suoi animali la cortile e le piante da frutta che ha imparato ad innestare. C’è da dire che durante le traversie che hanno caratterizzato tutta la sua vita ha rgli ha smpre disegnato e dipinto.  

da:  www.neteditor.it                                                       

Biografia

1904 - 1989 (Figueres, Spagna)

Cocktail ben assortito di genialità e delirio, pittore del surreale e di mondi onirici, Salvador Dalì ha avuto una vita segnata dalla stranezza fin dal principio. Nato a Figueras il giorno 11 maggio 1904 - il nome completo è Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domènech, marchese di Pùbol - dopo tre anni dalla morte del primo fratello, il padre pensò bene di chiamarlo allo stesso modo, forse per non essere mai riuscito a dimenticare il primogenito. Una circostanza un po' "malata", che non ha certo giovato all'equilibrio mentale del piccolo Salvador, il quale, natìo della Catalogna, appena adolescente espone alcuni dipinti presso il teatro municipale della sua cittadina, riscuotendo un significativo apprezzamento critico.

Nel 1921 si iscrive all'Accademia di belle arti di San Fernando a Madrid, dove stringe amicizia con il regista Luis Buñuel e il poeta Federico Garcìa Lorca. Con quest'ultimo trascorre l'estate a Cadaqués nel 1925. L'anno successivo soggiorna a Parigi, dove incontra Pablo Picasso, e viene espulso dall'Accademia. La sua prima pittura è connotata dalle influenze futuriste, cubiste, e soprattutto dall'opera di Giorgio De Chirico. Negli anni successivi il suo sodalizio artistico e intellettuale con Lorcae Buñuel produce lavori di scenografia teatrale e cinematografica, come i due celebri film "Un chien andalou "e "L'âge d'or".

Sul piano pittorico ben presto la sua attenzione viene attirata dalle riproduzioni di dipinti di Max Ernst,Miró e Tanguy, i maestri dell'inconscio tradotto su tela. Nel 1929 entra finalmente nel gruppo dei surrealisti e nel 1931, insieme a Breton, elabora gli "oggetti surrealisti a funzione simbolica". Ma ilsurrealismo di Salvador Dalí è comunque fortemente personalizzato: ispirato a De Chirico ed imbevuto di richiami alla psicanalisi freudiana, é caratterizzato da una tecnica minuziosa, levigata e fredda.

Nel 1930 pubblica "La femme visible", saggio dedicato a Gala, sua moglie dal 1929, modella e musa per tutta la vita. Questo libro segna un nuovo orientamento di Dalí, che inizia a coniugare un realismo quasi accademico con un delirio deformante, talvolta macabro. Qualche anno dopo si scontra con i surrealisti a proposito del dipinto "L'enigma di Guglielmo Tell", sinché nel 1936 avviene una prima rottura con il gruppo di Breton, che diventerà definitiva tre anni dopo. Nel frattempo Dalí aveva partecipato all'Esposizione internazionale dei surrealisti a Parigi e ad Amsterdam.

Tra il 1940 e il 1948 vive a New York, insieme a Gala Éluard, occupandosi di moda e design. In questi anni ha occasione di esporre le sue opere al Museum of Modern Art insieme a Miró e di contribuire, con il disegno delle scene, al film di Alfred Hitchcock "Io ti salverò". Al termine del soggiorno statunitense rientra in Europa insieme a Gala.

Nel 1949 prosegue l'attività scenografica per il cinema collaborando con Luchino Visconti. Nel decennio sucessivo espone in Italia, a Roma e Venezia, e a Washington. Nel 1961 viene messo in scena a Venezia il Ballet de Gala, con coreografie di Maurice Béjart. Sono molte le esposizioni negli anni successivi, a New York, Parigi, Londra, sino all'importante antologica a Madrid e Barcellona nel 1983.

Sette anni dopo espone le sue opere stereoscopiche al Guggenheim Museum e a maggio del 1978 viene nominato membro dell' Accadémie des Beaux-Artes di Parigi. L' anno seguente si tiene una retrospettiva di Dalí al centre Georges Pompidou di Parigi, trasferita poi alla Tate Gallery di Londra. Il 10 giugno 1982 muore Gala e nel luglio dello stesso anno gli viene conferito il titolo di "archese di Pùbol" Nel maggio del 1983 dipinge "La coda di rondine", suo ultimo quadro. Nel 1984 riporta gravi ustioni a causa dell'incendio della sua camera al castello di Pùbol, dove ormai risiede stabilmente. Salvador Dalì muore il 23 gennaio 1989 nella torre Galatea a causa di un colpo apoplettico.

In rispetto alle sue volontà viene sepolto nella cripta del Teatro-Museo Dalí a Figueras. Nel suo testamento lascia allo Stato spagnolo tutte le opere e le sue proprietà. Viene organizzata una grande retrospettiva postuma nella Staatsgalerie di Stoccarda, trasferita poi alla Kunsthaus Zurich.

Opere significative di Salvador Dalì

• Il grande masturbatore (1929)

• La persistenza della memoria (1931)

• Shirley Temple (o La sfinge di Barcellona) (1939)

• Sogno causato dal volo di un'ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio (1944)

• La tentazione di Sant'Antonio (1946)

• Madonna di Port Lligat (1949)

• Madonna di Port Lligat - seconda versione (1950)

• Corpus Hypercubus - Crocefissione (1954)

• Dalì nudo (1954)

• Ultima Cena (1955)

da: biografieonline.it

Biografia:

(Roma 1920 - Filacciano 2011)

La nuova rivoluzionaria ed utile teoria sul colore di Francesco del Drago

Nello Ponente nel 1978 scriveva: "Del Drago spinge in avanti tutti gli sviluppi della pittura contemporanea e in particolare quelli della grande tradizione francese". Con questo giudizio concordano Maltese, Rudel, Apuleo, Louis, Macacchi, Servera-Boutefoy che recentemente, presentando una sua mostra a Villefranche ha rimarcato: "La sua caratteristica rinnovatrice ha cambiato le fattezze della pittura contemporanea". Francesco Del Drago ha iniziato a dipingere con il padre pittore dilettante. A dodici anni ha seguito i corsi di L. Rosa, autore della "Tecnica della pittura". Si e' diplomato all'accademia di Belle Arti di Roma frequentando allo stesso tempo gli studi degli amici-maestri Guttuso, Severini, Birolli e Morandi. Nel 1951 a Parigi, dove si e' trasferito e risiede tuttora, si lega d'amicizia con Pignon, Dewanse, Matta, Leger e Picasso. Nei musei studia a fondo, per anni, i grandi coloristi francesi e su questi avanza per raggiungere verso il 1960 una pittura del tutto originale che si afferma nelle grandi manifestazioni internazionali e in numerose mostre personali e collettive. Ha svolto un'intensa attivita' interdisciplinare e scritto 30.000 pagine che sono la genesi di una nuova, rivoluzionaria teoria cromatica. Ha tenuto conferenze sulla ricerca nel 1973, '74, '75 al College de France, nel '78 alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, nel 1983 e 84 al Consiglio Nazionale delle Ricerche, nel 1987 presso l'istituto Surikov e alla Casa del Pittore di Mosca. E' al "Muchina" di Leningrado ed ancora negli Istituti Italiani di Cultura a Madrid, Parigi e New York, dove G. Macchiarella afferma: "I suoi risultati sono i piu' avanzati nell'arte contemporanea". Nel 1944 l'Accademia Nazionale della Cina a Hangzhou lo invita per una "Settimana professionale". Le conferenze che vi ha tenuto, illustrate dai suoi quadri astratti e figurativi, sono state pubblicate a Pechino da Xia Shuoqi nella importante rivista Art (aprile 1995). Per le mostre Alitalia di Roma e New York l'artista stesso ha scelto nella sua produzione recente alcuni quadri e polittici tra i piu' significativi.

da: www.net-art.it

Biografia:

Renato Volpini nasce a Napoli nel 1934 ma, di formazione urbinate, si diploma nel capoluogo marchigiano presso il Magistero Artistico cittadino nel 1957. Dall’anno seguente (1958), invece, vive e lavora a Milano. A Milano Renato Volpini si accosta inizialmente alla pittura informale. E’ la prima, questa, delle tre fasi attraverso le quali, per convenzione, la critica suddivide il percorso stilistico dell’autore. “Una liricità nervosa, che si manifesta per tratti, scavi, morsure, quasi segnali (forse perfino metafore) di fitti e intricati reticoli, dai quali cominciano tuttavia ad apparire personaggi(…)” connota, come ebbe a dire Roberto Sanesi, la produzione pittorica di Volpini nei primissimi anni Sessanta. Ma è già alla metà dello stesso decennio che l’artista si volge alla Pop Art, nell’ambito della quale esordisce con una mostra alla Galleria Profili di Milano. Quei primi personaggi assumono ora le forme di vere e proprie sperimentazioni in ambito figurativo, con l’invenzione di macchine e costruzioni “che si sviluppano sulla superficie e nello spazio con un andamento affabulatorio e ironico”. Proprio gli anni Sessanta vedono il raggiungimento della prima maturità artistica di Renato Volpini, partecipe di quel clima – dominato dai protagonisti della Pop Art e dell’Immagine Critica – che negli stessi anni caratterizza il capoluogo lombardo. Nel 1962 è già presente alla Biennale di Venezia, prendendo parte anche a importanti collettive, sia a livello nazionale che internazionale, fra le quali, nel 1967, a quella presso la Philadelphia Art Alliance con i colleghi Bonfanti, Capello, Nangeroni e Scanavino. E’ infine possibile, individuare, una terza fase nel percorso artistico di Renato Volpini – fase quest’ultima contrassegnata dalla summa delle due esperienze stilistiche precedenti – in cui “l’oggetto torna da essere immagine mobile, si animalizza o umanizza, si espone come meccanismo allucinato e spesso ironico (…)”. Non solo pittore, ma anche scultore e soprattutto incisore fra i più significativi del panorama artistico italiano del dopoguerra, Volpini si è dedicato altresì all’attività di stampatore in Urbino, attività, che lo ha condotto a cimentarsi nelle tecniche più diverse. Proprio questa eclettica sperimentazione, nel nuovo Millennio, dopo un lungo silenzio, ha condotto l’artista ad avvalersi, per la realizzazione delle proprie opere, delle più moderne tecniche di riproduzione, come, ad esempio, i recentissimi ODM (opere-originali-digitali). A dimostrazione delle continuità e dell’importanza di Volpini sulla scena artistica italiana, la personale a Palazzo Ducale di Urbino nel 2002, nonché quella organizzata allo Studio Ghiglione di Genova nel 2006. Ancora, la partecipazione alla mostra “Un Secolo Arte Italiana – Lo sguardo del collezionista – Opere dalla Fondazione VAF” al MART di Rovereto nel 2005. E’, infine, recente la pubblicazione, a tiratura limitata, delle due monografie “Volpini anni Sessanta” e “Renato Volpini anni Sessanta…e oltre”, ove accanto alle opere storiche dell’artista non mancano di figurare i nuovi ODM.

Caratterizzante dell’artista “urbinate” è l’aver mantenuto nel tempo un’autonoma e propria interpretazione  della figurazione, del colore e dello spazio. Quest’ultimo non è mai volumetrico ma onirico mentre le immagini sono sempre anti-naturalistiche. Alla base della sua opera, l’intenzione di trasferire un mondo psichico in una realtà fenomenica.

da www.deodato-arte.it

Biografia:

Renata Boero vive e lavora a Milano

Principali esposizioni

2016

Riceve il premio BreraBicocca 2016 in occasione della mostra Percezione-Azione all’Università di Milano Bicocca

2015      

Inclusioni, Sinagoga di Casale Monferrato

Made in Filandia, Pieve a Presciano (Ar)

2014

Contaminazioni, Museo Diocesano, Milano, a cura di Paolo Biscottini

2013

La seduzione del monocromo riflessioni contemporanee su Mattia Preti, Cosenza, a cura di Bruno Corà

La città salvata. Omaggio a Simone Weil, Archivio Storico Comunale, Palermo, a cura di Vittoria Surian, con saggi introduttivi di M. C. Sala e M. Pasinati

2012

Ciclo di conferenze e mostre personali in Argentina: Universita di Tucuman, Cordoba, Museo Salta

2011

Castello Aragonese, Ischia, a cura di Marilena Pasquali

Oro, Galleria Artiscope, Bruxelles, a cura di Jean Pierre Van Tieghem

La ragione della ragione, Artissima - Back to the Future, Cardelli & Fontana, Torino - Sarzana

2010

Bocconi Art Gallery, Milano, a cura di Severino Salvemini e Ettore Buganza

Oltre il giardino, XII Biennale di Architettura, Venezia, e. c.

2009

Venezia salva, LIII Biennale d’Arte, Venezia, e. c.

Museo Nazionale Arte Moderna, Minsk

2008

Cromogrammi, Umetnostna Galerija, Maribor, a cura di Luca Beatrice  

Attraversamenti, Museo di Villa Croce, Genova

The bearable lightnessof being, XI Biennale di Architettura, Venezia, e. c., a cura di Lorand Hegyi e Davide Di Maggio

Anatomia dell’irrequietezza, Palazzo della Penna, Perugia, a cura di Luca Beatrice

2005

Borderline, UCSD - San Diego, California

2003

Il grande formato, Mart, Rovereto, a cura di Walter Guadagnini

1995

La grande scala, Galleria d’Arte Moderna, Bergamo, a cura di Vittorio Fagone

Palazzo Ducale, Genova

1993

Transiti, XLV Biennale d’Arte, Venezia, a cura di Achille Bonito Oliva

1992

Paesaggio con rovine, Museo di Gibellina, a cura di Achille Bonito Oliva

1989

Boero, Serrone della Villa Reale di Monza, Musei Civici,  a cura di Paolo Biscottini

1987

Scenografia per Il suono giallo di Kandinsky, Teatro della Tosse, Genova, con Lele Luzzati

1982

XL Biennale d’Arte, Venezia, Padiglione Italia, a cura di Luciano Caramel

1981

XVI Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo, Brasile, a cura di Bruno Mantura

1980

Biennale Van de la Kritiek, Antwerpen e Charleroi

Palais des Beaux Arts, Bruxelles

Galleria Artiscope, Bruxelles

Modern Art Galerie, Vienna

1979

Perspective Italienne, Musée de Saint Etienne, Saint Etienne

Le stanze del gioco, Pinacoteca Civica, Ravenna, a cura di Paolo Fossati e Pier Giovanni Castagnoli

Galleria Chantal Crousel, Parigi

Galerie Carinthia, Klagenfurt (Austria)

1978

Boero/Acconci, ICC, Antwerpen, a cura di Flor Bex

1977

Ipotesi ’80, Bari, a cura di Maurizio Fagiolo dell’Arco

Galleria d’Art Actuel, Knokke, Belgio

1976

Galleria Martano, Torino, a cura di Paolo Fossati

Per una tela di 20 metri, Galleria dei Carbini, Varazze

Colore, Modigliana (Forlì), a cura di M. Fagiolo Dell’Arco e L. Caramel

1975

Palazzo Ducale, Genova, a cura di Jack Lepage

La Fabrique, Toulouse

da www.cardelliefontana.com

Biografia:

Nato a Marsala (Trapani) il 16 Gennaio 1929, vive e lavora a Torino in Via Scarlatti 54. Già da bambino, alle Scuole Elementari, preferiva disegnare anziché studiare ed inoltre, nella fornace del padre imparò anche ad usare il tornio per fabbricare i vasi ed a maneggiare l'argilla. Giunto a Torino nel 1969 e pur lavorando (ha tre figli) si iscrive ai corsi serali di pittura dell'Accademia Albertina. Il passo da allievo a Maestro è la seconda fase del suo percorso artistico : Insegna sia all'Associazione del Gruppo Lancia di Torino che alla Scuola d'Arte di Settimo Torinese; i suoi allievi giovani e meno giovani lo seguono con la stessa passione con la quale lui insegna ed il loro connubbio è veramente positivo. Martinico ama la Pittura ad olio più di ogni altra tecnica pittorica ed è un instancabile produttore di opere Figurative che toccano tutti gli aspetti della Vita quotidiana: Paesaggi, Monumenti, Personaggi, Situazioni sono per il Pittore una "Fotografia" viva del sociale e dell'ammbiente in cui esso si esprime. Ha esposto un po’ ovunque nel Nord Italia ed in Sicilia ed ha ricevuto numerosissimi premi in vari concorsi.

da www.artigianandonellarte.it

Biografia:

Pittore, nato a Palestrina (Rm) nel 1974, vive ed opera a Valmontone (Rm). Autodidatta quanto alla formazione artistica, ha sempre manifestato viva sensibilità per l’arte; all’età di 31 anni viene “risucchiato” dal fascino della pittura e della creazione di forme astratte. Questa passione è nata in un momento di valutazione della vita e della sua importanza. La sua tecnica è molto personale: egli si fa trasportare dai colori e dalle forme creando il suo linguaggio e la sua armonia. 

MOSTRA: 

2006, collettiva, "FORMALE O INFORMALE?" GALLERIA PENTART trastevere ROMA. 

2006, collettiva, "IL GIOCO DELLA MEMORIA" GALLERIA PENTART trastevere ROMA. 

2006, Contemporanea di Pittura Venturina (Li)

2006, premio G. D'annunzio Pescara 22 - 28 ottobre

SERMONETA ART 2008 4° 

SERMONETA ART 2009 4° 

ARTEPADOVA 2009

ARTEGENOVA 2010

PREMANENZA: 

GALLERIA ARTECAPITAL BRESCIA (BS) LA GALLERIA EFFETTUA L'ARCHIVIAZIONE DELLE OPERE !!

http: //www.artemodernaarte.com/home/home. asp?pr_vo=1

GALLERIA ROBERTO ARTE PISTOIA (PT)
LA GALLERIA PRESENTA LE OPERE SIA ONLINE, E SIA NELLE MIGLIORI FIERE D'ARTE CONTEMPORANEA

http: //www.robertoarte.com/

La ritualità del segno, della prestazionale essenza cromatica completa l'attraente strutturazione materica. Pittura e forma in un unico equilibrio fruitivo. Marco Recchia spinge la sua ricerca stilistica oltre lo steccato del comune osservare, oltre i passati stilemi vanificati del pensiero avanguardista. E di arte d'avanguardia ritengo in tale occasione si debba parlare. Arte repellente alla premeditazione estetica, evolutiva del pensieroin quanto portatrice di sani proponimenti stilistici, di percepibili ideali compositivi. Ideali che supportati da una notevole conoscenza tecnica divengono prova di virtuosismo genetico, di capacità rara nel nostro palcoscenico artistico. 

Anna Francesca Biondolillo

da www.arterakugallery.it

Biografia:

(Napoli, 8 marzo 1920 – Anzio, 15 maggio 2008)

Nato a Napoli nel 1920, Caroli si è formato artisticamente a Roma dove la famiglia si era trasferita dal 1933. Nella capitale entra in contatto con Mafai e la Scuola Romana, segnatamente con Stradone, suo conterraneo. Nell'ultimo periodo della sua vita ha scelto di vivere ad Anzio, dove si è spento nel 2008, lasciando un patrimonio artistico di grande valore. Carlo Caroli, pittore espressionista, ha insegnato presso le Accademie delle Belle Arti di Foggia, di Carrara, di Napoli e di Roma. Alcune delle sue opere sono esposte ai Musei Vaticani e alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma. Nel 1948 e nel 1965 partecipa alla Quadriennale di Roma. Nel 1953, con l'opera “Periferia delle Fornaci”, il M° Caroli vince uno dei Premi Marzotto. Nel corso degli anni espone nelle gallerie d'arte più importanti d'Italia. Nel 1991 la Soprintendenza dell'Aquila gli dedica una mostra antologica nel Castello Spagnolo. Nella pittura di Caroli sono rappresentati i luoghi visitati nel corso dei suoi viaggi: Brasile, Svizzera, Turchia, Spagna.

da www.arteoggi.eu

Biografia:

Mario Grimaldi, nato a Campobasso nel 1923 alla fine degli anni Trenta si trasferisce a Napoli, in casa di parenti, e frequenta, per tre anni, la locale Accademia di Belle Arti.
Partito per la guerra è fatto prigioniero dagli anglo-americani e al termine degli eventi bellici si stabilisce a L'Aquila.
Nel 1953 è invitato a visitare Albissola e negli anni succssivi vi si stabilisce definitivamente e divenendo un ceramista decoratore specializzato nella riproduzione di fiori e paesaggi.
Collabora, a partire dalla metà degli anni Cinquanta, con la manifattura per la produzione di ceramiche artistiche "Manifattura Ceramiche Italia" di proprietà di Ugo Michielotto e nel 1979 apre un laboratorio in proprio in Albissola Marina.
Pittore appassionato e ceramista muore ad Albissola Marina nel 1998.

da www.archivioceramica.com

Biografia:

 Milano 15/06/1869 -11/10/1946

Biografia:

Pittore professionista nato a Agropoli nel Salernitano il 13 dicembre 1945. Vive ed opera a Cologno Monzese - Milano. Sin da giovane si dedicò alla pittura, successivamente si diplomò alla Accademia Superiore di Brera. Sempre a Brera ha frequentato per due anni la scuola libera del nudo. Ha partecipato a numerosissime importanti rassegne. Di lui hanno parlato diversi autorevoli critici. Pittore allegorico, di contenuti altamente morali civili e religiosi.

Il cammino artistico di Luciano Cirillo, ha percorso tutti gli stadi più importanti della storia della pittura contemporanea: da quello figurativo, che comprende nature morte e paesaggi di notevole magia, a quello della piena libertà compositiva che costituisce la fase attuale della sua instancabile ricerca estetica.

Presentazione di Giorgio Falossi, sulla enciclopedia dei pittori e scultori del novecento I^ II^edizione anno 2000"

Colori raffinati e cantanti che aiutano a comporre il grande mosaico bizzantino, prezioso distillato di istinti, gioioso invito alla vita in una visione che dà apertura alla speranza. C'è un equilibrio di avventura fanciullesca ma anche un forte intuito in queste pitture specie quando si vedono gli interni centrali trasformarsi nelle varie successioni con la capacità di immettere, nella strada

mantenuta, un registro molto ampio di riflessioni, che sorgono, volute o spontanee, dagli slanci emotivi di Luciano Cirillo. Bisogna comunque tener presente che la pittura di Lucioano Cirillo non nasce così, nè così terminerà, ma è un cammino, un percorso inquieto e di ricerca, bisognoso di un continuo slancio che gli faccia sempre superare i pericoli della ripetizione o di una astrazione che può divenire rigida sino ad essere sclerotica. Due momenti di particolare rilievo: le opere strette e lunghe realizzate senza alterare la continuità del tratto grafico e dove il colore si insinua amabilmente e, opere quadrate o rettangolari che aprono ad un centro chiaramente leggibile, traboccante di chiarori cromatici, su cui gravitano episodi e, qualche volta anche spazi geometrici, sempre equilibrati da conclusioni sfumate verso l'intensità della periferia.

da www.lucianocirillo.it

Biografia: 

Nasce nel 1959 a Messina, illustratore, pittore, restauratore, Guglielmo Bambino si forma presso l’Istituto d’Arte messinese e si specializza all’Accademia di Belle Arti di Reggio Calabria. Docente di discipline pittoriche, dalla seconda metà degli anni ottanta insegna in molte sedi scolastiche siciliane, tra le quali: Caltagirone, Giarre, Capo d’Orlando, Milazzo fino a giungere, all’inizio degli anni ‘90, al Liceo Artistico Ernesto Basile di Messina.
Contestualmente, in veste di grafico pubblicitario impiegato presso l’agenzia Mark Studio di Cesare Campo, realizza le illustrazioni per marchi diversificati e nel ‘92 entra a far parte a pieno regime dello staff della neonata rivista messinese “Centonove” per la quale cura vignette e caricature a sfondo satirico prevalentemente rivolte a fatti e protagonisti della politica cittadina e regionale. Al frequente avvicendamento di vignette satirico-politiche abbina altresì la considerazione di temi locali decisamente evergreen, come i miti dello Stretto e la città in bilico tra pre e post terremoto. 
Alla lettura di fumetti supereroistici firmati Marvel e del celebre Dylan Dog affianca, quali fonti di ispirazione per le sue opere illustrative e pittoriche, autori come  Pollock, De Kuning, Vedova. L’influenza di Vespignani è determinante e rintracciabile, per sua stessa ammissione, soprattutto nelle più recenti realizzazioni di quadri oggetto di esposizione presso la Caruso Gallery di Milazzo.
Cura il restauro di alcuni elementi della “Vara” messinese (carro votivo portato in processione ogni anno il 15 di agosto e dedicato alla Madonna Assunta) e dei Giganti, Mata e Grifone, che vengono abilmente riportati al colore originale.
In qualità di copertinista veste graficamente il libro di storie dialettali di Peppino Caparra e, attualmente, è impegnato per Vittoria Arena nella creazione di alcune illustrazioni per un volume su vini e cucina mediterranea.

da: www.lescalinatedellarte.com

Biografia:

Nata a Messina nel 2002, frequenta per due anni l'atelier della pittrice Gabriella Raffa.

Biografia:

Nato nel 1928 e morto a Livorno nel 2005.

Biografia:

Guido Guidi (1901-1998) nacque a Livorno, generalmente indicato come anello di congiunzione tra i grandi Macchiaioli e le generazioni successive, dimostrò fin dalla tenera età una certa predisposizione per il disegno, attraverso il quale fissava le proprie osservazioni in merito a forme e colori, mostrando anche un certa abilità manuale.
Terminati gli studi alla scuola elementare, nel 1912 si iscrisse all’Istituto d’Arte e Mestieri, che frequentò solo per breve tempo, poichè fu richiamato presto al lavoro di ciabattino dalle gravi condizioni economiche familiari. In seguito a questa esperienza decise di aprire una propria bottega nel 1916, in pieno clima della prima guerra mondiale, ed infatti, fu chiamato alle armi presso il III Reggimento Cavalleria a Ferrara già nel 1919. Nonostante il lavoro per migliorare le condizioni economiche proprie e familiari, continuò ad esercitare la propria passione per il disegno attraverso studi dal vero. Anche gli eventi bellici non arrestarono la sua voglia di sperimentare e proprio di questi anni rimarranno alcune scene di vita militare, che ritornarono poi anche nella sua pittura, a testimoniare come l’artista visse intensamente questo periodo e di come certi avvenimenti rimasero impressi nella sua memoria.
Nel 1924 espose per la prima volta in pubblico i propri dipinti in una mostra collettiva denominata Cenacolo degli Illustri presso Firenze mentre, nel 1927, anno del suo matrimonio, espose presso Bottega d’Arte di Livorno con la sua prima mostra personale e legò la sua arte per diverso tempo al cognato Galliano Masini, già affermato tenore, il quale come un illuminato mecenate ne acquistò l’intera produzione, alleviando in questo modo anche le sofferenze psicologiche dell’artista.
Purtroppo, nonostante alcuni successi espositivi e riconoscimenti, come l’acquisto di un suo dipinto da parte della Real Casa nel 1936, l’artista non fu mai abbandonato da un certo malessere psichico, dovuto anche al termine del sodalizio con Masini, che lo costrinse a frequenti ricoveri a Volterra e a Pisa. Questa condizione di instabilità economica e soprattutto interiore, determinò un allontanamento dalla pittura, proprio in coincidenza con il secondo conflitto mondiale.
Riprese con entusiasmo la sua attività sul finire degli anni Quaranta ed il 1955 segnò il suo grande ritorno attraverso un esposizione per la Rassegna di Arte Popolare a Roma, seguita da un’altra mostra presso Bottega d’Arte a Livorno, nel 1956, che fu ripetuta nel 1959. Nel 1961 fu presente anche a Firenze alla Galleria Cancelli, come socio del Gruppo Labronico.
Dopo diversi anni vissuti praticamente in isolamento, a stretto contatto soltanto con la propria tavolozza, l’artista si trovò in breve tempo ad essere conteso tra i più importanti galleristi e collezionisti italiani che, colpiti dal suo modo personalissimo di dipingere, ne invasero lo studio.
Iniziò così per Guidi un periodo di intensissima attività espositiva, che lo portò a toccare tutte le più importanti città italiane, attraverso le più grandi manifestazioni artistiche del dopoguerra italiano.
Tappa ricorrente fu per l’artista Livorno, dove, nel 1966, tenne una Mostra Antologica organizzata dal Comune alla Casa della Cultura, che lo consacrò tra i maggiori pittori labronici nel Novecento, dando un definitivo riconoscimento alla sua arte.
Con gli anni Settanta continuarono le sue partecipazioni, sia a grandi manifestazioni internazionali, come la Biennale di Arte Contemporanea Europea, tenutasi ad Atene nel 1972, sia presso le più importanti Gallerie italiane.
Nel 1984, ad ulteriore conferma della popolarità e del successo raggiunti, venne pubblicata una monografia edita da Matteoni Editori di Lucca, curata da Piero Caprile, Elio Mercuri ed Adolfo Tucci. Le ultime mostre si tennero presso la Galleria Athena di Livorno, nel 1996, e presso il Giardino dell’Arte di Montenero, nel 1997.
Guidi scomparve nel 1998 e la sua memoria venne subito celebrata attraverso una serie di retrospettive dedicate alla persona e all’artista.

L’arte di Guidi nasce da un’esigenza propria, spontanea, che parte dalla sua interiorità. Fa parte della schiera di artisti che sono cresciuti sviluppando le proprie doti da autodidatti, vissuti un pò ai margini, ma questo non deve essere per l’artista visto come un qualcosa di riduttivo, al contrario, se non avesse vissuto un esperienza di questo tipo la sua arte avrebbe avuto certamente degli sviluppi diversi e forse, non sarebbe stata libera da condizionamenti esterni come invece fu. Egli ha saputo dare libero sfogo alla propria interiorità, al proprio sentire, senza servirsi di linguaggi già utilizzati da altri. Guidi costruisce le forme e le figure attraverso rapide pennellate, quasi sommarie, sfumando i contorni dei soggetti rappresentati. Il colore, sempre acceso e vivace, domina, ma mai arrivando ad annullare le figure ritratte. La sua pittura è spontanea, libera, non segue un percorso evolutivo predeterminato, trae spunto dalla quotidianità, le forme e le situazioni sono riconoscibili da tutti. Attraverso le sue tele è in grado di calare l’osservatore in uno spazio che sembra portarlo in una dimensione quasi onirica, forse proprio frutto della sua pennellate, dei suoi colori, della luminosità diffusa, che pure resta legata a contesti e spazi che sono quelli propri della realtà da tutti conosciuta e riconoscibile, che appare però qui in una dimensione inaspettata.

da www.deodato-arte.it

Biografia:

Nasce nel 1939.

Sergio Putatti, artista rappresentativo della generazione piu' inquieta e creativa della Torino del secondo dopoguerra, quella stessa generazione che ha visto accumunati gli artisti, i critici e le gallerie che daranno vita all’Arte Povera e singole personalita' di rilievo quali Mondino, Piacentino e Paolini.

Sergio Putatti e' presente con la sua attivita' artistica alla fine degli anni ’60, in cui ha esordito come pittore espressionista figurativo con mostre soprattutto a Torino e Milano.
Agli inizi degli anni ’70, dopo un periodo di riflessione e ricerca, sposta l’attenzione su problematiche di natura spaziale e concettuale percorrendo gli sviluppi dell’arte contemporanea.
Agli inizi degli anni ’80, invece, affronta nuovi interessi del campo del design, dello stilismo e della fotografia. In particolare come fotografo, segue cinema e teatro sperimentale.
Oggi, con un nuovo ritorno verso il suo interesse alla pittura, sviluppa contenuti e tecniche inedite in opere cicliche anche di grandi dimensioni.

da 1995-2015.undo.net

Biografia:

Diplomé de l’Ecole Normale Supérieure d’Education Artistique, Tita, cet ancien Instituteur devenu professeur d’Art plastique à l’Académie des Arts de Dakar, a également suivi des stages en bande dessinée et en scenographie sous l’égide de la Communauté Française de Belgique.

Animateur d’ateliers de théâtre d’enfants, de peinture et de bricolage plastique, Tita anime également des sé,inaires de formation en techniques de teinture, Batik, Bogolan et sérigraphie _ les séminaires souvent organisés dans les régions, à Dakar et à l’intérieur du Sénégal _ sont appuyés par des ONG de la place et certains Ministères comme celui de la Famille et de la Solidarité Nationale.

Toujours pationné de théâtre et de la musique, Tita impresario et vocal dans l’orchestre des enseignants du Sénégal à l’époque, manage des musiciens sénégalais et réalise des clips musicaux dont ceux de son fils Tanor Tita MBaye...

da. www.titambaye.com

Biografia:

Dino La Bianca è nato a Viareggio nel 1941, si diploma maestro d’arte all’Istituto A. Passaglia di Lucca nel 1960.
Nel 1962 frequenta un corso di scenografia a Roma ed esegue lavori per il teatro e per la televisione.
Partecipa a numerosi concorsi di pittura vincendo il 1°premio assoluto, vedi: Maschere e Carnevale Viareggio 1958, due volte Colori di Tirrenia 1961-1962, Premio Castiglioncello 1961, Premio Viareggio 1985.
Nel 1961 fonda a Forte dei Marmi il circolo artistico “La Galleria del Forte”, dove si ritrovano artisti come Migneco, Carrà, Dazzi e molti altri che insieme danno vita ad una grande “Marguttiana” che ricalca un poco la famosa strada romana, dove espongono artisti di grande livello italiani e stranieri.

Esposizioni:

1961 Galleria Moderna - Genova
1964 La Chiostrina - Firenze
1970 Galleria il Triangolo - Roma
1985 Palazzo delle Muse - Viareggio
1995 Galleria del Circolo Artistico - Bologna
2001 Auditorium Bonola - Milano
2005 Principe di Piemonte - Viareggio

da: www.dinolabianca.com

Biografia:

Nato ad Arezzo, 1948. 
Verso la fine degli anni Settanta, terminato il Liceo Artistico e diplomatosi all’Accademia di Belle Arti di Roma, Bellacci inizia la sua attività espositiva, con mostre a Parigi, Atene e Milano.  Dapprima lavora nell’ambito figurativo con forti suggestioni simboliche, poi si orienta verso un tipo di pittura che vuole coniugare la figurazione con l’astrattismo.
Bellacci dipinge anche i Quadri scolpiti, testimonianze delle sue ricerche sulle possibilità di unione tra scultura e pittura.

Esposizioni:

1979      Master Gallery, N.Y. – F.I.A.C., Paris

1980      Sammy Kinge Gallery, Paris

1981      Sammy Kinge Gallery, Paris – F.I.A.C., Paris

1982      Pisano Gallery, Milano

1983      Flora Gallery, Paris – Fiera Arte, Bologna

1984      Sammy Kinge Gallery, Paris

1985      Athena Gallery, Athens

1986      Cluny Gallery, Genève

1987      Flora Gallery, Paris – Fiera Arte, Milan

1992     Kiron, Paris

2000    Melina Mercouri Cultural Centre, Athens

2005     Espace Kiron – Parigi

da: www.pierluigibellacci.com

Biografia:

di Alessandro Cappabianca

Cecchi, Dario

Costumista e scenografo cinematografico, nato a Firenze il 26 maggio 1918 e morto a Roma il 16 settembre 1992. La pittura, cui si dedicò con passione, costituì un fondamentale punto di riferimento per la sua attività, come risulta evidente dalla cura nell'elaborazione cromatica e grafica dei costumi e delle scenografie da lui realizzati e dalla ricchezza e dalla precisione dei riferimenti storici in essi presenti. Figlio dello scrittore Emilio Cecchi e fratello della sceneggiatrice Suso Cecchi d'Amico, si diplomò all'Accademia di Belle Arti a Firenze. Curò i costumi per alcuni balletti del coreografo A. Millos e si avvicinò al cinema come assistente del grande costumista Gino Carlo Sensani. Nelle sue prime creazioni, avvenute tutte sotto il segno del melodramma, in prodotti popolari della fine degli anni Quaranta come I miserabili (1948) di Riccardo Freda, Il trovatore (1949) di Carmine Gallone (del quale curò anche le scenografie), o L'edera (1950) di Augusto Genina, C. introdusse un'elegante linearità, evitando ogni sovraccarico antiquario. La sua prova migliore fu per Il cappotto (1952) di Alberto Lattuada, nel quale, del resto, il capo di vestiario assume un'importanza primaria: il film è infatti tutto incentrato sul contrasto tra il vecchio cappotto liso e pieno di buchi di Renato Rascel, e quello nuovo, con il bavero foderato di pelliccia, simbolo proprio della nuova condizione del piccolo impiegato fino allora umiliato e offeso. Lavorò in seguito ancora con Lattuada per La lupa (1953) e La spiaggia (1954), del quale fu anche scenografo. In entrambi i casi, ancora una volta, gli abiti assumono un importante valore simbolico: nel primo il vestito da sposa di May Britt è visto come un richiamo alla purezza, mentre nel secondo l'inappuntabile completo bianco del miliardario blasé spicca nello squallido contesto balneare. Lavorò in seguito con Federico Fellini per le scene e i costumi di Il bidone (1955), e lo stesso anno con Mario Camerini per La bella mugnaia ideando, assieme a Maria Baroni, sua moglie, abiti spagnoli di fine Seicento di grande effetto, simili a quelli disegnati più tardi per Ferdinando I re di Napoli (1959) di Gianni Franciolini. Fu in questi anni che ebbe inizio la fruttuosa collaborazione con Alessandro Blasetti, a partire da La fortuna di essere donna (1955), del quale fu anche scenografo, passando per il film-reportage Io amo, tu ami… (1961), di cui realizzò la scenografia in collaborazione con Mario Garbuglia, fino a Io, io, io… e gli altri (1966). Dopo un'esperienza televisiva per L'Odissea di Franco Rossi (1968), C. tornò a una sorta di melodramma, ma in chiave ironica, con La Tosca (1973) di Luigi Magni, che può essere considerato il suo ultimo lavoro significativo. La figlia Nanà (propr. Anna), nata a Roma il 5 marzo del 1952, costumista teatrale, ha lavorato anche per il cinema (curando, per es., i costumi di I paladini ‒ Storia d'armi e d'amori, 1983, di Giacomo Battiato, e di film di ambientazione moderna come Gli occhiali d'oro, 1987, di Giuliano Montaldo).

da: www.treccani.it

Biografia:

Nato nel 1948 a Foligno, in Umbria, Ernando Venanzi si è avvicinato direttamente alle poetiche più d’avanguardia esponendo in rassegne attraverso gli Stati Uniti con artisti quali Salvador Dalì, Juan Mirò e Max Bill. 

Nel 1978 ha realizzato per il Palazzo dei Priori di Perugia la mostra in corpus unico “Viaggio immaginario nell’Inferno Dantesco”, divenuta poi itinerante in diverse sedi europee, Venanzi collaboratore artistico dei Principi di Monaco, vanta già 300 personali nelle principali città italiane e straniere, tra cui Roma, Parigi, Londra, New York, Tokio.

da: www.tenews.it

Biografia:

Nato a Lodi nel New Jersey il 31 gennaio del 1900. Suoi dipinti sono nelle collezioni della Queen's University di Belfast e del The Registry dell'University of Wales.

Biografia:

Figlio di Roberta Crippa, auenticatore, tramite la galleria Pace, delle opere del padre.

Biografia:

E’ nato a Monselice (Padova). Diplomato presso il Liceo Artistico di Carrara (Massa) con il massimo dei voti, abilitato all’insegnamento, ha frequentato quattro anni di anatomia artistica. Nel 1978 è stato insignito, “ad honorem”, del titolo di “Accademico di Merito” dell’ Accademia dei 500 di Roma 

Il 14 novembre 2000 è entrato a far parte, come “Accademico”, nella Pontificia Accademia Tiberina di Roma divenendone nel 2006 “Maestro Accademico”. Nei suoi trascorsi 45 anni di intensa attività artistica ha partecipato, ed attualmente partecipa, a rassegne e concorsi internazionali ottenendo numerosissimi riconoscimenti e consensi critici sia nel campo artistico pittorico, scultoreo e di designer.

Le sue opere di pittura e di scultura figurano in numerosi musei d’arte moderna nazionali ed internazionali , gallerie d’arte contemporanea in Italia ed all’estero, università e collezioni private. Famosi ed unici, sin dall’inizio della sua attività artistica, sono i suoi “olii su sacco”, così come, dal 1986, le sue “serigrafie ad olio su sacco”.

Affascinato da sempre dalla grafica, dal segno pulito, chiaro e semplice, il suo “design”, legato all’arte orafa, è un esempio di maestria che unisce dinamismo e sobrietà sprigionando effetti di vibrante luce.

Le sue opere  in bronzo sono espressione di grande forza interna che si libera attraverso un plasticismo espressivo che infonde sicurezza  e tranquillità d’animo . 

Parafrasando in poche parole il suo credo artistico pittorico e scultoreo: “luce, colore e plasticità cromatica” sono elementi puntualmente presenti in ognuna delle sue opere .

da: www.auxiliaitalia.it

Biografia:

Emilio Farina è un riconosciuto artista vicentino, romano d’adozione. Pittore visionario, dal 1972 ad oggi le sue opere sono state esposte in numerose gallerie italiane ed estere. La sua attività non è nuova ad istallazioni in complessi storici come Il “miracolo” di Donnaregina (1994), dove bozzetti dell’artista andavano ad integrare le parti perdute del ciclo di affreschi; il grande retablo “Lippi” (2000); 2003 – Mausoleo di Cecilia Metella; Tivoli Villa d’Este; Tempio di Adriano, ed ancora Palazzo Altemps per sostituire il Trono Ludovisi; “Al fuoco!Al fuoco!” a Palazzo Altieri (2006); Pantheon e Palazzo Spada, fino a “Aguardiente” nel Complesso di San Michele (2008), sempre a Roma. Il suo rapporto con l’ “Antico” è quello di una antichità reinterpretata, che quasi ne cancella l’originale suggestione visiva, per sovrapporsi ad essa in un approccio del tutto personale. L’Antico diventa così nient’altro che un pretesto pittorico per un nuovo sistema visivo, che spesso utilizza composizioni geometriche e la ripetizione di moduli pittorici. Tra le sue mostre principali estere: Galerie Art Contemporaine – Lione, Galeria El Museo – Bogotà, Palais De Artes – Marsiglia, Centro Cultural Palacio Gaviria – Madrid, Galerie Catherine Macè – Cannes, Caja S. Ferdinando – Siviglia. Ha inoltre esposto a New York e Los Angeles e alla Biennale de Il Cairo in Egitto. Nel settembre 2010 ha realizzato un’installazione per il rinnovato Palazzo Barberini a Roma.

Hanno scritto di lui:

Angelo Dragone, Mario De Candia, Carlo Apuleo, Vito Apuleo, Arnaldo Romani Brizzi, Ludovico Pratesi, Massimo Giraldi, Mario Padovan, Marco Di Capua, Enzo Belardello, Luigi Meneghelli, Linda De Santis, Mario Quesada, otello Lottini, Roberto pazzi, Claudio Strinati, Franco Torriani, Marina Marciano, Tano Citeroni, Francesca Boschetti, Lionello Puppi, D. Fonti, M. Centini, Farnco Pulcini, Emio Donaggio, Franca Calzavacca, G. Latini, Laura Cherubini, Giuliano Serafini, L. Gigliotti, Lella Durando, J. Domingo Fdez Figueroa, Rosa Perales Piqueres, Beatriz Fonseca, Ginès Lièbana, Miguel Maquieira Ron, Silvia Manteiga Pousa, Rob Smolders, C. Roger Denson, A. Madron, I. Franconetti, Gioia Mori, Ammon Barzel, Matilde De Angelis d’Ossat , Claudia  Cieri Via, Marzia Faietti, Cristina Acidini, Caterina Ragusa, Marisa Milella, Giorgia Simoncelli, Giuliano Menato, Piero Marino.

da: www.farinadoppiozero.it

Biografia:

ANDREOLI, Attilio. - Nato il 7 apr. 1877 a Milano, fu allievo di G. Bertini e V. Bignami all'Accademia di Brera, dove espose per la prima volta nel 1900 Rispha che protegge i corpi dei suoi figli, che vinse il premio Gavazzi. Nei primi anni della sua carriera riscosse notevoli successi. Nel 1903 vinse un altro premio a Milano con Cristo e l'adultera (Milano, Galleria d'arte moderna) e compì un ciclo di decorazioni murali nella chiesa dei Frati in via Farini; nello stesso anno la Galleria d'arte moderna di Milano ricevette in dono L'onomastico del Parroco a tempera e pastello. Lasciati i soggetti biblici e storici, si dedicò alla pittura di genere e ai ritratti. Nel 1917 vinse una medaglia d'oro a Milano con La Violinista.Il suo Autoritratto si trova alla Galleria di Piacenza e due ritratti di benefattori sono all'Ospedale maggiore di Milano. All'università cattolica, si trova Contardo Ferrini in una gloria di angeli,che fu la sua ultima opera di qualche rinomanza. L'interesse per la sua pittura decadde dopo il 1925, ma fu sempre socio onorario dell'Accademia di Brera, anche quando si ritirò a vivere presso Cannobbio. Morì a Milano il 9 nov. 1950. Si servì prevalentemente di un'accurata tecnica a spatola assai virtuosa, portando a termine le sue opere senza rifiniture a pennello, ottenendo effetti di tinte compatte e di smalto. Non si interessò ai problemi artistici che venivano dibattuti intorno a lui, ligio al programma di verismo aneddotico che si era presto prefisso.

Bibl.: G. P. Lucini, IV Espos. Biennale di Milano, in Emporium, II (1900), p. 330; Necrologio in Corriere della Sera, 11 nov. 1950; La Galleria d'Arte Moderna di Milano, I dipinti, Milano 1935, p. 12; G. Bascapè-E. Spinelli, Le raccolte d'arte dell'Ospedale Maggiore diMilano, Milano 1956, tav. 262; A. M. Comanducci, Diz. illustr. dei pittori e incisori moderni italiani,Milano 1945, p. 16; U. Galetti-E. Camesasca, Encicl. d. pittura ital., p.84; H. Vollmer, Allgem. Lexikon der bildenden Künstler des XX. Jahrh.s,I, p. 49.

di Renata Cipriani

da: www.treccani.it

Biografia:

Il 7 giugno 1901 nasce a Genova Victor, figlio di Plino e di Griselda Nomellini. Trascorrerà l'infanzia tra Torre del lago e fossa dell'Abete: erano gli anni in cui la versiliana era frequentata, oltre che da Lorenzo Viviani, dallo scultore de Albertis, da Ceccardo Roccatagliata Ceccardi, che dedicherà un'ode proprio ad Eros, Tristano, Victor, da Gabriele D'Annunzio, Eleonora Duse, Isadora Duncan, Grazia Deledda, Galileo Chini, tutti amici dei genitori di Victor. A lui Puccini regala dagli Stati Uniti una lanterna magica e librini giapponesi in carta di riso. Tra i suoi compagni di giochi, oltre ai ragazzini della zona troviamo Eros Chini. Nel 1915 l'incontro con Primo Conti col quale rimarrà in stretta amicizia per tutta la vita. Il padre spesso lo porta con sé e lo fa posare per lui come "aureo fanciullo". Frequenta le scuole del luogo: a Viareggio la Scuola Tecnica Pareggiata a Pietrasanta la Regia Scuola di belle Arti "Stagio Stagi". Allora non c'era la scelta dei licei che c'è adesso in Versilia. Per tutta la vita ricorderà glì infiammanti discorsi patriottici di Giosuè Borsi e Vittorio Locchi insieme allo spirito anarchico-garibaldino del padre.
Nel 1916 sarà affermato vicino a Massa mentre cercava di raggiungere le trincee della guerra mondiale. Il pensiero di dover partecipare alla guerra come volontario sarà ricorrente nella sua vita: prima l'Africa Orientale poi la seconda guerra mondiale. Di questo suo vissuto a noi raccontava soltanto gli scherzi che faceva ai commilitoni avendo lasciato ai pennelli la descrizione dei luoghi e degli orrori della guerra. Nel 1919 in un Nomellini si trasferiscono a Firenze. Victor ormai è un pittore che partecipa ai vari concorsi: nel 1923 vince il premio Stibbert; nel 1924 il Premio Luigi Bechi nell'ambito della IV edizione del Premio Ussi. Dal dicembre 1924, dopo la riapertura postbellica, frequenta la Libera Scuola del Nudo presso l'Accademia di Belle arti di Firenze: suoi compagni sono Mario Romoli, Guido Peyron, Massimo Costetti, Romano Dazzi.
Nel 1924 troviamo che, con il Gruppo Labronico, espone nove opere alla Galleria Pesaro di Milano. Nel frattempo diviene da Victor, Vittorio. Partecipa alle biennali di Venezia nel 1924, 1926, 1934, 1942. Dal 1925 trascorre lunghi periodi all'Impruneta dove nascerà il suo primo figlio Andrea. Si può dire che per il suo lavoro sia un periodo di impegno agreste: lavori nei campi, paesaggi e i personaggi imprunetini. Nel 1928 è vincitore all'Accademia di San Luca a Roma del premio M. Werstappen.
Nel 1935 parte all'avventura: va volontario in Eritrea dove resterà fino al 1937. Anche lì i suoi pennelli non si fermano: le Ambe, le marce, i villaggi indigeni, le scaramucce, le fantasie. Queste opere saranno esposte a Napoli (alla Triennale d'Oltremare del 1940) ed in Palazzo Vecchio a Firenze nel 1949 (Amici dell'Africa). Fra il 1937 e il 1941 diventerà socio della fabbrica di colori per artisti Ditta Di Volo in via De Bardi 13 a Firenze.
Il 7 giugno 1939 sposa Florence Bennett sorellastra di Massimo Campigli. Nel 1940 partecipa al Premio Cremona con la battaglia del grano. Nel 1941 va in guerra come tenente dei bersaglieri. Fra il 10 febbraio ed il 5 aprile sul fronte greco albanese, fra il 6 ed il 18 aprile su quello albano - jugoslavo, fra il 19 e il 23 aprile sul fronte greco - albanese: riceve varie croci al valore andando in avanscoperta.
Nel 1942 vince il concorso del Ministero della Guerra per rappresentare la guerra stessa insieme ad un operatore dell'Istituto Luce.

Nell'estate del 1942 è a Napoli e poi a Ischia dove entra in contrasto col comando tedesco e viene mandato al Lagonegro dove come sempre disegna schizza punti da cui trarrà gli argomenti per una mostra a Reggio Calabria nel 1960. Fra il 6 aprile l'8 settembre 1943 sarà nei Balcani, territori ex jugoslavi, al Quartier generale della II armata. Dopo l'otto settembre torna a casa a piedi con Gabriele Baldini passando da Zagabria e da Trieste. Il suo lavoro di pittore durante la guerra in Albania verrà esposto alla "Prima Mostra degli artisti italiani in armi" a Roma al Palazzo delle Esposizioni. L'8 agosto 1943 muore il padre Plino. Nascono le figlie Barbara e Aurora. Dopo la guerra inizia a seguire con Giovanni Spadolini e altri intellettuali Ferdinando Tartaglia, "L'uomo delle novità" come ebbe scriverne Giulio Cattaneo. Anche con Ferdinando Tartaglia strinse un'amicizia durata tutta la vita. Nel 1952 è nominato Accademico Aggregato alla classe di Pittura dell'Accademia delle Arti del Disegno di Firenze. Nel 1954 - 1962 crea tramite l'I.N.I.A.S.A corsi di mosaico decorativo frequentati da giovani e da artisti interessati a questa tecnica: fu qui che strinse amicizia col il pittore Sirio Salimbeni. Le opere musive realizzate da Vittorio e dai suoi allievi furono esposte con successo al "Chiostro Nuovo" nel 1956.Nel 1954 esegue un grande mosaico per il Santuario di S. Gemma Galgani a Lucca su disegno di Primo Conti. Fra il 1952 ed il 1959 si cimenterà con soggetti sacri (varie Vie Crucis) rappresentanti la sofferenza umana. Nel 1952 partecipa alla mostra "Mezzo secolo d'Arte Toscana" a Palazzo Strozzi a Firenze. Negli anni sessanta ci saranno numerose esposizioni personali: a Firenze, a Livorno, a Reggio Calabria, a Massa ed a Pisa. Con Sirio Salimbeni ed un suo allievo andranno spesso a dipingere en plein air nelle campagne dei dintorni. Dal 1955, non frequentando più d'estate Marina di Campo all'Isola D'Elba, si decise di cambiare spesso luogo di villeggiatura. Fu così che mentre noi eravamo sulla spiaggia il babbo dipingeva in giro paesaggi marini: Viareggio, Fiumaretta, Lerici, Marina di Pisa, Manarola.La domenica mattina spesso ci portavano a visitare i musei fiorentini. Dal 1961 lavora in uno studio a Palazzo Pandolfini con padre Tito Amodei. Fra il 1963 e il 64 insegna al Liceo Artistico di Firenze con Bruno Rosai. Il 6 marzo 1965 muore nella sua casa a Firenze. Al Premio de "Il Fiorino" del 1965 in Palazzo Strozzi vengono esposte tre opere in suo ricordo. La Galleria d'Arte Modena di Palazzo Pitti a Firenze acquista nel 1959 il dipintoDeposizione e nel 1968 il dipinto Marina al Tramonto. Sue opere si trovano in numerose collezioni private in Italia e all'estero e nei musei italiani. Fu uomo di raffinata cultura, informata su tutti i mutamenti dell'arte e del pensiero contemporaneo nonché studioso di storia. È rimasto nel suo studio un gran numero di opere nelle quali traspare l'intensità degli avvenimenti vissuti, dei suoi pensieri e della sua passione per la pittura, la sua vera vita. Come scrisse sulla sua tomba il fratello o poeta Alceste:

Amò e modulò con la sua arte le vivide immagini del mondo.

da: www.galleriaathena.com

Biografia:

Nato a Torino nel 1937

Giampietro Tamagno da sempre amante della pittura, inizia a dipingere in età giovanile, dapprima con colori a tempera e, dal 1975, con colori ad olio. Le sue prime opere sono firmate con lo pseudomino “Giampi”. Esordisce al giudizio dei critici partecipando al 5° "Consorso di pittura" indetto dal Comune di Rivalba (TO) nel 1979 ed è premiato. Da allora ha esposto in mostre personali a Torino, Pino Torinese, Rubiana, Rivarolo, La Morra, Orta San Giulio, Champoluc, Gressoney, Morgex, Torgnon e in altri capoluoghi piemontesi. Ha partecipato a mostre collettive e a concorsi di pittura conseguendo successi e riconoscimenti. Ha partecipato a numerosi “stages” di pittori in località montane al seguito del Maestro Mario Fumia e dipingendo “en plein air” ha potuto tradurre con fedeltà sulla tela le bellezze della natura. Le sue opere sono presenti in collezioni private italiane ed estere. Figura in pubblicazioni d’Arte tra cui “Avanguardie artistiche 2005” edito dal Centro Diffusione d’Arte di Palermo e sul catalogo d’Arte “Vent'anni di aderenza artistica culturale vanchigliese 1983-2003” edito dall’Associazione stessa di Torino. È presente nel "Censimento artistico italiano" 2010 edito dal Centro Diffusione Arte.

DICONO DI LUI

"La pittura di Giampiero Tamagno è un espressione fresca, raffinata più che spettacolare, una pittura che deve essere guardata da vicino, gustata nella leggerezza e trasparenza delle stesure, nella plasticità e delicatezza dei segni, nell’armonia degli accordi. Le sue tele evocano immagini, sembrano svelare segreti senza violarne l’intimità, tanto è la delicatezza dell’ispirazione e il tono dei colori sui quali egli indulge con amorevole compiacimento” 

Sergio Pelizzon

“Giampiero Tamagno, pittore schietto e leale, manifesta un amore infinito  per la natura, attraverso la serena armonia celata nel suo cuore di eterno fanciullo,  innamorato della libertà creativa del pensiero. Dotato di finissima educazione culturale e di innate valenze espressive, sognatore ed idealista, suole dipingere prevalentemente dal vero. Così ponendosi all’aria aperta, innanzi al cavalletto, a diretto contatto con il soggetto prescelto, Egli traduce, sulla tela, le traspiranti ed ovattate atmosfere paesaggistiche, mediante l’ausilio di una generosa tavolozza, che dal tenero arancio deriva all’aureo giallo, al delicato violetto, alle corpose terre, ai preziosi verdi smeraldo, in un sortilegio sempre nuovo di irripetibili emozioni, tempestate di luci e di colore. Perchè Giampiero Tamagno, pittore verace dallo stampo antico e fedele discepolo della scuola mitteleuropa, dipinge con l’entusiasmo dell’autodidatta e quelle sue fresche e vivaci inquadrature, stagliate sulla tela oppure elargite sulla ruvida superficie della pietra d’altura, modellano squarci di verità risolti a misura d’uomo. E in questo nostro tempo, dominato dal più sfrenato materialismo, molto ci gratifica il soffermarci con particolare riguardo su di un artista di razza, che ancora sa cogliere gli atavici  valori esistenziali, manifestando la  propria indole con la profondità del proprio sentimento”  

Aldo Albani

“Giampiero Tamagno, nella pittura ad olio e con gli acrilici su pietra, predilige il paesaggio ed i fiori campestri di reminiscenze ottocentesche, vale a dire, di un verismo temperato di romanticismo, tipico della scuola di Rivara e dei suoi discepoli.  L’artista si esprime con cromatismo vivo e solare. Il suo amore per l’ambiente montano lo conduce a dipingere “en plein air” aspetti emotivi di indubbio lirismo” 

Dario Alessi

“I quadri di Giampiero Tamagno, preferibilmente con soggetti alpestri, sono lievi, dai bei colori naturali, ricchi di particolari, che portano, a chi li osserva, quasi a percepire i suoni e i profumi dei luoghi ripresi dal pennello dell’artista.”  

Simonetta Corradelli

“ In tutti i lavori di Giampiero Tamagno a farla da padrone è il colore, vero soggetto della rappresentazione, che, steso in maniera attenta ed espressiva dall’artista, permette a coloro che guardano di provare le sensazioni che il pittore ha vissuto durante la fase di realizzazione.”  

Stefano Grandi

da: http://proximanoprofit.it/

Biografia:

Carlo Verdecchia
Casoli di Atri (TE) 1905 – Atri (TE) 1984

Figlio di un veterinario che era anche pittore, si formò all'Accademia di BB.AA. di Napoli sotto la guida di Vincenzo Volpe e Paolo Vetri. Fondamentale per la sua formazione fu la frequentazione di Giuseppe Casciaro, e l'aver vissuto nella sua casa, a diretto contatto con la sua ricca collezione d'arte, vero e proprio museo privato, nonchè con i numerosi artisti napoletani e non, che lì si incontravano. Sicuramente forte fu l'influenza del conterraneo Filippo Palizzi, di cui Casciaro possedeva, dopo l'Accademia napoletana, la più grande collezione di opere. 
Il 1927 segnò l'inizio della sua attività espositiva. Nel 1929 tenne la prima personale presso la galleria Bardi a Milano, che Carlo Carrà recensì con interesse sulle pagine de "L'Ambrosiano". Fu presente alle Sindacali napoletane dalla terza alla dodicesima (1931 - 1942) e nel 1940 fece parte del comitato organizzatore. Partecipò anche alle tre Intersindacali nazionali e alla IV Mostra d'arte del Sindacato di Abruzzo e Molise a Campobasso.
Espose più volte alle Biennali veneziane (nel 1936, nel 1938, nel 1942 con una personale e nel 1948). Partecipò anche alla II, alla III ed alla IV Quadriennale a Roma, nonchè nel dopoguerra alla VI ed alla VIII del 1959 - 60.

I primi dipinti, attualmente di proprietà della Banca Tercas di Atri (Te) rappresentano ripidi ed inconsueti paesaggi contadini animati da figure, quasi primitivi e di gusto naif. Le opere degli anni '30 partecipano alla poetica novecentista per il senso plastico e monumentale delle forme - soprattutto nelle figure -, per la nitida impostazione spaziale e per la severa tavolozza pregna di luce. Proprio i ritratti denotano una forte capacità espressiva ed un'intensa resa psicologica. Una pittura dunque, di impianto solido e rigoroso , resa con una tavolozza dalle cromie decise, dagli impasti densi, dai tagli anticonvenzionali, tipica del Novecento, anche se c'è chi ha sostenuto un'opinione diversa. In realtà, nonostante i temi trattati, la pittura di Verdecchia, rivela una varietà di interessi al di là della dimensione locale e nazionale. Dopo il secondo conflitto mondiale rimase legato alla figurazione, ma le sue scelte stilistiche furono coscienti ed aggiornate più di quanto si sia comunemente affermato. E' innegabile che i soggetti siano rimasti quelli della società contadina, del suo microcosmo abruzzese indagato dal vero attraverso i suoi tanti interessanti disegni dal tratto nervoso, e quindi, rielaborato e riproposto negli oli. Ma i paesaggi natii, gli animali (soprattutto vacche e vitelli) nei campi o i ritratti affettuosi di componenti familiari rivelano una cifra stilistica individuale fondata su una rielaborazione della migliore tradizione pittorica naturalista partenopea e italiana, in base a spunti derivati dalle avanguardie.
Fece parte della Libera Associazione di Artisti Napoletani, esponendo alla Galleria Forti nel 1944, insieme a Brancaccio, G. Casciaro, Crisconio, Paolo Ricci, Striccoli e Mario Vittorio. Ha partecipato a molte collettive nazionali, ed esposto in personali in tutta Italia. Nel dopoguerra, se i soggetti sono per lo più legati ancora alla civiltà contadina meridionale, il linguaggio, che risente delle esperienze più vitali dei primi decenni del XX secolo, si fà moderno, per rappresentare, attraverso la vigoria degli impasti e l'essenzialità della forma, un mondo agreste, dove affiora il dramma esistenziale. Contadini e vacche diventano simboli della condizione umana, ed al tempo stesso, pretesti per l'espressione di uno stile maturo.
Verdecchia è stato impegnato anche nell'attività didattica, in quanto ha insegnato Disegno dal vero all'Istituto d'arte di Torre del Greco e poi all'Istituto d'arte "Filippo Palizzi" di Napoli fino al 1976.

Biografia tratta dalla scheda a cura di Giovanna Cassese in "La pittura napoletana del '900" di M. Picone, Franco Di Mauro Editor

 Mostre 

1925   Premio Leonardo da Vinci Art School, New York

1927   II Mostra d’Arte, Sabaudia

1929   Carlo Verdecchia, Galleria Bardi, Milano

 Carlo Verdecchia, Galleria Il Milione, Milano

 Sindacale, Napoli

1930 Sindacale, Napoli

1932 Sindacale, Napoli

1933 Intersindacale, Firenze

1935 II Quadriennale, Roma

1936 XX Biennale, Venezia

1937 Sindacale d'Abruzzo e Molise

1938 XXI Biennale, Venezia

1939 III Quadriennale, Roma

1940 XXII Biennale, Venezia

1941 XI Sindacale, Napoli

1942 XXIII Biennale, Venezia, (sale personale con sei opere)

1943 IV Quadriennale, Roma

1944 Galleria Forti, Prima Mostra degli Artisti Liberi Napoletani, Napoli

1947 Prima Mostra d'Arte degli Artisti Vomeresi, Napoli

1948 I Annuale Nazionale, Cava dei Tirreni

 XXIV Biennale, Venezia

1950 Carlo Verdecchia, Galleria La Tavolozza, Napoli

1951 VI Quadriennale, Roma

 I Biennale Internazionale d'Arte Marinara, Genova

 I Mostra Nazionale Maggio di Bari

1952 II Mostra Nazionale Maggio di Bari

 Carlo Verdecchia, Galleria Lauro, Napoli

 Collettiva, Galleria La Medea, Napoli

1953 Mostra Sociale del Bianco e Nero, Promotrice S. Rosa, Napoli

 III Mostra Nazionale Maggio di Bari

 I Mostra d’Arte U. C. A. I., Castellammare di Stabia, Napoli

1954 Mostra Celebrativa del Bicentenario, Accademia BB. AA. Napoli

 IV Mostra Nazionale Maggio di Bari

 VIII Premio Michetti, Francavilla a Mare

 Carlo Verdecchia, Galleria S. Carlo, Napoli

1955 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1956 Casciaro, Chiancone, Di Marino, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Il piccolo formato, Galleria Mediterranea, Napoli

 Mostra della tavoletta, Galleria Giosi, Napoli

 I Concorso di Arti Plastiche e Figurative «Raffaele Uccella», Teatro Garibaldi, S. Maria Capua Vetere

1957 Colletiva, Galleria Michelangelo, Napoli

 Mostra d’Arte Figurativa di Artisti Napoletani, Circolo Banco Napoli, Napoli

 IV Mostra Nazionale di Pittura, Frattamaggiore, Napoli

1958 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 P. Pratella, C. Verdecchia, G. Casciaro, A Chiancone, Galleria Trieste, Napoli

1959 Mostra di 7 Maestri della Pittura Napoletana Contemporanea, Galleria S. Andrea, Milano

 VIII Quadriennale, Roma

1961 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Collettiva, Galleria S. Carlo, Napoli

 Mostra di Pittura Napoletana Contemporanea,  Olivetti, Pozzuoli

 Capaldo, Notte, Striccoli, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1962 Mostra dei Maestri della pittura napoletani contemporanea, Galleria La Plaza, Lacco Ameno

 Capaldo, Verdecchia, Vittorio, Galleria Mediterranea, Napoli

 Arte Figurativa Italiana, Il Novecento, Agerola

1963 Maestri della Pittura Napoletana Contemporanea Galleria Spinetti, Firenze

 IV Premio Posillipo

1964 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Mostra della natura morta, Galleria Mediterranea, Napoli

 Premio Michetti, Francavilla a Mare

 Bresciani, Verdecchia, Vittorio, Galleria Mediterranea, Napoli

1965 Collettiva, Galleria Giosi, Roma

1966 Maestri della Pittura Napoletana, Galleria Giosi, Roma

 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 VI Premio Posillipo, Napoli

1967 Bresciani, Striccoli, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 I Mostra Nazionale di Arte Sacra e Paesaggio, Nola

 Pittura Napoletana, La Lucerna, Napoli

 Mostra di pittura, Mare,pesca,pesce, Promotrice Salvator Rosa, Napoli

1968 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Pittori Napoletani contemporanei, Galleria Mediterranea, Napoli

1969 Notte, Striccoli, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1970 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1971 Dieci Maestri della Scuola Napoletana Contemporanea, Galleria Diarcon, Milano

 Grandi Maestri della pittura napoletana contemporanea, Galleria del Corso, Latina

1972 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1973 Mostra di pittori napoletani contemporanei, Accademia Artistica Pontano, Napoli

 Brancaccio, Chiancone, Giarrizzo, Girosi, Notte, Striccoli Verdecchia, Vittorio, Galleria Mediterranea, Napoli

1974 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

1975 Chiancone e Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Mostra di Pittori dell’Ottocento e Contemporanei, Galleria Mediterranea, Napoli

1976 Capaldo, Notte, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Carlo Verdecchia, Galleria Lauro, Napoli

1977 Carlo Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Collettiva, Centro d’arte Mediterranea, Torre del Greco, Napoli

1981 Carlo Verdecchia, Galleria Serio, Napoli

1982 Carlo Verdecchia, Galleria Serio, Napoli

1983 Linea Figurativa Napoletana, Galleria L’Isola, Milano

 Napoli Arte, Accademia di BB. AA., Napoli

1986 Carlo Verdecchia, Mostra antologica Palazzo Vescovile, Atri

1987 Chiancone, Striccoli, Verdecchia, Galleria Mediterranea, Napoli

 Mostra della natura morta, Galleria Mediterranea, Napoli

1988 Bresciani, Capaldo, Verdecchia, Vittorio, Galleria Mediterranea, Napoli

1990 Mostra della Natura morta, Galleria Mediterranea, Napoli

1993 Napoletani del Novecento a Roma, Galleria Esmeralda, Roma

1998 Carlo Verdecchia, Palazzo Ducale, Atri

 Ultime atmosfere del Novecento italiano, Mostra di Cava del 1948, Museo della Badia, Cava dei Tirreni

 Omaggio a Carlo Verdecchia, La Mediterranea arte, Napoli

2003 Bresciani, Capaldo, Verdecchia, Vittorio, La Mediterranea arte, Napoli

2004 Protagonisti del primo Novecento, La Mediterranea arte, Napoli

2005 La Natura morta dal 1940 ai giorni nostri, La Mediterranea arte, Napoli

 Carlo Verdecchia, La Mediterranea arte, Napoli

 Maestri del Novecento, La Mediterranea arte, Napoli

2006 Due secoli nella grafica, La Mediterranea arte, Napoli

 Verdecchia, Chiancone, Vittorio, La Mediterranea arte, Napoli  

 La figura nel Novecento, La Mediterranea arte, Napoli

 Bibliografia 

 D. Villani, Ottocento pittori allo specchio, Editrice d’Arte Cavour, Milano 1971

 Munari, Rea, Ruju, Linea figurativa napoletana, 1930-1980, Centro d’arte Serio, 1980

 C. Munari, Carlo Verdecchia, Centro d'Arte Serio, 1982

 Fuori dall'ombra, nuove tendenze delle arti a Napoli dal 1945 al 1965, catalogo, Elio De Rosa Editore, Napoli 1991

 Il Novecento, storia e civiltà della Campania, Electa Napoli, Napoli 1996

 Ultime atmosfere del Novecento italiano. La Mostra di Cava del 1948 tra novità e ritardi, Electa Napoli, Napoli 1998

 Ottocento-Novecento, due secoli di pittura a Napoli, con introduzione e intervista di M. Picone Petrusa, Electa Napoli, Napoli 1999

 M. Picone, Gli Anni difficili, arte a Napoli dal 1920 al 1945, Electa Napoli, Napoli 2000

 R. Pinto, La pittura napoletana del Novecento, Istituto Grafico Editoriale Italiano, Napoli 2002

 M. Picone, La pittura napoletana del Novecento, Franco Di Mauro Editore, Napoli 2005

da: www.mediterranea-arte.com

Biographie

Jean-Eugène Bersier, né le 8 juin 1895 à Paris, et mort dans la même ville le 23 octobre 1978, est un peintre et graveur français.

Jean Bersier est l'élève de Jean-Paul Laurens, Maurice Denis, René Ménard et René-Xavier Prinet.

En 1937, il est nommé sociétaire de la Société des peintres et graveurs, puis professeur d'histoire des techniques de la gravure à l'École Estienne à Paris, puis chef d'atelier de gravure à l'eau-forte à l'École des beaux-arts de Paris.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, il appartient au Front national des Arts (organe de la résistance dans le milieu des beaux-arts). Il obtient le prix Abd-el-Tif en 1942 avec André Bourdil. Il est notamment reconnu pour sa période algérienne où il peint des paysages des oasis du Sud algérien, mais aussi de l'Algérois.

Il publie une étude sur L'histoire de la gravure aux Éditions Berger-Levrault en 1947, faisant suite, en 1943, à son étude de La lithographie originale en France. Il devint docteur avec une thèse intitulée L'influence de l'Italie dans la peinture hollandaise. Il revient à l'École nationale des beaux-arts d'Alger en 1950, il y retournera en 1956 comme titulaire de la bourse des anciens Abd-el-Tif. En 1951, il fait la connaissance de Roger Forissier à qui il recommande la Hollande.

Il est le frère de Jeanne Bersier, épouse d'Edmond Friedel, directeur de l'École des Mines de Paris. Jean Eugène et Jeanne Bersier, et leur soeur Isabelle, sont les petits-enfants du pasteur Eugène Bersier.

Œuvres dans les collections publiques

En Algérie

• Alger, musée national des beaux-arts :

  • Fort et Casbah ;

  • Vues de la Villa Abd El Tif ;

  • Fontaine du Hamma ;

  • Place du Gouvernement, 1947 ;

  • Environs d'Alger ;

• Oran, musée national Zabana ;

Aux États-Unis

• Boston, musée des beaux-arts ;

En France

• Belfort, préfecture ;

• Belfort, musée d'art et d'histoire de Belfort ;

• Épinal, musée départemental d'art ancien et contemporain ;

• Grenoble, musée de Grenoble ;

• Mulhouse, musée des beaux-arts ;

• Paris, département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France ;

• Paris, musée d'art moderne ;

• Paris, musée Carnavalet : Portrait de Paul Valéry ;

• Strasbourg, musée d'art moderne et contemporain ;

• Vesoul, musée Georges-Garret ;

Aux Pays-Bas

• La Haye, musée municipal ;

Au Royaume-Uni

• Londres, British Museum.

Salons et expositions

• Paris, 1913, Salon de la Société nationale des beaux-arts ;

• Paris, 1921, Salon des Tuileries ;

• Paris, 1926, Salon d'automne ;

• Paris, 1935, Salon des indépendants ;

• Alger, 1943, exposition des anciens pensionnaires de la villa Abd-el-Tif ;

• Versailles, 1992, exposition du Cercle algérianiste.

Timbre poste

• Timbre de 1942, dit 1F 50 Brun Type Pétain.

Publications

• La lithographie originale en France, Paris, 1920

• Douze dessins sacrés, Paris, 1931

• La gravure, les procédés, l'histoire, Paris, Éditions Berger-Levrault, 1947

• L'influence de l'Italie dans la peinture hollandaise, 1951

• La gravure en Europe d'Albert Durer à Toulouse-Lautrec, MNBA, 1952

• La gloire douloureuse de Rembrandt, 1956

• Goya inventeur de la gravure moderne, 1957

• Daumier lithographe, Paris, 1962

• Rembrandt, le premier des peintres graveurs, 1965

• Dürer, le graveur de la mélancolie, Paris, 1967

• Petite histoire de la lithographie en France, Paris, 1970

• Aux quatre vents de l'estampe, Dürer, Rembrandt, Goya, Daumier, Paris, Éditions Berger-Levrault, 1971

• Jean Duvet, le maitre de la licorne 1485-1570, Paris, Éditions Berger-Levrault, 1977

En collaboration 

• avec Jean-Daniel Rey, Pour ou contre l'impressionnisme, 1969

• avec Robert Bonfils, Robert Bonfils, 1946

• avec Odilon Redon, Odilon Redon et Nous, Études d'Art

Élèves

• Robert Nicoïdski.

Sources

• Élizabeth Cazenave, La villa Abd-el-Tif. Un demi siècle de vie artistique en Algérie 1907-1962, Association Abd el Tif, 1998 et 2002.

• Archives nationales : F.21/6912

Bibliographie

• André Encrevé, « Bersier, Jean-Eugène », in Patrick Cabanel et André Encrevé (dir.), Dictionnaire biographique des protestants français de 1787 à nos jours, tome 1 : A-C, Les Éditions de Paris Max Chaleil, Paris, 2015, p. 263-264

da: https://fr.wikipedia.org 

Biografia:

Paolo Toschi nasce a Firenze nel 1938.
La vicenda artistica di Paolo Toschi vanta ormai diversi decenni di vivace e feconda operosità. Nel suo itinerario operativo dagli anni ‘50 ad oggi, ancorchè lungo e vario, vi è però un’interna, sottile continuità, che scandisce, senza brusche interruzioni o scarti improvvisi, il progressivo evolversi dell’opera, caratterizzandone i tratti con coerenza e rigore.
Per meglio capire la qualità e la continuità di questa linea occorrerà risalire al Paolo Toschi degli inizi, al giovane studente dell’Istituto d’Arte di Porta Romana a Firenze, grande fucina di artefici e di mestieri, non dimenticando il privilegio di una contiguità operativa con il padre Ermanno Toschi, maestro notissimo del ‘900 toscano...

da: paolotoschi.xoom.it